15-03-2010

TODO BLUE

Pues no, el avión no se cayó, no nos devolvieron de migración y conseguimos "dentrar" a las Europas.

Después de anécdotas varias que serán transmitidas en el otro blog, de carácter mucho más personal que este, empezaré a contarles las cositas que he visto hasta ahora.

No quiero hablarles de monumentos, ni de pinches museos, ni de los vitrales de Chagall (que son para morirse), ni de los quesos o los chocolates Lindt, no. Quiero hablarles de 2 experiencias que abren con bombos y platillos este viaje que he intitulado: Crónicas WTF!

Después de encontrar la respectiva conexión en ese maravilloso servicio público suizo llamado tren y descubrir que el Theatre 11 se encontraba en Oerlikon. Hicimos una inspección previa el día anterior, ya que esas cagadas de la puntualidad suiza no son cuentos, mitos o leyendas, sino la más cruda verdad.

Compramos los tickets para The Blue Man Group, show que había visto acompañando a Ricky Martin en una presentación y que hizo que me pregunte: Y ESTOS QUIENES SON.

Eso fue ayer, y hoy a las 18:30 (hora exacta), nos encontramos en la fila 17 asientos 23 y 24, dispuestos a ver qué tan azul era la cosa.

A los de las primeras filas les daban unos impermeables de plástico para que no sean salpicados por los elementos que se usan durante el espectáculo.  Me parecía curiosa la actitud del público suizo, muy educado, hizo una intentona de apurar el inicio, pero nada que ver con las pifias, aplausos y demás bellezas latinoamericanas.

Después, empezaron a aparecer mensajes en alemán? suizo? esperanto? Difícil saberlo. Sólo era claro que los suizos se partían de risa, adiviné que de forma jocosa pedían al público que no tomen fotos, que no filmen, que le canten el cumpleaños feliz a uno de sus integrantes y otras cosas en ese tono.

Luego aparecieron ellos. Tipos azules (cubiertos con latex), vestidos de negro, que son músicos, actores y cualquier otra variante. Son de origen americano y su existencia data de los 80s. No se le ven las orejas, ni el cabello, y jamás se les escuchará la voz. Son como mimos de otro planeta.

El espectáculo se caracteriza por el uso de la tecnología en su máximo esplendor, video, música, animación, efectos especiales, luces, sonido, todo conspira para que se vivencie un show de calidad máxima.

Con altas dosis de humor, estos chicos a pesar de servirse de cuanto adelanto tecnológico exista, hacen una crítica o sátira de lo que es el mundo moderno, y de cómo la tecnología se ha apoderado de las relaciones humanas. Se burlan de la televisión, de las relaciones virtuales, del consumismo,  etc..

El show es muy interactivo, constantemente hacen incursiones entre el público, lo que me hacía susurrar: Dont come here, dont come here, con una actitud casi religiosa, cosa inaudita en mí. El miedo al escenario me consume.

Hay una cámara que aparece y desaparece para filmar lo que sucede, y para filmar al público también. La primera incursión que tuvo fue cuando una parejita llegó tarde, todo el show se detuvo, apareció la cámara sobre el escenario, encendieron una luz directo hacia los impuntuales, en una pantalla gigante todos vimos a la incómoda pareja y los ridiculizaron cantándoles una canción (no nos reímos de ellos, sino CON ellos)

Luego hubo más escenas montadas para hacernos escuchar buena música, con juegos de pinturas fosforescentes, sonidos, todo muy vanguardista y muy bien ejecutado. No hubo un solo error en una puesta escénica que requiere la máxima precisión y que en el backstage tiene un montón de gente (por lo que se pudo apreciar cuando llevaron a alguien allá atrás) pendiente de hasta el último detalle.

Para cuando llegó el final, tenían al público en el bolsillo. Rendido ante el encanto de un show refrescante y divertido. Liviano, pero a la vez reflexivo, y muy creativo en cuanto a su forma de presentar sus elementos. Al final, un montón de papel salió desde la parte de atrás del público, y pasó por encima de nuestras cabezas durante unos minutos, un papel que en la oscuridad y gracias a una hmmm lo voy a llamar cosa a falta de otro nombre técnico, que esparcieron en el aire, se veía azul fosforescente.

Durante casi dos horas, Blue Man Group mostró por qué es un show que vale la pena ver...pintados de azul para mostrar su marginalidad de un proceso de modernismo y normas sociales que los sorprende, siempre jugando con las reacciones de su entretenida audiencia, emergiendo a ratos como músicos, a ratos como actores, a ratos como críticos de la sociedad contemporánea, sin duda...sin ninguna duda, hay que verlos.

Una vez terminó el show, me sentí triste. Ahora eran parte del recuerdo, un triste y gris recuerdo que nada tenía que ver con el colorido momento que acababa de vivir...

Sin embargo...la noche no terminaba.

ENSAYO SOBRE LA CEGUERA

Se acuerdan de Borges que quedó ciego, al igual que Sabato a quien la ceguera lo atormentaba tanto que escribió dentro de Sobre héroes y tumbas: Ensayo sobre ciegos? Se acuerdan? Se acuerdan de Saramago y su Ensayo sobre la ceguera, se acuerdan? Se acuerdan de Mary Ingalls cuando queda ciega luego de la fiebre escarlatina? (Ok, me fui al chancho)

Bueno, dispuesta a vivir experiencias diferentes, estuve negociando reserva en el Blindekuh desde hace dos días. Para mi mala suerte estaba todo lleno, ahí jugué mi carta de periodista tercermundista ansiosa de aventuras, y me fue mejor. 

El Blindekuh es un restaurant novedoso, podríamos decir hasta freak para algunas personas. Se trata de simular la experiencia de la ceguera a la hora de comer. Hasta ahí, me parecía interesantísimo, pero nada me preparó para la realidad.

Salimos como alma que lleva el diablo del Theatre 11, luego de quedar azules de felicidad. Teníamos reserva en el Blindekuh a las 21:00, lo que nos daba exactamente 15 minutos para llegar a destino.

Tomamos nuevamente ese maravilloso servicio público suizo llamado tren ( EN SERIO QUE ES MARAVILLOSO) llegamos a la estación Standelhofen y nos dispusimos a encontrar la Muhlebachstrasse 148. Después de peregrinar un buen rato absolutamente perdidos, conseguimos a alguien que supiera dónde quedaba la bendita calle y optimistas nos dirigimos a destino.

Eran casi 15 cuadras, en unos peladares oscuros y donde no había alma transitando a esa hora. Si en ese momento salía de un arbusto Jason o Jigsaw a llevarnos, no me hubiera sorprendido.

Finalmente llegamos y divisamos la esquina del restaurant. Una casita muy singular que pueden apreciar en la foto correspondiente, como de cuento. Llevábamos como 10 minutos de retraso, y ellos sólo reciben gente hasta las 21:00, pero no importó...nos recibieron muy cordialmente y nos explicaron las reglas en una especie de elegante lobby.

El menú estaba proyectado en la pared, tal cual la foto, podíamos dejar nuestras cosas en unos casilleros, porque adentro la oscuridad es total y si perdemos algo, o dejamos algo, no se puede buscar. Nuestra mesera se llamaba Lisa, ella nos guiaría a la mesa. Para pedirle algo teníamos que llamarla por su nombre: LISA!!!! y Lisa vendría hasta nosotros. Si queríamos ir al baño o no soportábamos la experiencia, lo mismo: LISA!!! y Lisa nos sacaría a a luz.

Lisa es ciega, igual que todos los meseros que trabajan en ese lugar. La idea original del sitio era crear fuentes de trabajo para los no videntes y transmitir a las personas lo que significa no contar con el sentido de la vista.

Al rato apareció Lisa, de baja estatura, rubia, de entre 35 a 40 años, muy muy simpática, nos dijo en inglés que hagamos una sola línea, como un trencito y que nos guiaba hasta nuestra mesa. Atravesamos una cortina negra y la oscuridad fue absoluta. No había ni una onza de luz, ni la más leve posibilidad de ver siluetas o sombras, es la ceguera tal cual. Abrís y cerrás los ojos y sólo se escuchan a los otros clientes, a los meseros, el ruido de vasos, cubiertos, y ese tipo de cosas.

La experiencia se puede imaginar, incluso intuir, pero una vez se vive es mucho más heavy de lo que se piensa. Al no ver nada, quedamos a merced de nuestra agradable guía. Avanzamos un poco y ella nos indicó: ¨Aquí está tu silla", me dejó ahí y dio la vuelta con Fred para sentarlo al frente mío. Nos indicó donde quedaban los vasos, los cubiertos, la servilleta. Nos tomó el pedido, y nos dejó a solas con nuestra oscuridad.

Tanteé la mesa buscando los preciados objetos, tratando de ver algo y nada. Escuchaba las conversaciones inentendibles para mí latino oído. Si me lo hubieran contado, no lo habría sopesado a cabalidad. Luego vuelve Lisa de la nada, con los refrescos, sirve diestramente mientras intentamos encontrar el vaso.

Charlamos sobre lo freak y lo raro que se siente. Alrededor hay quienes parecen sentirse desinhibidos y hablan a grito pelado o ríen estridentemente. Gente sin rostro, sin imagen, a la que nunca reconoceremos, pero que están ahí compartiendo la cena con nosotros.

Al rato Lisa vuelve con los aperitivos, indica el lugar donde los deja y otra vez tantear, encontrar y llevarte a la boca algo que no sabés cómo luce, si tiene moho, si se ve bien. Te lo llevás a la boca y es experimentar sólo el sabor.

Luego la ensalada y el plato principal, para ese entonces, has encontrado más o menos la rutina de la mesa, ya sabés dónde está el vaso, podés tocarle la mano a  tu compañero o pellizcarle la pierna por debajo para que se asuste, podés jugar a cambiarle las cosas de lugar, así se confunde, ya hay cosas que se pueden hacer aparte de sentirte sumido en la oscuridad.

LISA!!! y Lisa parece estar siempre por ahí eficiente y amable. El plato de fondo era  Cordero y canelones. Para mí fue difícil cortar el cordero, porque venía acompañado de legumbres y papas, y no había manera de distinguir a no ser por la textura, qué era qué, tampoco había manera de distinguir cuándo habías acabado o no. Era raro comer las legumbres sin saber qué era qué exactamente, si lo que te llevabas a la boca eran zanahorias, habas o qué cosa. Sólo reconocí las zanahorias y la papa.

Ya cuando nos tocó comer el plato principal la oscuridad y la soledad eran más fuertes, porque casi todo el restaurant estaba vacío, escuchábamos a los meseros levantar los platos, limpiar las mesas, volcar las sillas. Parecía existir un bar cerca de nuestra mesa, donde además se preparaba el café. Los meseros eran llamados a la cocina por una especie de megáfono discreto. Tenían palabras para dar a entender que estaban pasando por un sitio...y así no chocarse unos con otros.

Sin duda una experiencia única. Salís absolutamente fascinado por la sensación, por el orden que reinaba en esa oscuridad, por cómo se vivencia una simple cena de manera totalmente diferente si no contás con la vista. No es para todos, eso sí.

Incluso para mí que soy amante de la oscuridad, parpadeaba a cada rato tratando de distinguir algo. Cuando llegamos había una mesa en la luz, cerca de lobby con cuatro personas, una de ellas fue incapaz de soportar la sensación y pidió que le sirvan afuera. Eso sucede.

La sensación es muy muy rara. Y cuando termina, ves la luz y hay una exclamación espontánea de alegría, al cruzar la cortina negra que te devuelve al mundo de los colores y las formas.

Abierto desde 1999, el nombre significa Vaca Ciega y alude a un juego infantil americano, similar a la gallinita ciega. El éxito ha sido tal que tienen sucursales en Londres, Paris y USA, aunque es el de Zurich el que reclama el título de ser el primero.

Además de la cena ofrecen conciertos y lecturas (bueno, recitaciones) a merced de la oscuridad. El amable concierge que atendía el lobby, nos contó que no todos los meseros son invidentes de nacimiento y que la iniciativa fue creada por una fundación de carácter privado, destinada a este tipo de actividades. Las anécdotas son muchas, incluidas un tipo que sin llamar a su mesero, en la oscuridad, llegó hasta una puerta y al sentir una manija abrió dejando entrar la luz al recinto y matando la experiencia para los otros.

Muy muy interesante. Una de las cosas que más recordaré de este viaje. Se podría decir que fui ciega durante casi 50 minutos...

O quizás vi mejor durante 50 minutos.

Próximo destino Friburgo!

8-03-2010

Poco Muchismo

De manera muy narcisista me siento directamente afectada por la segunda gran decepción del año: Alicia en el país de las maravillas. No sé cómo Tim pudo HACERME esto. Sí, Tim con quien llevamos una estrecha relación desde El Joven Manos de Tijeras, pasando por Beetlejuice, Ed Wood o El cadáver de la novia. Tim a quien le perdoné El Planeta de los Simios, Mars Attacks y la HORRIBLE Charlie y la fábrica de chocolate. No sé, no sé porqué Tim ME traiciona de nuevo.
O mejor dicho, sí sé. Esto sucede cuando se juntan Serrat y Locomía. En este caso, Tim Burton (director) y Disney. El resultado es lo que es. Un filme de Disney, que lleva la firma de Burton pero que muestra la parte más light y sosa de Burton, o sea… lo firme quien lo firme es básicamente un filme Disney.
Esto no sería malo, si no fuera porque Disney ya sacó una versión animada más que digna y mágica hace muchos años, un clásico de la animación, por lo que su propuesta disneyfila de Alicia en carne y hueso, resulta muy paupérrima y visto lo visto, porque las “esferitas” podrían bifurcarse en opiniones, es un filme intrascendente.
Iba a hablar de Lewis Carroll, de la pedofilia, de los sueños farmacológicos, de las postales que venden en Oxford ilustradas con Alicia…iba a hablar de espejos, de mi disfraz de Alicia, de Alice Liddley, de Alicia Munro, del Alice Game (hmm eso me recuerda que debo hablar de Rozen Maiden prontito) de muchas cosas más, pero eso era antes…cuando en mi mente ilusionada visualizábaME en la sala 3 del Cine Center con mis lentes 3D viviendo tórridas y burtonianas aventuras.
Ese fue el primer error. Los lentes 3D. Aún no descubro a quién dirigir mi carta reclamando los 10 pesos que pagué de más por ver Alice in Wonderland en 3D. No puedo recordar una película en la que el 3D sea más innecesario y caprichosamente incorporado que en esta.  El filme funcionaría exactamente igual sin los lentes.
En una versión muy libre del relato original (que no me dan ganas ni de discutirlo, hay muchas Alicias, y esta Alicia es otra Alicia, pero una Alicia al fin y al cabo) el filme comienza mostrándonos primero al padre de la individua, un visionario. Es ahí cuando Alicia niña y ñoña, entra a escena.
Todo bien, aun no había ni lágrimas ni resentimiento ni firma de papeles de divorcio con Tim. Luego Alicia joven, ñoña y ANNOYING (fastidiosa) se presenta. De la manera más aburrida del mundo, nos hacen ver que esta tipa es “diferente”, “especial”, ZZZZZZZZZZZZzzzzzzzZZZZZZ …mucho despliegue técnico para vendérnosla como semi-feminista y poseedora de una particular visión de la vida y el mundo.
Luego lo ya conocido, conejito blanco, vení que te agarro, pozo, piso, caigo, querida encogí a los niños, querida agrandé a los niños, Johnny Depp que vuelve a repetir como caricatura, y lo único más o menos cómico Helena Boham Carter como la Reina Roja.
El argumento es que Alicia estuvo en el inframundo cuando era niña, los recuerdos se borraron de su mente, aunque siempre tenía los mismos sueños relacionados con el hecho. Luego, con 19 años y a punto de ser pedida en matrimonio por un desagradable sujeto, vuelve al inframundo con la finalidad de devolverle la corona a la Reina Blanca (Anne Hathaway).
Si les suena aburrido epes poporquepe lopo epes. El guión está a cargo de Linda Woolverton que es autora también del guión de El Rey León y La Bella y la Bestia. Hmmm generalmente filmes animados, creo que el proyecto le quedó grandecito a esta individua.
Burton exhibe una Alicia (incorrecta al principio, incorrecta al final) donde el despliegue visual es todo aquello que soñábamos cuando veíamos los avances de las fotos, y hago hincapié en el bellísimo vestuario que encontré jodidamente bueno. Más nada.
Imagen y trapos no alcanzan para cubrir un guión sosito, pobremente presentado, donde una historia como la tejida por Lewis Carroll no tiene absolutamente nada de genio creativo…no hay riesgos en el montaje, no hay riesgos en la propuesta, no hay riesgos ni siquiera en la música que tiene de canción principal un tema INSIPIDO cantado por Avril Lavigne. Alicia, nuestra querida Alicia, es una tipa convencional en un mundo convencional, maquillado con efectos especiales, imponentes escenarios y alta costura.
El señor Burton (porque ya me rayé) vuelve a fallar, y comete los mismos errores que en Charlie y la fábrica de chocolates.  Dirige para un estudio una película poco memorable, grandilocuente a nivel visual pero muy pobre en contenido.
Entretendrá a algunos, aburrirá a otros, mientras que habremos unos cuantos que seguiremos esperando a la Alicia correcta, a la verdadera Alicia, una Alicia que puede haber sido esa Alicia, pero no es. La Alicia Alicia, prima hermana de Alicia Carroll. No es que sea exigente y necesite UNA sola Alicia, pero quiero una Alicia que me enamore, quiero una GRAN Alicia.
La que vi en el cine es Alicia Burton, y Alicia Burton no me gusta, es sosa y aburrida. ¡Que le corten la cabeza!
Lo mejor: Vestuario y aspectos estéticos
Lo peor: cero muchismo
La escena: donde aparecía la reina roja…que más o menos hacía reír.
Lo más falsete: la verdad que se sentía muy artificial
El mensaje manifiesto: No es nomás filmar adaptaciones, hay que tener un toque para lograr buenos resultados.
El mensaje latente: Burton, hace rato que no nos das nada impresionante
El consejo: Ahórrate el 3D, no lo vale
La pregunta: ¿qué sigue?


La Bombita
Acabo de terminar de ver los Oscar y tal como le predije a gente allegada, era más que seguro que The Hurt Locker iba a arrasar hasta con las servilletas. Esto por dos buenas razones: 1) Es una película que dado el contexto social y político que vive USA actualmente es políticamente correcta. Toca la fibra más sensible de los americanos, echando una mirada que pretende ser honesta al corazón de soldados americanos, no toma partido por nada abiertamente, se podría decir que la postura es tibia, aunque la explicación se relaciona con lo “humanista”. Ver a los soldados como gente que está ocupada en sobrevivir o en seguir adelante con la “misión”, que mostrarlos cuestionándose motivos  y 2) Está bien filmada. Hay una propuesta casi semidocumental, cortesía de algunas cámaras de 16mm usadas para impregnarle mayor realismo a escenas movidas.
Si bien The Hurt Locker no será la mejor película sobre la guerra que se ha filmado, tiene una primera mitad muy bien lograda. Está dirigida con sobriedad y sin pretensiones, intentando enfocarse en la historia. En este caso el argumento gira en torno a un grupo de soldados en Irak. Un escuadrón que desactiva bombas. El protagonista es el sargento Will James (Jeremy Renner) un sujeto que ha desactivado tantas bombas y se ha encontrado tantas veces al borde de la muerte que le ha perdido el respeto al peligro. Parece disfrutar la adrenalina, incluso puede parecer suicida, pero el personaje más que suicida o loco, navega en una especie de nomeimportismo.
Ese es el punto básico, un adicto a esa situación, al estar frente a una bomba con un 50% de sobrevivir y un 50% de morir. A pesar de tener mujer y descendencia, nuestro rancio soldado americano se verá obnubilado por los sinsabores de la cruenta batalla.
La guerra, es una droga, dicen al principio. Y no sólo una droga, sino un negocio muy lucrativo, quizás el más lucrativo. Pero eso sería otra película, ahora hablamos de The Hurt Locker y de los soldaditos americanos queriendo vivir la adrenalina de matar irakíes y no ser destruidos por kamikazes.
Los grandes aciertos de The Hurt Locker están en sus aspectos técnicos, buena fotografía, buen montaje, con una propuesta de estilo interesante. Minimal, precisa, sobria. Desprovista de artificios a nivel visual. Bien actuada, bien musicalizada, bien dirigida. Sí. No hay que negar los puntos fuertes de la película estrella de los Oscar 2010.
Los grandes desaciertos están en situaciones inverosímiles que nos muestran soldados con actitud naif, que nunca se dan cuenta que han invadido un país y cuya capacidad de reacción ante varios acontecimientos presentados dentro del argumento, es casi ridícula.
O sea, todo bien mi querida Kathryn Bigelow, pero es difícil creer que un auto va a pasarse descaradamente por medio de un escuadrón sin que nadie dispare ni una bala, es difícil creer que los irakíes se van a poner en los techos de sus casas sin ningún disimulo a darse indicaciones entre sí, delante de los gringos, para detonar una bomba.  Es difícil de creer que un escuadrón que se topa con el grupo de Ralph Phiennes en el desierto, se va a poner a charlar con él como si estuvieran en una Burger King. Y así sucesivamente.
No obstante la película se deja ver. Con ritmo pausado, pero no carente de emoción tiene muy buenos momentos. A destacar la provocación conseguida en algunas escenas, donde se insinúa que algo pasará, que algo está por romper la rutina, y no sucede nada.
A partir de la mitad, la trama se hace más artificial, menos real y va resquebrajándose para entregarnos un producto aceptable, pero muy lejano a ser llamado la mejor película del año. Repito NO es una mala película, es una película aceptable, digerible, pero que no aporta nada nuevo al género, que está rodada con buenas intenciones y que llega en un momento que USA necesita ver este tipo de historias, carente de cuestionamiento real acerca de la brutalidad de la guerra. Se podría decir que es condescendiente. Es un filme comercial, con tintes de cine de bajo presupuesto, pero que no deja de ser comercial.
El personaje adicto a la adrenalina, me recordó al conejo de un cuento de Galeano, aquel que al abrirle la jaula, se quedaba pegado al fondo con miedo a la libertad.
The HurtLocker ha ganado todos los premios habidos y por haber, hay quienes se sorprenden que sobrepase a Avatar. No podía ser de otra manera. Amén de sus caros efectos especiales, Avatar resulta una película entretenida, aunque para algunos (pocos parece) carente del factor Wow, estando destinada a provocar el Wow.
Sobre la guerra de Irak se seguirán haciendo películas. Algunas como esta, evitando el panfleto. Otras como Kimberly Pierce (directora de Boys dont cry) intentarán contar en filmes como Stop-Loss, la realidad de miles de soldados que NO quieren volver a esa adrenalina. A esos soldados que son llamados desertores, perseguidos por su propio gobierno, ejecutados civilmente, y puestos en la cárcel quitándoles todos sus beneficios si deciden no regresar a ese infierno. Historias, hay un montón.
The Hurt Locker es la película del año. La guerra, mientras tanto, sigue descarnada al otro lado del charco. Me pregunto qué pensarán los soldaditos por las noches.
Lo mejor: Bien filmada y se deja ver
Lo peor: el guión se cae después de la mitad
La escena: cuando se ve el montón de pedazos de bomba que guarda de souvenir, también la del niño que vende DVDs.
Lo más falsete: las escenas de peligro no estaban bien logradas
El mensaje manifiesto: La guerra es una droga
El mensaje latente: El cine comercial anda medio desvencijado
El consejo: Vela.
La pregunta: ¿cuánto habrá que esperar para que un director jodido exhiba una película sin autocomplaciencias de la invasión a Irak-Afganistán?

EXTRAS

• Hemos puesto la segunda parte de fotos que impactaron e hicieron historia en el link correspondiente.
• Estuvimos por La Paz gracias a la embajada española y la pasamos genial. Desde esta columna, agradecer sobremanera el trato dispensado por Sergi Farrá, María, Erika y todos aquellos que nos trataron tan bien que no queríamos volver. También un placer conocer la cinemateca finalmente y ver ahí Ring Ring. Si no fuera por un desagradable incidente en el aeropuerto, que todavía no cuento pero que ahora se está empezando a vivenciar con humor negro, todo hubiera sido perfecto. Mil gracias.
• Estamos viajando con Fred Núñez a Europa este jueves. Sí, cruzamos el charco, como parte del premio del Festival de Cine Europeo. Estaremos inicialmente en Suiza (Festival de Friburgo) y luego haremos un periplo por Europa. Desde allá escribiré constantemente en el blog de Aullidos de la calle como una crónica de viaje, y aquí colgaré información sobre espectáculos, teatro, cine que vea. Ya tengo entradas compradas para Varekai (Circo del Sol), The blue Man Group, Joaquín Cortes (YUPI!!!) Los vivancos y otros. Así que AGARRENSE.

17-02-2010

Me parece que vi un lindo gatito

En el cine, la cosa se puso “peluda”. Lo visto a esas horas de la noche provocó que llegara a mi casa muy cabreada, rebatiera mis Dvds y buscara con afán el pack Universal Studios Home of the Original Monsters, compuesto por Drácula, Frankestein y Hombre Lobo. Ajá. Hombre Lobo, la versión de 1941 en la que se inspiraron y a la que rinden homenaje en esta infumable versión del 2010.

Así que me puse a verla para quitarme el mal sabor de la otra, y para saber cómo repartir las culpas.

En la del 41, dirigida por George Waggner, los personajes principales tienen los mismos nombres, aunque la historia difiere.

La versión en blanco y negro nos ofrece a Lon Chaney Jr, dando vida al joven Talbot , que más que enemistad o rencor por el padre, simplemente se alejó de él para vivir la vida loca. La señorita Gwen es una tipa a la que conoce luego de mirar por su telescopio y, sin querer, caer en su ventana. La ventana de una tienda de antiguedades, a la que decide ir para conocer personalmente a la dama. Ahí compra un bastón que tiene una figura de hombre lobo en el mango, dicha figura está sobre un pentagrama. Supuestamente, la leyenda dice que el pentagrama es su símbolo y que suele aparecer en la próxima víctima del hombre lobo.

Hasta ahí no les parece mucho más ¨consistente¨ que el remake? También vemos brevemente al gran Bela Lugosi (mítico Drácula) interpretando a un gitano.

El primer encuentro con el hombre lobo se da cuando el señor Talbot tiene una cita con Gwen, esta lleva a su amiga Jenny para no ir sola. Los tres parten en alegre caravana a que los gitanos (que llegaron ese día) les lean el futuro. Mientras Jenny deja que Bela (gitano) le lea la palma de su mano. Talbot y Gwen salen a pasear. Mientras charlan, se escuchan gritos de Jenny. Talbot va a socorrerla y encuentra a un lobo atacándola, lo golpea con el bastón hasta matar al lobo y él se desmaya porque el lobo consiguió morderlo en el pecho.

Llega la policía, encuentran el bastón del tipo ahí y al lado el cuerpo de Bela golpeado por el bastón. La herida de Talbot se curó milagrosamente, sin que la policía tuviera tiempo de verla directamente y comienzan a pensar que Talbot asesinó a Jenny y a Bela, porque está loco.

Para ser del 41 está dignamente filmada, tampoco me pareció WOW, pero entre esta y la nueva, prefiero la del 41. En realidad, el gran problema que veo es que esta gente (Jhonston y Del Toro) hicieron un remake de un filme que ya de por sí estaba regularón.

Comprendo que a Guillermo del Toro (productor de The Wolfman y fanático de los bichos) se le caiga el calzoncillo por hacer una película de un personaje tan interesante como el hombre lobo. A nosotros como público, la idea de ver un filme sobre dicha leyenda, nos parece más que atractivo, pero ojo, si la intención era hacerlo por todo lo alto, el director indicado no sería Joe Jhonston.

Repasemos el currículum del señor: Querida encogí a los niños (ya, la disfruté), The Pagemaster (hmmm su protagonista era Macaulay Culkin en su época dorada y a pesar de eso el filme no funcionó),  Jumanji (ya, por lo menos entretenida), October Sky (bien nomás, pero era un dramita) , Jurassic Park III (hmmm más o menos), Hildago (entretenida, era la del caballo con Vigo Mortessen), eso sería todo.

Lo que vemos en este repaso es que el señor se caracteriza por hacer cine liviano, generalmente ñoño, donde a excepción de dos ocasiones (October Sky e Hidalgo) a nivel de dirección no hay mucho que rescatar.

O sea, una historia oscura, macabra, donde necesitás que alguien reviva el género...no se la podés dar a Joe Jhonston. Pero lo hicieron y el resultado es un filme aburrido, poco inspirado, en que se desperdicia a un gran casting y que en el afán de rendir homenajes, se atreven a poner unas transiciones horribles (luna llena, nubes pasando, lobos aullando de fondo)...como para esconderte debajo de la butaca, armar tu nido ahí y no salir nunca más.

Jhonston tomó el proyecto luego que Mark Romanek huyera como alma que lleva el diablo. Romanek es el que dirigió One hour photo, buen filme donde Robin Williams era un obsesionado y freak revelador de fotos...se acuerdan? Bien por Mark que supo correr a tiempo.

Hablemos de los guionistas, por un lado tenemos a Andrew Kevin Walker que tiene en su currículum películas tan dispares como Sleepy Hollow, 8mm y Seven, entre otras, y el otro crispín que metió sus manos fue David Self, que es el más preocupante con 13 días , The Haunting, y Beyond. What the hell is that!!! Trabajaron a cuatro manos, y el resultado ha sido terrible.

The Wolfman intenta ser historia de amor, una historia de miedo, una historia con efectos especiales, y no se redondea como ninguna de las tres. Desde el comienzo, cuando ves cómo Ben (hermano de Lawrence Talbot-Benicio del Toro) es atacado por el hombre lobo, notás que no vas a ver nada memorable.

La historia básica es que Lawrence (Benicio) vuelve a la casa de su padre (Anthony Hopkins) para averiguar qué pasó con su hermano.  Gwen (Emily Blunt) es la sufrida novia del muertito, y claro...ni bien conoce con Lawrence sabemos que el par acabará más enredado que televenta de Mariam Nazrala.

Cuando mostraron a Anthony Hopkins, le susurré a compañero de butaca..."seguro que bla bla bla bla" y tal cual...una historia muy predecible, filmada con cansancio. Donde Benicio Del Toro, que generalmente es muy buen actor, se ve opacado por un guión mediocre. Quizás el único actor que consigue imprimirle fuerza a pesar de TODO lo malo que tiene el filme, es Hugo Weaving (el agente Smith en Matrix y V de Venganza) cuyo papel de policía es muy convincente y refrescante.

Ya hablando de los efectos especiales, contrataron al gurú de Hollywood Rick Baker para este apartado, pero otra vez el maldito afán de recrear el bicho antiguo, hace que el monstruo luzca menos espectacular de lo previsto. Y eso que este crispín ya había trabajado en la entretenida Un Hombre Lobo americano en Londres. Aquí el bicho sólo se ve bien cuando se transforma, una vez es hombre lobo, nada. Resumiré la impresión en un espectador desconocido que mientras salía del cine decía "Hasta el lobo era feo".

Lo único que funciona relativamente bien son los momentos gore, que le imprimen desenfado a un filme por demás de aburrido y que sacuden al espectador del sopor en que se halla inmerso ante el desfile de personajes acartonados y  absurdos, con un guión igualmente absurdo.

Esta es una película en la que a pesar que todos se dejan la piel porque el proyecto funcione, que se nota el cariño que le han puesto a las locaciones, al vestuario, a la recreación de una Londres victoriana, a pesar de contar con gente de primer nivel en muchas de sus áreas, no cuidaron lo más importante: Guión y Dirección. Y sin esas cosas vitales, por mucho dinero que se haya invertido y por muy bien que funcionen las otras áreas, jamás podrá ser una buena película.

El hombre lobo es una de las grandes decepciones de este 2010, una prueba más que filmes destinados a entretener pueden aburrir.

Llegados a la parte final, yo dormitaba, abría los ojos y veía fuego, luego a Anthony Hopkins, luego a Benicio del Toro, reí con incredulidad pensando que era una pesadilla, y después de "escenas de acción", un diálogo digno de Lucero y Fernando Colunga...donde nuevamente reí entre sueños.

Luego, The End. La rabia comenzó a instalarse en mi corazón y el slogan del póster al salir: El hombre lobo: La Leyenda sigue viva...me hizo pensar en cómo los sueños mueren.

Y las leyendas también.

Lo mejor: Cuando vi ANTES de la película el trailer de Iron Man 2!!

Lo peor: ZZZZZZZZzzzzzzZZZZZZ es más efectiva que el valium

La escena: bueno, cuando corre por los tejados no estuvo tan mal.

Lo más falsete: casi todo

El mensaje manifiesto: había un mensaje?

El mensaje latente: ...

El consejo: hay cosas mejores en las que desperdiciar 2 horas de tu vida

La pregunta: ¿para cuándo una gran y renovada versión?

EXTRAS

LA PRINCESA Y EL SAPO: Una de las películas de Disney más flojas. Amo la animación y me miro todo lo que salga. En su momento expliqué cómo me fascinaba Dumbo, mi animación favorita de Disney. Ahora, la fábrica de sueños y estereotipos, decide lanzar lo que ha sido promocionado como la primera princesa negra. Amén del engaño, la tal princesa resulta ser la hija de una costurera, que trabaja de mesera en New Orleans...y cuya amiga, a la que su mamá le costura los vestidos, es una rubia rubísima ricachona, cabeza hueca, pero en el fondo buena.
A la ciudad llega un príncipe negro...flojo, tonto, cuyos padres le han cortado la ayuda económica porque éste quiere ser "independiente", para lograr tal independencia quiere casarse con una ricachona, adivinan? ajá, la rubia rubia amiga de la princesa-mesera negra. Lo dicho, está plagada de estereotipos, donde además los protagonistas (ambos) andan detrás del vil metal. Dos personajes rescatables: el cocodrilo...onda Balú, y la decadente luciérnaga francesa....Pudo ser un gran filme, teniendo en cuenta que Disney volvió al lápiz, pero la historia está muy mal construida, y los personajes dejan mucho que desear. Para los niños puede ser divertida o qué sé yo, pero no le llega ni a los talones a las historias de antes.

DIA DE LOS ENAMORADOS: Americanísima y relativamente digerible película ¿romántica? cuya fórmula es contar muchas historias al mismo tiempo. Con un elenco que incluye a Jennifer Garner, Ashton Kutchner, Jessica Alba, Julia Roberts, Emma Roberts, los galanes de Greys Anatomy, y otros, la película se deja ver. Obvio que tiene todos los clichés típicos del género y que intenta contarnos de manera agridulce historias sobre el amor, desamor y espejismos amorosos. En algunas de sus historias el resultado es bueno, en otras no. De todas formas no es una película que se pueda odiar y tiene como dos o tres historias que por lo menos zafan. Dirigida por el mismo director de Pretty Woman (siempre la vuelvo a ver), puede resultar cuando menos entretenida. De una manera muy light, pero entretenida.

SAW VI: AY!!!!! Extraño esas épocas en que yo arrastraba a compañero de butaca a ver Sexto Sentido o Hostel, o en una noche lo hacía mirar (muy a pesar suyo) El Exorcista, El Bebé de Rosmery y La mano que mece la cuna, bajo la excusa de que eran clásicos. Pues resulta que ya no quería ver las continuaciones de Saw, y compañero de butaca insistió así que increíblemente vamos por la SEXTA!!!!!  Aunque NO es aburrida (cómo te vas a aburrir si a cada rato sale una tripa o un pedazo de algo a alguien), es la sexta parte de una franquicia cuyas seis partes han sido exactamente lo mismo, variando crispines y situaciones. Hay que reconocer que esta estuvo mejor que la quinta...aunque a estas alturas ya es difícil recordar qué pasaba en las otras exactamente. Aquí el discípulo de Jig Saw secuestra a un tipo que le negaba su derecho a seguro médico a la gente que contrataba el servicio de la empresa, buscando fallas en las aplicaciones que dichos sujetos llenaban. Le pondrá varias pruebas, y mientras eso pasa, la esposa del famoso paciente terminal también ejercerá justicia divina. Será la última entrega? Parece que todavía hay espacio para una más. EL HORROR.

THE COLLECTOR: Alquilé esta huevada sin mayores expectativas. Es la ópera prima de uno de los guionistas de varias Saw, Marcus Dunstan. A ver, a nivel dirección no es WOW pero tiene sus momentos. A nivel argumento tiene sus baches...que incluso llegan a hacerte putear a la pantalla en 5 idiomas. PERO la huevada entretiene de principio a fin. Algunos críticos la han deshecho, yo doy un paso la costado y digo que por lo menos es muy entretenida. Un sujeto X, un nadie, un ladronzuelo de poca monta, trabaja como cerrajero. Paralelamente roba algunas de las casas en las que consigue trabajo. Es así que sabiendo que la familia de una casa en la que ha trabajado saldrá de paseo, decide ir a robarles. La presión está en conseguir dinero antes de la medianoche porque su esposa, la madre de su hija, tiene que pagar una deuda, y es gente muy mala, por lo que si no paga, ella y su hija desaparecerán. Entonces el tipo tiene que conseguir dinero sí o sí. Resulta que a un asesino serial se le ocurrió entrar a la misma casa. Este asesino serial es un coleccionista, atrapa a sus víctimas de forma macabra (ya lo verán), nunca dice nada, está con máscara y vestido de negro, no sabemos nada de él, ni de sus motivaciones, pero que está jodidamente trastornado queda claro en las miles de trampas que pone en la casa mientras secuestra a la familia. El momento? no tiene que ver con la película en sí, sino con algo MAS macabro. Se acuerdan del sitcome The Nanny? donde sale Fran Drescher? Bueno, la señorita Fine era niñera de tres niños. La niña menor era Gracie interpretada por Madeline Zima. En esta película aparece una Madeline Zima universitaria, que tiene una escena a sostén quitado que me hizo tapar los ojos! Por favor, los niños que conozco dejen de crecer.

PD1: NO se pierdan las presentaciones del gran Plushenko en los Juegos Olímpicos de Vancouver. Si no sabés quién es Plushenko, aquí te describo al rey.

PD2: Saludos a Cecilia de Houston, Eric de Brookling, Bruna de Londres, Alvaro de Francia, Oscar de Santa Cruz? y todas esas personas que me escriben a través del mail y me aconsejan cariñosamente películas.

PD3: La embajada española, gentilmente nos invitó (a Fred Núñez y a mí) a La Paz a presentar nuestro corto Ring Ring. Estaremos pisando suelo paceño el 2 de marzo, el corto se presentará en la AECI.

19-01-2010

“En busca del letrero EXIT”

Lo vivido el domingo a las 17:20 en la sala 10 del Cine Center no tiene más que un nombre: El horror, diría el personaje de Marlon Brando en Apocalipsis Now.

Hasta el momento, a excepción de unos cuantos exabruptos (léase Historia de vino, singani y alcobas) he tratado de dirigirme al cine nacional con cariño cómplice nacionalista y claro, la comprensión que me debe inundar ante las limitaciones que sufre cualquiera que desea hacer una película en este país.

No obstante, mi opinión fue siempre sincera. En algunos casos donde no llegábamos al horror, pero tampoco a la palabra “bueno”, decidí omitirla y créanme, he visto casi todos los filmes nacionales que han salido en los últimos 10 años y hay poco que rescatar.
En este caso, En busca del paraíso tiene que ser la película que cualquier aspirante a cineasta debe mirar para hacer exactamente lo contrario.
Y me da pena, porque conozco a parte del equipo técnico, y a algunos actores, e incluso puedo decir que las personas involucradas parecen gente de buenas intenciones, con ganas de contribuir a la alicaída industria cinematográfica boliviana.
Pero señores, eso no basta.

Para empezar, deberían corregir los créditos. Auspicio o Auspician no lleva acento en ninguna parte.
La idea es bastante simple: Por un lado están un grupo de chicas que se fueron a España a buscar mejor vida, y por otro, las “aventuras” y “desventuras” del hermano de una de estas muchachas, que está esperando completar los trámites para irse a España también.
La producción de la película duró un año y tres meses y fue rodada en 45 días: 30 en Santa Cruz y 15 en Madrid.

Con un tono ñoño y muy superficial, abordan la problemática que aqueja a miles de compatriotas, acompañado por un elenco lleno de nombres conocidos (Verónica Larrieu, Vivian Colombo, Vivian Donoso, Elina Laurinavicius, el infaltable Elías Serrano y otros) pobremente dirigidos, unos planos que te hacían desear alcanzar la muerte atragantándote con una pipoca, y un “todo” general que bordea lo malo malo malo, y agrede al buen gusto.

Está el personaje “abnegado” de Verónica Larrieu (quien resulta lo menos malo a nivel actoral) que no tuvieron mejor idea que mostrarla caminando por las calles de Madrid INFINIDAD DE VECES, con una musiquita de fondo que le daba aire ochentero, como para que nos quede claro que esas escenas las filmaron en la madre patria. Similar tortura ocurre con otros personajes, será frecuente el paseo por las calles, la musiquita de fondo y el slow motion.

Cuando pensás que ya viste lo peor, llega la propaganda para una cooperativa y una línea área. Debo confesar que esas dos escenas por sí solas hacen que el asunto valga la pena, si pensaba que en El Ascensor se les había ido la mano con el tema de las marcas, aquí directamente hacen un casi paréntesis para largarte como medio minuto de descarada publicidad...y digo que hacen que valga la pena, porque creo que JAMAS volveré a ver algo parecido en cine, y esas experiencias surrealistas se agradecen por el momento de hilaridad ofrecido.

Al estar dividida en lo que sucede en España y lo que sucede en Bolivia, En Busca del Paraíso transita entre los personajes de aquí y de allá, desgraciadamente el montaje tampoco ayuda a contar una historia que amén de las buenas intenciones, adolece de todos los clichés de este pueblo, se impregna de ese algo que tienen algunas películas nacionales y que se asemeja a un sketch de Chaplin o Tralala y encima pretende conmover.

Estéticamente no existe nada para rescatar, absolutamente nada, no sé si se tomaron la molestia siquiera de hacer corrección de color, pero si lo hicieron no se nota. Me encuentro algo consternada porque creo que hasta Safipro le ponía más empeño en sus producciones para televisión. Luces, foto, edición, estoy tratando de pensar qué rescatar y no encuentro nada.

Situaciones inverosímiles, que buscan ponerle el toque humorístico y que seguramente encontrarán eco en alguna parte de la platea, no consiguen redondearse. Las tan publicitadas escenas eróticas daban pena ajena, yo sólo pensaba: “Ay mamita, tapate”, no por puritanismos…sino porque no funcionaba. No daba.
El mismo Paz Padilla (guionista y uno de los directores) ha recalcado que su intención estaba lejos del cine arte, o de cuidar planos, también dijo que lo único que deseaba era plantear la interrogante del por qué nuestros compatriotas emigran hacia España, y hacer accesible el producto para todo público.
Lo primero ha sido cumplido con creces, pocas películas están tan años luz del cine arte como ésta…La interrogante no ha sido cumplida a cabalidad tampoco. El argumento es tan infantil que poco puede rescatarse como reflexión social, quizás su único logro (no desdeñable) es que es accesible para todo público. 

Cuando el final llegó, yo estaba a punto de cavar un túnel tratando de escapar. La sala estaba llena, y cualquier intento de huída era prácticamente imposible. Una vez aparecieron los créditos, pude levantarme, alejarme de ese infierno y buscar el paraíso…cualquier lugar lejos de ahí.

LO MEJOR: Cuando podés irte.
LO PEOR: Tantas cosas
LO MAS FALSETE: Tantas cosas, es difícil elegir.
LA ESCENA: la de las publicidades
EL MENSAJE MANIFIESTO: El paraíso no existe
EL MENSAJE LATENTE: No busqués el paraíso
EL CONSEJO: Run, Lola, Run
LA PREGUNTA: ¿habrá otra igual?

EXTRAS

LA OLA (Die Welle): Película alemana, que se basa en un experimento llevado a cabo en USA llamado La Tercera Ola. Un profesor de historia, Ron Jones, intentó explicar los alcances del fascismo a su grupo de estudiantes haciendo que en el aula se recree una organización y disciplinas que contribuyan a eliminar la conducta democrática. Uno de los lemas que usó fue "Fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo". El experimento tuvo resultados interesantes y eso sirvió para que el escritor Morthon Rue escribiera su versión en la novela La Ola (1981). En el 2008, el director alemán Dennis Gansel lleva la historia a la pantalla grande. En Alemania tuvo un éxito impresionante. El argumento es el siguiente: un profesor de secundaria, ante la pregunta de si un estado similar al nazismo podría surgir en la Alemania actual, decide experimentar con sus alumnos una suerte de estado fascista autocrático. Durante una semana la clase vivirá bajo ciertas reglas, normas y estatutos. Lo que comienza como algo divertido o cuando menos interesante, se va transformando lentamente en un mensaje sobre cómo un grupo de personas pueden ser absorbidos por un sistema dictatorial e ir en contra del que no esté con ellos. Si bien el filme toma un giro mucho más dramático que el experimento real de los 70s, la historia está bien contada. A rescatar que toca un tema muy jodido para un país como Alemania y que intenta dar un mensaje conciliador. A criticar, que cae en estereotipos, existen mensajes moralistas obvios, y a ratos parece película para televisión. En resumen, está bien actuada, más o menos en dirección, pero dentro de todo, se deja ver.

TODO SOBRE STEVE: Extraña o RARA película protagonizada por Sandra Bullock. En estos momentos, me pongo a pensar en este filme y todavía no consigo imaginar a dónde carajos querían llegar los que la escribieron, produjeron o dirigieron. Me extraña de Sandra Bullock que parece tener criterio para elegir sus papeles. Ni siquiera puedo decir que es MALA MALA MALA, es RARA…FREAK…muuuuy freak. Sandra interpreta a una tipa que se dedica a hacer crucigramas para un periódico (es un Larousse ilustrado ambulante) A la individua se le andan chipando los cables, y como está media vieja y anda soltera, sus padres le consiguen una cita a ciegas con un tal Steve. Steve trabaja para un canal de televisión y aunque al principio la cosa parece que va a cuajar, el personaje de Sandra se deschaveta y Steve huye como alma que lleva el diablo. Sandra, en una epifanía, decide seguirlo porque supone, asume, cree, está convencida gracias a “mensajes” del universo, que deben estar juntos. Si han leído hasta acá…no hay mucho que decir. Qué raro todo…

PANDORUM: Película de ciencia ficción protagonizado por Ben Foster (I love Ben) y el ex marido de Meg Ryan, del que me acabo del olvidar el nombre. Ese que era drogadicto y al que Meg le puso lo cuernos con Russel Crowe cuando filmaban Prueba de vida.  Bueno, resulta que Ben Foster estaba en una nave espacial, en una especie de cápsula del sueño y el filme arranca cuando despierta. Supuestamente, la tierra fue destruida y un grupo de humanos viajaron a otro planeta para intentar sobrevivir. Algo pasó y cuando Ben Foster se despierta hay unos bichos mutantes en la nave de los que tiene que huir. La misión? Poner a funcionar la nave, y tratar de continuar el viaje. Por qué se llama Pandorum? No, no es Pandora de Avatar..Pandorum es una enfermedad, supuestamente por las cápsulas espaciales o el sueño inducido, los que la sufrían se ponían paranoicos, violentos y erráticos. En general se deja ver…nada del otro mundo…aunque definitivamente no ganás nada viéndola, ni perdés nada dejándola de ver.

SHERLOCK HOLMES: Ya vi Sherlock Holmes!!!!!! La próxima, una detallada opinión.

30-12-2009

"I BELIEVE"

En este mundo lleno de desilusiones, donde te bombardean de publicidad para que vivás "increíbles experiencias" y luego con inocencia te sentás a ver cagadas como 2012, es natural que el cinismo te bañe como el tibio sol de la mañana.

El creer es un planteo más allá de la memorable pregunta que se hizo Umberto Eco con su libro: En qué creen los que no creen?

Para mí, Avatar era un filme poco atractivo. El hecho de que semejante derroche de verdes (la película más cara de la historia) fuera dirigido por James "My heart will go on" Cameron...le quitaba cualquier brillo ante mis incrédulos ojitos.

Seamos honestos, Cameron no es un mal director, pero se caracteriza por un cine de entretenimiento grandioso y tan vacío como un globo de helio. Esto no es un defecto si el entretenimiento cumple, pero tampoco hace que sea una gran promesa.

Odié Titanic (mátenme) y apenas pude digerir Mentiras Verdaderas (mátenme de nuevo), Avatar, entonces, no aparecía entre mis pálpitos a gran película del año.

Llegué justo cuando comenzaban los trailers, ese fue mi primer error. Si vas a ver una película de este tipo y en 3D, tenés que a fuerzas llegar temprano, ubicar un buen lugar entre la sexta y décima fila para que sintás que la saliva del actor se te cae encima.

Una vez comenzó, los primeros 15 minutos me empecé a preguntar si yo no estaba muerta por dentro, porque el fastuoso despliegue de efectos especiales no me parecía nada como para tanta alharaca.

Resignada ante mi falta de empatía seguí el desarrollo del argumento: Un marine paralítico es requerido por un grupo de científicos que trabajan en un proyecto especial: Avatar. Su hermano gemelo era quien originalmente estaba en dicho proyecto, pero como muere de imprevisto, necesitan a alguien con su mismo ADN para ocupar su lugar, ya que han gastado millones de dólares en su AVATAR.

La idea es que el susodicho se traslade a un planeta llamado Pandora, habitado por los Na´vi, raza que tiene su propia cultura. Los humanos, para variar, además de estar interesados en su forma de vida andan tras de un mineral que vale millones de dólares y que se encuentra bajo la aldea de estos muchachones.

El Avatar es un ser creado con genes de los na´vi y con genes humanos, y sólo lo puede manejar el humano del que se sacó el gen. Es como un juego de roles, o lo ya visto (no igual pero parecido) en Matrix, donde el crispín se acuesta en una máquina y maneja en tiempo real al OTRO.

Bueno, todo bien. Esa era la parte aburrida...luego cuando la cosa comienza a complicarse, empecé a sentir empatía. Ya sabía que si era una historia escrita por Cameron íbamos a ver ñoñeces al por mayor, aún así la trama avanza y a pesar de que dura casi tres horas conseguís disfrutar una experiencia que no llamaré orgásmica, pero que sí resulta cuando menos placentera.

Primero: La historia no es nueva, no tiene nada del otro mundo, es el típico argumento casi shakespeareano donde chico se enamora de chica del lado opuesto al que representa. Lucha de ¨clanes¨, la unión hace la fuerza, el amor todo lo consigue, bla bla bla bla todo con mensaje medioambiental de por medio, yo diría que como para no sentirnos mal ante tanto derroche de dinero. El extranjero, el de afuera, es el elegido, el que guiará a todos esos bárbaros hacia el triunfo...Sí, no es el GRAN guión pero cumple, y todos disfrutamos (y sobre todo entendemos) la ¨tiernísima¨ trama. Punto extra para Cameron que nos vende MAS de lo mismo, y encima salimos agradecidos y felices.

Segundo: Los personajes tampoco tienen mucha profundidad a pesar de estar casi tres horas  con el ojo pelado. El soldado tiene conflictos propios de las historias de este tipo; de los na´vi, aparte de fascinarnos con la intensa relación con su mundo y sus costumbres, no sabemos mucho. El objeto del afecto del protagonista es un personaje sin mayores matices...desde el principio sabemos hacia dónde apunta la historia.
Michelle Rodríguez se repite por enésima vez como chica ruda. Sigmone Weaver está ahí para recordarnos que alguna vez trabajó en Aliens y que no sabíamos nada más de ella hasta ese momento. Otro punto extra para Cameron: personajes más simples que discurso de Jhonny Fernández, y salimos agradecidos y felices.

Tercero: El tema visual y sonoro, es lo que realmente sostiene la película. Y en este caso, lo hace con un uso de los efectos especiales que sólo puede definirse como Hermoso (así con mayúscula). La tecnología usada en este proyecto sin duda es impresionante, aunque recalco, es el uso del 3D lo que marca la diferencia, porque recordemos lo que hizo Peter Jackson en El Señor de los Anillos con Gollum...Andy Serkins (el actor que interpreta a Freddy Krueger) era el que hacía todos los movimientos y gestos faciales, se dibujó sobre él para conseguir el personaje, si hablamos de innovación me parece que lo de Jackson marcó la pauta para los crispines que vinieron después. Más punto extra para Cameron: Su innovación es el resultado del trabajo de varios que innovaron antes que él,  aunque hay que reconocer que así sucede generalmente, de todas formas salimos agradecidos y felices.

Los paisajes recreados, tomando en cuenta que sólo el 40% del filme tiene escenarios reales, son absolutamente meritorios. A pesar de su simplicidad, el guión maneja puntos de giros suficientes como para que el sopor no invada la platea. Seguimos fascinados las batallas, los rituales, los conflictos, y todo ingrediente que sirva para mantener a flote una película apoyada en su espectacularidad visual.

En definitiva, cuando salían los créditos pensaba que Cameron era un pendejo inteligente. Tardó casi 15 años en llevar a la pantalla este proyecto, iba por la vida diciendo que cambiaría el cine con su peliculita, nos presenta un argumento visto hasta el cansancio, dice sin ascos que se inspiró en Danza con Lobos, y quienes vimos Danza con lobos no podemos evitar sonreír ante la aceptación de algo muy evidente, encima repite escenas de su filmografía, le roba a Abyss a Aliens, y a nosotros como público nos importa un sorete.

Por qué? Porque está bien hecho. No hay como negarlo. Y aunque parezca fácil y digamos que Cameron nos toma el pelo, no es así. Por eso lo menciono como punto extra, como algo que admirar o que reconocer. Ir al cine en estos días esperando ver películas grandiosas es casi siempre una decepción. Por mucha plata que se gaste, por mucho esfuerzo que se ponga, no todos pueden hacer funcionar la fórmula de entretenimiento+ historia boludita + lo mismo de siempre + grandes efectos especiales = Buena película.

Avatar lo es. Con todos sus defectos, con todo lo que se le puede criticar, sería muy cínico decir que no es una buena película o que no vale la pena verla. Hay que verla. Seguramente, tal como lo predijo Cameron, marcará un antes y un después en lo que se puede hacer a nivel tecnológico, y más allá de eso: entretiene y hace pasar un rato ameno, disfrutando tanto lo técnico como una bobalicona y archiconocida trama.

Para mí no es la GRAN película, ni tampoco me provoca adoración, pero sí la disfruté y puede ser, solamente puede ser...que vuelva a verla.

Cameron nos lo advirtió, en su momento sonó petulante, pero el tiempo le dio la razón. Yo no quería creerlo, me resistí con uñas y dientes a que sea verdad y heme aquí convertida...Avatar, nice movie.

LO MEJOR: Se deja ver y los grandiosos efectos especiales.
LO PEOR: Un argumento demasiado visto
LO MAS FALSETE: Bien reflexionada, la historia tiene más baches que el asfalto de ida al Plan 3000.
EL MENSAJE MANIFIESTO: Hay que proteger el medio ambiente
EL MENSAJE LATENTE: Los clichés aún funcionan
EL CONSEJO: Vela en 3D.
LA PREGUNTA: ¿cuántos oscaritos le irán a dar?
CURIOSIDADES
- James Cameron es canadiense.
- El director escribió y produjo la historia
- Para prepararse Cameron y su equipo se adentraron en Hawai para convivir con tribus del lugar y llevar un estilo de vida similar al presentado en la película.
- Algunos de los escenarios que se pueden ver en "Avatar" fueron grabados en el Golfo de México y posteriormente recreados en pantallas fotorealísticas CGI. Cabe destacar que únicamente 40 por ciento de la película cuenta con escenas "reales".
- El actor norteamericano Stephen Lang, quien protagoniza al "Coronel Quaritch" en la película, realizó casting en el año de 1986 para el largometraje Aliens, sin embargo, fue rechazado y posteriormente considerado por Cameron para actuar en su nuevo filme.
- Se está barajando la posibilidad de una segunda y tercera continuación.
- James Cameron escribió hace 15 años lo que sería el guión de Avatar; sin embargo, la redacción del texto fue hecho a modo de novela y el director no deseó llevarla al cine hasta que existiera la tecnología capaz de recrear los escenarios de esta historia.
- Antes de su estreno y días antes de que se dieran a conocer los primeros 24 minutos del filme durante la Cinema Expo 2009 en Ámsterdam; Cameron tuvo una reunión con Steven Spielberg, Peter Jackson y George Lucas, quienes dieron el visto bueno a "Avatar".

"TARANTINO Y SUS DELIRIOS"
Sólo Quentin Tarantino puede hacer una película tan delirante que a pesar de en conjunto resultar tonta, consiga grandes momentos, espectaculares momentos.

Ambientada en la II Guerra Mundial, cuando se ha visto todo o casi todo sobre el periodo donde Hitler hizo de las suyas, Malditos Bastardos trae una versión ficticia de los hechos, una versión con la que es imposible no llegar a simpatizar, una versión que en sus primeros minutos arroba y hace que pensemos que ese cerebrito de Tarantino es de lo mejor que tiene el cine mundial.

Tarantino es famoso por hacer filmes irreverentes, trayendo algo nuevo en sus jugosos e inteligentes diálogos, regalando personajes inolvidables como los de Pulp Fiction o Kill Bill, o sea, Tarantino está prácticamente más allá del bien y del mal.

La sinopsis de esta arriesgadísima propuesta es la que sigue: Mientras Hitler consolida su poder, y las ejecuciones y campos de concentración son prácticamente del dominio público, se forma un grupo, un grupo de judíos que se dedicarán a cazar nazis...los Malditos Bastardos. Este grupo de vengadores se caracteriza por sus prácticas sanguinarias y la falta de piedad, existe hasta cierto sadismo en su manera de impartir esa particular justicia.

Como la otra cara de la moneda está el personaje de Christoph Waltz, interpretando de manera impresionante a un cazador de judíos y que tiene el poder de lograr las mejores escenas.

Brad Pitt es el líder de los Malditos Bastardos, un grupo de exprisioneros judíos alentados por la sed de venganza, que ven la oportunidad de liquidar a Hitler y a los altos mandos de la SS en la premier de un filme sobre un héroe de guerra nazi.

Paralela a esta historia, tenemos la trama que envuelve a una sobreviviente del cazador de judíos y que con el trauma de haber sido testigo de la masacre en la que pereció su familia, también teje una venganza servida por las circunstancias.

Mezclando varios géneros, donde existe como pilar fundamental un corrosivo humor negro, el filme se pasea como en una montaña rusa, con subidas y bajadas.

Su primera media hora, es sin desperdicio y hay algo dentro tuyo que te susurra que estás viendo algo ESPECIAL. Cuando el filme avanza comienza a caer, el guión se resquebraja y se vuelve la excusa para presentarnos la escena orgásmica final, una escena que ni la Operación Valkyria soñó.

Malditos Bastardos pudo ser una obra maestra, y digo bien, pudo ser. Tarantino cae en los excesos que ha caracterizado su filmografía, esta vez sin la buena suerte y sin el tino de anteriores títulos. No obstante, sin duda es una película que posee el encanto de ser diferente, de tener una voz que va más allá de los cánones tradicionales en los que se mueve el cine americano, y que gracias a sus pequeños grandes momentos podrá quedarse en tu memoria e invitarte a verla una vez más.

Bien actuada, muy bien dirigida, bordea la locura y el desenfreno creativo, y por encima de todo tiene el sello de TARANTINO.

LO MEJOR: Grandes, grandes momentos
LO PEOR: Se despatarra
LO MAS FALSETE: los Malditos Bastardos que al principio parecen los propios, los meros meros, caen como pelotudos en una situación muy estúpida.
EL MENSAJE MANIFIESTO: La venganza es dulce
EL MENSAJE LATENTE: Una moneda siempre tiene dos caras
EL CONSEJO: Vela.
LA PREGUNTA: ¿le irán a dar el Oscar a Waltz?

EXTRAS

Julie y Julia: Esperaba esta película con mucho entusiasmo. Tanto la Adams como la Streep me parecen muy buenas actrices, así que la posibilidad de verlas juntas en una comedia liviana, parecía una muy buena idea. No estaba equivocada. O sea, no tanto. Nora Ephron, la directora, es conocida por Cuando Harry conoció a Sally, Tienes un e-mail y Sleepless in Seattle...sí, yo también me estaba preguntando dónde carajos está Meg Ryan en Julie and Julia. El caso es que esta película, es demasiado larga para mi gusto, y aunque ver a Meryl Streep demostrarnos por enésima vez que es la actriz más talentosa de su generación, las partes en que nos explicaban cosas casi sin importancia de la vida de Julia eran muy muy tediosas.  Para resumir: Julie es una boluda loser que como se siente inútil, poca cosa y otros, decide escribir un blog para distraerse. En dicho blog lleva a cabo un proyecto, hacer todas las recetas de cocina del famoso libro de Julia Child. Sí, muy entretenido. El filme trata de hacer una paralelismo entre las vidas de Julie y Julia y cómo la cocina juega un papel importante para ellas. Para quienes pensaron que salivaríamos ante los platos cocinados, pues no. El énfasis está puesto en las dos tipas. No es una mala película, tampoco me pareció fascinante. Una comedia regular, por partes bastante aburrida, pero que los amantes del feel good podrían definir como Linda.

Terror en la Antártida: Bueno, su nombre lo dice todo...es un terror, error, horror, verla. MALA, MUY MALA. MALA DE MALÍSIMA. Dirigida por un crispín llamado Dominic Sena, a quien le grité Morite Dominic Sena, mientras salían los créditos y que ahora descubro fue el director de Kalifornia, que en su momento, estuvo bastante bien. Pero eso fue en el 93, después hizo la cagada esa con Angelina Jolie y Nicolás Cage: 60 seconds y esa otra estupidez Swordfish con Travolta y Halle Berry. Parece que mientras pasan los años el tipo en lugar de mejorar, empeora. En esta ocasión nos trae la historia de un personaje del que yo decía en la oscuridad del cine, a cada rato y bastante emputada: Qué tipa más sonsa.
La pobrecita de Kate Beckinsale es la encargada de darle vida a esta pobre criatura. Una aguacil que traumada por la traición de un compañero en Miami, se traslada a la Antártida a trabajar en esos peladares. Ahí se involucra en el caso de un tipo que encuentran muerto, asesinado para más señas, se suceden una serie de hechos muy muy muy estúpidos, donde ella no sale bien parada tampoco. El final lo sabés como a los 15 minutos de empezada la película, y cuando termina, sólo sentís felicidad por poder salir de esa sala de cine.