9-02-2010

Los Perros ciegos del sol

l despertar en el bosque en medio del frío, y la oscuridad nocturnos había alargado la mano para tocar al niño que dormía a su lado. Noches más tenebrosas que las tinieblas y cada uno de los días más gris que el día anterior. Como el primer síntoma de un glaucoma frío empañando el mundo. (La carretera)

 

Cormac McCarthy pertenece a esa rara estirpe de escritores que huyen de los reflectores, de la fama, del mundanal ruido.

 

Al igual que Salinger (de quien hablaré cuando cesen los homenajes) y Thomas Pynchon, Cormac se caracteriza por vivir alejado del ojo público, celoso de su privacidad y según sus propias palabras, sin importarle que lean o no lean sus libros.

 

Y es que este escritor ha sabido construir un imaginario por el que cualquier lector se sentirá seducido. Una prosa que a veces se olvida de la puntuación convencional, donde priman los párrafos pequeños para describir situaciones. Muy poco ornamentada. Sencilla, simple, pero certera.

 

Aunque relate un glorioso y soleado día, su estilo hace que el corazón se te encoja en el pecho. Derrama melancolía, como expresé en mi opinión sobre la versión cinematográfica de No es país para viejos (basada en un libro suyo).

 

Hay una resignación, algo que te hace pensar que quien escribe no es un joven, un veinteañero o treinteañero que experimenta el lado salvaje de la vida. No. Lo que Cormac escribe tiene que ver con la desolación, el desencanto de un alma adulta.

 

La Carretera (The Road) te envuelve en una oscuridad de la que es difícil deshacerse. Sitúa la acción en un ambiente apocalíptico. Algo (nunca se llega a saber qué) hizo que la tierra cambiara, que el fuego consumiera campos o ciudades, dejando ceniza y frío; que la ¨civilización" que hoy conocemos sea un vago recuerdo, casi un sueño del que ahora es complicado discernir qué fue real. En este mundo post-desastre, los hombres comen hombres. No hay animales ni comida. Todo está devastado, barrido por una fuerza superior que hace imposible creer en Dios.

 

¿Se imaginan? ¿La bestia humana suelta, sin ataduras, en una situación precaria, con el único objetivo de sobrevivir?

 

Nuestros protagonistas son un hombre y un niño, padre e hijo. Nunca tendrán un nombre. La tragedia no permite individualizar. Cormac se referirá a ellos como el hombre y el chico. Ambos deambulan famélicos por la carretera, intentando llegar a la costa, al mar, con un disfraz de esperanza que nunca se consigue concretar.

 

Mientras la lectura avanza, te consume el latigazo emocional de la Nada. Padre e hijo caminan, viven, respiran, pero sin una razón, rodeados de cadáveres, asesinos y caníbales, el sinsentido da paso a pequeños vestigios de ¿esperanza? ¿alegría? No sé, siento que en este relato no hay espacio para ramalazos de felicidad. Encontrar comida cuando estás desfalleciendo de hambre, podría ser una luz, pero en este caso sólo alarga la tortura, el no saber. Alarga esa carretera que parece interminable llena de atemorizantes y desconocidos peligros.

 

Salió a la luz gris y se quedó allí de pie y fugazmente vio la verdad absoluta del mundo. El frío y despiadado girar de la tierra intestada. Oscuridad implacable. Los perros ciegos del sol en su carrera. El aplastante vacío negro del universo. Y en alguna parte dos animales perseguidos temblando como zorros escondidos en su madriguera. Tiempo prestado y mundo prestado y ojos prestados con que llorarlo.

 

Hay escenas que te dejan con el alma rota, quebrada por un momento, mirando el papel como si fuera un martillo. En medio de ese caos, de ese mundo sin Dios, el hombre y el chico conservan un amor puro, filial, que contrasta de manera marcada con lo grotesco y lo inhumano que los rodea.

 

Son 210 páginas en que acompañás a ambos personajes, sufrís el hambre, el miedo, el dolor, el vacío, el cansancio. El final llega, para algunos, sin fuerza, como el final de un mal chiste. Hay quienes lo rotulan de happy end, de cursi, de fake. Para mí, lo contrario. Un final abierto, tétrico en su continua incertidumbre, que nos vende la idea que puede ser que la cosa mejore, pero ¿cómo estar seguros? ¿puede mejorar? Creo que no. El final es como empezar el libro de nuevo. Un círculo donde de haber continuación, seguramente tocaría la misma melodía.

 

Otro detalle que se le ha criticado es que el tema ya ha sido usado por n escritores de ciencia ficción, que se ha visto en n películas, no digo que no, es verdad, el tema del ser humano sobreviviendo en un mundo hostil ha sido tocado muchas veces. Pero si usáramos ese argumento, podríamos decir lo mismo de las historias de amor, de envidia, de guerras, en el fondo todas son lo mismo, lo que las hace diferente es la manera en que las cuentan (escritores) o las filman (directores).

 

No importa si Cormac ahora sea tildado de escritor de masas, me parece que su reputación de uno de los escritores americanos contemporáneos más relevantes es correcta. Tiene su estilo, su "voz", y es tan personal que podría contar la historia más cliché del mundo y aún así hacerla especial.

 

En este libro consigue sacudirte. Te conmueve la sacrificada marcha de padre e hijo, la constante referencia al fuego que llevan dentro, como si en el fondo todavía creyeran que en ese mundo que ya no es mundo, existieran aún la bondad, el amor.

 

Vamos, dijo el hombre. Todo irá bien. Te lo prometo. Pero al inclinarse para mirar la cara del chico bajo la capucha de la manta mucho se temió que algo había desaparecido para siempre, irremediablemente.

 

Cormac es un gran escritor. Cuando terminé de leer La Carretera, me quedé perpleja y absurdamente triste.

 

Luego abracé al libro. Hacía mucho tiempo que no abrazaba un libro.

 

LO MEJOR: Conmueve

 

LO PEOR: Conmueve demasiado LO MAS FALSETE: …

 

LA ESCENA: cuando el chico ve al otro niño, cuando vieron al perro, el viejo de la carretera y cuando el niño le pide a su padre que lo lleve con él. EL MENSAJE MANIFIESTO: El fuego sobrevive a la barbarie

 

EL MENSAJE LATENTE: Pero la barbarie reinará EL CONSEJO: read it

 

LA PREGUNTA: ¿qué tal estará la película?

 

CURIOSIDADES

 

- El libro ganó el Pulitzer en el 2007. - Cormac concedió (milagrosamente) una entrevista a Oprah que hasta hace un par de días se podía ver en youtube, desgraciadamente el copyright dejará con las ganas a los que deseen verla.

 

- A Cormac no le gusta explicar cómo escribe sus libros o de cómo nacen las ideas, ya que dice que todo lo que está escrito es lo que es. No hay nada que agregar. Sin embargo, en la entrevista concedida a Oprah comentó que la relación que tiene con su hijo sirvió como referente para el profundo amor que el hombre y el chico se profesan. - Entre sus trabajos más destacados se encuentran 'Todos los hermosos caballos', primero de una trilogía y galardonado con el premio literario más importante de EEUU, el The National Book, al que siguieron 'En la frontera' y 'Ciudades en la llanura'.

 

- Dice que no le gusta juntarse con escritores y que prefiere a los físicos. - A finales del año pasado se estrenó la versión cinematográfica protagonizada por Viggo Mortensen (MI Vigo) y Charlize Therón. El director es un australiano que supuestamente tiene una muy aceptable ópera prima. Parece ser que Londra Films presentará la película en estas semanas. La espero con ansias y preocupación.

 

EXTRAS (LIBROS)

 

- Desde mi cielo (Alice Sebold, 2002): Y bueno, estaba más emocionada que perro en camioneta cuando me bajé de internet este libro (yes, mátenme amantes del copyright) Todo porque Peter Jackson se basó en este libro para su último filme Lovely the bones, y yo pensaba que si Peter lo eligió tendría que estar jodidamente bueno. Además, las reseñas regadas en internet lo avalaban y diversas revistas habían nombrado al bendito libro como uno de los mejores del año en que salió (2002). Ya ven hacia dónde me dirijo? Sí. Resulta que la primera mitad del libro está muy bien escrita.

 

Cuando empecé pensaba que estaba ante una gran obra. La idea de contar la historia del asesinato y violación de Susie Salmon y cómo el trágico hecho afectó a su familia y entorno, contarlo desde la perspectiva de la misma Susie, en primera persona, me pareció interesante.  Me creí todo, Susie adolescente empezando a relatar la historia desde una especie de limbo, donde impotente seguía el desarrollo de lo que pasaba en el mundo de los vivos.

 

Muy bonito. Hasta me arrancó una que otra lágrima (I know, ando más llorona que embarazada).. Y luego, después de envolvernos con esa mágica historia, después que le creés todo a Susie, a Alice, al pinche cielo, después se va al chancho con impulso. Pareciera que la autora no supo cerrar su historia, y luego de regalarnos etapas muy bien contadas, empieza a escribir parrafitos donde pasan meses o años. Muere Alice! Muere!! No podés. Ya lo de hmmm le voy a dar un nombre clave para que los que no lo han leído no lo huelan, lo de "Linda Blair" me pareció el colmo, tuve ganas de botar mi laptop por la ventana. Y siguió decayendo en las aguas oscuras de la falta de inspiración. No sé qué habrá hecho Peter Jackson, pero si yo fuera él, filmaba la película hasta la mitad y le quitaba todas las cosas estrafalarias que vienen después. En definitiva, un libro para leer hasta la mitad. Sí, han leído bien. Esa es mi recomendación. Gracias.

 

- El Desbarrancadero (Fernando Vallejo, 2001): Ganadora del Premio Rómulo Gallegos 2003, esta obra se caracteriza por ser como un vómito, un escupitajo de su autor. A Vallejo se lo conoce por su gran gran libro La Virgen de los Sicarios, que incluso fue llevada al cine. Su estilo es irreverente, oscuro, soez, uno se imagina a Vallejo como alguien muy amargado, solitario, desconectado del resto. Generalmente, las obras de este escritor colombiano tienen un toque autobiográfico, y en El Desbarrancadero nos cuenta la experiencia que significó la muerte de su hermano Darío, aquejado de SIDA.

 

Ahí conoceremos a La loca (como llama despectivamente a su madre), el autor reflexionará de manera virulenta acerca del sinsentido de la vida, acerca de la gran mentira que es la iglesia, Dios y esgrimirá con rencor insultos contra el Papa Juan Pablo II. Nos contará cómo inició a su hermano en el mundo homosexual (él también es gay) y su gusto (de ambos) por los muchachos jóvenes. Pero detrás de esta ira contra todo y contra todos, veremos la agonía de dos hermanos. De Darío, al que se le escapa la vida irrevocablemente gracias a esa terrible enfermedad y de Vallejo, que impotente intenta de maneras descabelladas hacer más llevaderos los últimos momentos de su hermano.

 

En un párrafo, Vallejo escribirá:

 

...cuando me llamó Carlos por teléfono a México a informarme que le acababan de apurar la muerte a Darío porque se estaba asfixiando, porque ya no aguantaba más y rogaba que lo mataran. Y en ese instante, con el teléfono en la mano, me mori. Colombia es un país afortunado. Tiene un escritor único. Uno que escribe muerto.

 

Fuerte no? El libro es eso, un homenaje a Darío, a un hermano. Se siente más como una catarsis del autor que embargado por el dolor recorre su memoria, reviviendo a ese que muere de SIDA. Y de paso, salda viejas deudas reconstruyendo en el papel su vida familiar, su relación con Colombia, su ausencia de nexos con eso que alguna vez fue su lugar de origen. Lo que te deja El Desbarrancadero es como su nombre, que suena a muerte, una muerte con la que Vallejo convive y a la que le habla.

 

Escrita con ese estilo corrosivo que le ha valido al escritor colombiano seguidores y detractores, a ratos se torna repetitivo, y de tanto repetirse puede sonar a algo similiar a una catarrera, pero no. Las palabras elegidas son las justas para el relato. Terminada la lectura sólo podés pensar que Darío y Fernando están muertos.

 

- La reina en el palacio de las corrientes de aire (Stieg Larsson, 2009): Decepcionante tercera parte de la famosa trilogía Millenium. Los que nos habíamos quedado con ganas de ver a Lisbeth Salander, por lo menos en ese plano quedamos satisfechos. El gran problema de la saga en general, es que aunque resulta adictiva la historia es poco coherente, y mientras más le avanzás más agua echa. En el libro anterior habíamos dejado a Lisbeth baleada y perseguida por la policía bajo sospecha de ser una agresiva asesina, mientras el bolas tristes de Mikael andaba queriendo ayudarla.

 

Esta tercera parte es lo mismo. Pero Lisbeth se la pasa todo el libro en el pinche hospital, Mikael sigue intentando ayudarla, su hermana se convierte en abogada de Lisbeth a pedido suyo, y paralelamente nos cuentan una historia bastante estúpida en la que Erika Berger es acosada. Mientras que el tomo 1 y 2 prácticamente me los devoré, esta entrega es aburridísima, hizo que lo leyera de a poco, mientras intercalaba con lecturas un poco más estimulantes. El personaje de Mikael se vuelve insoportable, y su papel de macho galán que se acuesta con todo lo que se mueve, me parece casi patético.

 

Lisbeth, a quien ya conocemos sus mañas y rarezas gracias al tomo 1 y 2, aparece bastante desdibujada, y ni siquiera ella consigue levantar una novela flojita. Dicen que la pareja de Larsson (el escritor que ya murió) tiene 200 páginas del 4to. libro. Ojalá y jamás vean la luz. Sobre los rumores desatados en Suecia acerca de la autoría real de la saga, no sé qué tanto discuten. La trilogía es adictiva pero no está escrita con una maestría sin igual, de hecho a nivel de estilo es bastante pobre aunque compensa el trabajo periodístico del que hace gala.

 

EXTRAS (CINE)

 

- Señores, para los que me preguntan porqué no he escrito sobre algunas películas, les informo que también estoy escribiendo para Almazen, pueden leer mi reseña de la conmovedora Invictus, de la livianamente entretenida Sherlock Holmes y de la asquerosa Luna Nueva en los links correspondientes.

 

- ARRASTRAME AL INFIERNO:  Hasta ahorita, de acordarme me cago de risa. Esta peliculita dirigida por Sam Raimi (el mismo crispín que dirigió las Spidermans) la tenía reservada para la pantalla grande. O sea, ya había visto que su versión pirata estaba en las calles y me contuve, porque no sé dónde leí que estaba buena. Así que llevaba meses esperando su estreno en el cine. Finalmente, eso sucedió la semana pasada, fuimos con compañero de butaca y un amigo más. La historia es sencilla: una tipa que trabaja extendiendo o negando créditos, quiere ascender de puesto. Justo cuando están contemplándola para dicho ascenso, una vieja gitana pide una extensión del crédito de su casa. Su perfil indica que ya le han dado dos extensiones previas y que no es buena candidata, la tipa consulta con su jefe y el jefe le dice que ella decida. Ella decide negárselo para que el jefe vea que no le tiembla la mano en decisiones fuertes. La vieja gitana arma su escándalo y luego la maldice. Lo que sigue es una avalancha de situaciones bizarras que me arrancaron risas, gritos de sorpresa (bueno, de asquito) y otros. Realmente no la considero una película de terror, porque no salís con miedo, pero que te hace pasar una experiencia rara, en la que te reís y te distraés como si tuvieras 5 años, eso ni cómo negarlo. Bien, es entretenida, divertida ( o seré yo nomás que tengo un humor macabro?) y relativamente bien hechita. Sí, véanla. Les dedico la escena del auto.

 

- ASALTO AL CAMION BLINDADO: Protagonizada por Matt Dillon, con Jean Reno, Laurence Fishburne y otros, este filme es más de lo mismo. Unos tipos que trabajan como guardias de seguridad transportando dinero, deciden robarse la plata que llevan en los camiones fingiendo un asalto. Aunque todos se ponen de acuerdo (son como 8 cambas), algo sale mal y las cosas se complican. ZzzzzZZZZZZZZZ absolutamente nada nuevo bajo el sol. Predecible, ñoña y nada más. Ligeramente entretenida, para las masas la fórmula funciona sin contratiempos, pero prescindible. No dan ganas de decir nada de ella, pero cumplo con informarles.

 

- American Playboy, un seductor irresistible: Dirigida por un insulso David MacKenzie, que continua dirigiendo huevadas sin aportar nada al cine, American Playboy es una historia simple y casi aburrida. Ashton Kutchner, muchacho HOT, flojo, desempleado, se dedica a liarse con mujeres maduras para que lo mantengan. Ajá, un puto, un gigoló. Todo va bien, aún consigue que las tipas mayores, adineradas y solitarias caigan a sus pies. Eso hasta que conoce a una tipa que resulta ser la horma de su zapato. El dicho de para cada roto hay un descosido, nunca fue tan cierto. Aunque hay escenas de sexo, jarana, y como que a la mitad intenta ir de la trama convencional hacia una trama "realista", el filme resbala y termina sin sorprender. A destacar el mensaje final, que deja al "amor" muy mal parado.

 

PD 1: Estamos actualizando más seguido el blog de Aullidos de la calle, en esta ocasión subimos un post dedicado a fotografías que impactaron e hicieron historia.  Vale la pena verlas.

 

PD 2: Me pidieron escribir algo para la revista Código Gourmet, cuyo número ha salido recientemente. La idea era mezclar el tema culinario con algún arte, en este caso el cine. Me inspiré en El Banquete de Babette. Aparte, la revista tiene recetas espectaculares y reportajes de cocina de alto nivel. Pueden conseguirla en cualquier punto de la ciudad.

 

 

 

19-01-2010

“Balada de la soledad”

Si te casas, te arrepentirás;
Si no te casas, también te arrepentirás.
Te cases o no te cases, lo mismo te arrepentirás.
Si te ríes de las locuras del mundo, te arrepentirás;
Si lloras, también te arrepentirás. Las rías o las llores, lo mismo te arrepentirás
Si te ahorcas, te arrepentirás; si no te ahorcas, también te arrepentirás.
Te ahorques o no te ahorques, lo mismo te arrepentirás
Tanto si te ahorcas como si no te ahorcas, te arrepentirás
Este es, señores, el resumen de toda la sabiduría de la vida
No es fortuito que en una de las escenas de Noi, el albino se recite estas palabras de Søren Kierkegaard. Kierkegaard que, según otro filósofo, hizo de su soledad un regalo para el mundo.
No. No es fortuito.
Después de un fin de semana con algunos chascos cinematográficos (a describir en los extras), tuve la suerte de ver este pequeño filme procedente de Islandia. Han leído bien: Islandia. Ni yo misma sabía qué esperar de un país al que sólo conocía por Björk, Sigur Rós y Emiliana Torrini.
Un país chiquito, con menos habitantes que Santa Cruz de la Sierra (casi 320.000), perdido en el extremo noroeste de Europa. Una isla rodeada de glaciares. Aislada. Sola.
El director islandés Dagur Kari debutó en el 2003 con Noi, el albino, filme que nos remite a películas cuyas temáticas nos muestran adolescentes algo freaks, inadaptados, desconectados del mundo, persiguiendo una quimera. Ya lo hicieron Donnie Darko y Ghost World, pero en este caso la narrativa es mucho más minimalista. El adolescente de 17 años (Noi) no transita la perturbación, ni el odio a su entorno. Su soledad se refleja en un paraje inhóspito donde la nieve, lo blanco se extiende al infinito, aunado a un frío que no cesa nunca.
El pueblo es tan pequeño que su aula no tiene más de 10 alumnos, la estación de servicio a la que va cuando se escapa del colegio, nunca tiene clientes; algo similar ocurre con la biblioteca. Todo es vacío, ausencia.
El rodaje se realizó en Bolungavík, un pueblito islandés que tiene 962 habitantes, paradigma de una absurda rutina. En el filme, Noi es huérfano de madre, su padre es un taxista alcohólico, no tiene hermanos, ni ningún otro nexo afectivo aparte de su abuela que es la que vive con él. No le gusta la escuela, los profesores lo creen estúpido, aunque en realidad tiene una inteligencia superior al promedio.
Noi tiene 17 años y está rodeado de gente que se conforma con ver la vida pasar. La pereza por levantarse de la cama, la apatía por ir al colegio, son tan solo metáforas de un rechazo hacia lo estático, a ese pinche pueblo donde todos los días son iguales. Un lugar donde él es el bicho raro, el albino, el que incapaz de sujetarse a esa pasividad, a ese desierto emocional, se resguarda en el subsuelo de su casa…
Eso hasta que conoce a Iris, otra adolescente de su misma edad, que comparte con él la soledad, el frío, la angustia de ser peculiar. Escena memorable cuando tienen su primera cita y no consiguen un lugar a dónde ir. O aquella donde parados frente a un mapamundi que tiene botones que iluminan a países, descubren que Islandia no se enciende. “Es una escupida”, dice Noi al señalar su país en el mapa, un punto remoto ante lo vasto del planeta.
Y claro, la quimera de Hawai con su paisaje obscenamente tropical y opuesto al de Islandia. El sueño del cambio, de una nueva vida, de romper una rutina que lo consume todo y que obliga a nuestro protagonista a intentar escapar…huir…
El guión se mueve en los aspectos más simples. No pretende darnos un gran mensaje existencial, ni tampoco mostrarnos de forma rimbombante el proceso espiritual que sigue el personaje. Los hechos se suceden con el mismo ritmo con el que los días pasan en un pueblo lejano, de pocos habitantes, con temperaturas bajo cero.
Con una fotografía bellísima, donde el color azulado ha sido elegido para darle al filme un aire más opresivo, tanto la dirección de arte como el vestuario contribuyen a lograr escenas que son casi postales.
La música compuesta y ejecutada por la banda del mismo director, Slowblow, cuyo estilo transita entre el ascetismo, lo electrónico y lo folk, terminan de redondear atmósferas. Una excelente banda sonora, agradable, melódica, diferente.
Con toques de humor negro, Noi, el albino, es la balada de un solitario.
Actuaciones más que convincentes, donde Tomás Lemarquis que interpreta a Noi, alcanza su momento culminante en la escena donde con la mirada fija y aguada, descubre por la TV que todo su entorno ha sido borrado del mundo.
Sobra decir que Dagur Kari, director y guionista, consigue una ópera prima que a nivel técnico es impecable, una lección para aquellos que desean dedicarse al cine y que a nivel de contenido alcanza visos realmente mágicos.
Llega un momento en que te preguntás hacia dónde está yendo y la respuesta llega rauda, poética. En un ataque de genio, el director cierra su película dejando a Noi más solo que al principio, absurda y cojudamente solo. La rutina es rota, pero deja a su paso más vacío, donde la imagen de palmeras hawaianas y olas marítimas, se transforman en una esperanza irrealizable. Frío, mucho frío.

 

LO MEJOR: diferente.
LO PEOR: no es para todos.
LO MAS FALSETE: …
LA ESCENA: la del mapa y el final.
EL MENSAJE MANIFIESTO: Estamos solos
EL MENSAJE LATENTE: Ciorán lo dijo: “La soledad no te enseña a estar solo, sino a ser único.”
EL CONSEJO: Dale una oportunidad, es muy linda.
LA PREGUNTA: ¿exhibirán en el cine de este pueblo, este tipo de películas algún día?
He dejado mi original de Noi, el albino en Netmovie (www.netmovie.com.bo o su lugar físico al lado del cine Bella Vista, frente al estadio) para que quienes deseen verla, puedan acceder a ella. Espero les guste.
CURIOSIDADES

  1. El profesor de francés que sale en el filme es el padre de Tomás Lemarquis (Noi) en la vida real y al igual que en la peli, es profesor.
  2. Las escenas de la playa fueron filmadas en Cuba, en un inicio Noi estaba incluido caminando por la playa, pero el director decidió dejar un mensaje más ambiguo.
  3. Las imágenes de las palmeras o de árboles verdes se repiten en distintas escenas, ya sea como parte de poleras, en la torta de cumpleaños de Noi y en el empapelado de la casa familiar.
  4. Ha ganado cerca de 20 premios internacionales en distintos festivales de cine.

EXTRAS

    • Nine: A ver, a ver…Rob Marshall no es cualquier crispín. El tipo ha sido nominado a Emys, Tonys, Globos de Oro, Oscars. Su filmografía incluye la muy recomendable Chicago, la insulsa Memorias de una geisha y ahora, Nine. Nine fue una experiencia rara, porque si bien es cierto que a nivel factura es impecable, que cuenta con un elenco de lujo (el gran Daniel Day Lewis, la siempre impecable Marion Cotillard, Penélope Cruz, Kate Hudson, Judi Dench y hasta la mismísima Sophia Loren, entre otros)…es un filme que sólo podría definirse como un pajazo de aquellos, pero bellamente filmado (no hay que negar lo de bello). Dicotomía casi impensable. Los aciertos de Nine tienen que ver con la espectacularidad de sus coreografías y vestuario, así como ese tufillo que cualquier amante del cine podrá percibir y que nos habla de la pasión, la entrega, el alma, vida y corazón que puede provocar el celuloide. Daniel Day Lewis interpreta a Guido, un famosísisisisimo director de cine que se ha quedado sin ideas para su nueva película. A pesar de eso, por ser considerado un genio, la producción del filme ha arrancado sin siquiera tener un guión listo. Esta sequía creativa contrastará con la inestabilidad de pareja por la que atraviesa, al tener que llevar una doble vida, por un lado con su esposa, por otro, con su amante. Supuestamente es un homenaje a Fellini, concretamente a 81/2 de Federico Fellini, quien en estos momentos debe estar revolcándose en su tumba y arañando su cajón. Marshall ha conseguido que un grupo de grandes actores participen en una historia groseramente desperdiciada, que gracias al onanismo en torno a su figura principal (Guido-Day Lewis) se vuelve casi insoportable, y donde las féminas parecen no tener otro deseo en la vida que abrirle las piernas a este desagradable sujeto. Intenta recrear un filme grandioso, pero se queda en la más nefasta pretensión, que para el público promedio supondrá un suplicio en el que la fastuosa puesta en escena coreográfica, musical y de vestuario, sirve como elemento distractivo para que intentés disculpar este despropósito. Y parece ser que el director piensa que es la gran obra de arte, pero señores, ver a Nikole Kidman como fría musa, a Penélope repetirse como mujer histérica y sex symbol, y a Sophia Loren aparecer como la momia del cine, que con su aparición tendríamos que suspirar pensando en Italia y el cine italiano, no jodan. Too much. La recomendaría sólo por la música (sonido, no letras) y por tres escenas, la primera con la que el filme abre, que hace que uno tenga la ligera ilusión que va a presenciar algo bueno, la escena que le corresponde a Fergie con el baile de las panderetas y la arena y la tercera, la que protagoniza Marión Cotillard en blanco y negro, cuando le canta a su marido lo vacía que la ha dejado. Muy bonita. De resto, guácatelas…una mezcla entre las pussycat dolls, fashion tv y una parodia del cine italiano. En  lugar de llamarse Nine, debió llamarse Guido.
    • Nuevamente amor (Love Happens): Comedia romántica protagonizada por Jennifer Aniston y Aaron Eckhart. Qué carajos se puede esperar de Brandon Camp, director que tiene en su curriculum el haber escrito la boludez esa Dragonfly donde Kevin Costner veía libélulas¿?. En esta ocasión, el  guión también corre por su cuenta y esta vez se atreve a dirigir. Insípida y por momentos exasperante “comedia romántica”. Aaron es un crispín cuya esposa pierde la vida en un accidente de auto, desde entonces se dedicó a escribir libros y dar seminarios de autoayuda sobre cómo superar una pérdida. No todo lo que brilla es oro, por lo que nuestro abnegado seminarista finge haber superado la muerte de su esposa pero sucede todo lo contrario. Jennifersita será la encargada de hacerlo enfrentar el dilema, de devolverle la fe en la vida y las ganas de amar. ÑOÑOS. Por último si estuviera bien hecha, me creo la historia y me pongo a dibujar corazones con mi nombre y el de compañero de butaca dentro, pero no. Se salva por el carisma de sus protagonistas, que funcionan para este tipo de filmes. Nada más.
    • Satanás: Esta estuvo interesante, pero sobre todo por la temática. Se trata de una película colombiana basada en un hecho real: La masacre de Pozzeto. Yo que soy fanática de hechos macabros e historias donde un día un tipo común y corriente se freakea y comete actos que dejan a la opinión pública con la jeta abierta, estuve más que dispuesta a verla. La historia se centra en Campo Elías Delgado, un colombiano que fue veterano de la Guerra de Vietnam y una vez retirado, regresó a su país y se ganaba la vida como profesor de inglés. Pues resulta que este señor vivía con su madre, con la cual tenía una relación muy conflictiva. El tipo era muy peculiar, leía un montón, jugaba ajedrez, era un intelectual fan de Robert Louis Stevenson. Desgraciadamente, su personalidad oscura lo hizo estar muy solo e imagino que las cosas que vio en la guerra tampoco ayudaron mucho a que le entrara cariño por la vida. En el momento de los hechos, pasaba clases de inglés a una adolescente a la que, tétricamente, le había dado para leer Dr. Jekyll and Mr. Hyde. Un día, se dirigió a su restaurante favorito (Pozzeto), se sirvió un plato de pastas, tomó un buen vino, etc.. Después de cenar, se retiró al baño y al volver a su mesa abrió fuego indiscriminadamente asesinando a 30 personas e hiriendo a otras 15. Como el tipo era veterano de guerra, su puntería era certera y en medio del pánico, pudo recargar su pistola tres veces. La película tiene como protagonista principal a este individuo, y paralelamente teje dos historias más que al final convergerán en el restaurante. Una, la de un sacerdote que vive atormentado por el amor/pasión que siente por su ama de llaves y dos, una muchacha pobre con ansias de salir de la pobreza y que se mete a pildorear tipos para robarles. La primera parte está aceptable, aunque tiene esa cosita media emputante del cine latino que hace que sus productos tengan un airecito a telenovela, pero luego levanta mientras nos sumergimos más en la oscuridad del veterano. Para cuando todo se va al chancho, nos sentimos ante un buen producto, las últimas escenas están bien narradas y el clima muy bien construido. Las actuaciones son buenas, aunque no me gustó mucho la del cura (el actor murió recientemente), pero la de Damián Alcázar (Eliseo) es sobresaliente. Ha ganado unos cuantos premios en distintos festivales. Está entretenida, mirable, aunque tiene sus efectismos y sus cositas que la hacen ver un poco ordinaria a ratos, pero en líneas generales no me arrepentí de verla y el tema, como dije al principio, es por demás de interesante.

     

     

19-01-2010

“En busca del letrero EXIT”

Lo vivido el domingo a las 17:20 en la sala 10 del Cine Center no tiene más que un nombre: El horror, diría el personaje de Marlon Brando en Apocalipsis Now.

Hasta el momento, a excepción de unos cuantos exabruptos (léase Historia de vino, singani y alcobas) he tratado de dirigirme al cine nacional con cariño cómplice nacionalista y claro, la comprensión que me debe inundar ante las limitaciones que sufre cualquiera que desea hacer una película en este país.

No obstante, mi opinión fue siempre sincera. En algunos casos donde no llegábamos al horror, pero tampoco a la palabra “bueno”, decidí omitirla y créanme, he visto casi todos los filmes nacionales que han salido en los últimos 10 años y hay poco que rescatar.
En este caso, En busca del paraíso tiene que ser la película que cualquier aspirante a cineasta debe mirar para hacer exactamente lo contrario.
Y me da pena, porque conozco a parte del equipo técnico, y a algunos actores, e incluso puedo decir que las personas involucradas parecen gente de buenas intenciones, con ganas de contribuir a la alicaída industria cinematográfica boliviana.
Pero señores, eso no basta.

Para empezar, deberían corregir los créditos. Auspicio o Auspician no lleva acento en ninguna parte.
La idea es bastante simple: Por un lado están un grupo de chicas que se fueron a España a buscar mejor vida, y por otro, las “aventuras” y “desventuras” del hermano de una de estas muchachas, que está esperando completar los trámites para irse a España también.
La producción de la película duró un año y tres meses y fue rodada en 45 días: 30 en Santa Cruz y 15 en Madrid.

Con un tono ñoño y muy superficial, abordan la problemática que aqueja a miles de compatriotas, acompañado por un elenco lleno de nombres conocidos (Verónica Larrieu, Vivian Colombo, Vivian Donoso, Elina Laurinavicius, el infaltable Elías Serrano y otros) pobremente dirigidos, unos planos que te hacían desear alcanzar la muerte atragantándote con una pipoca, y un “todo” general que bordea lo malo malo malo, y agrede al buen gusto.

Está el personaje “abnegado” de Verónica Larrieu (quien resulta lo menos malo a nivel actoral) que no tuvieron mejor idea que mostrarla caminando por las calles de Madrid INFINIDAD DE VECES, con una musiquita de fondo que le daba aire ochentero, como para que nos quede claro que esas escenas las filmaron en la madre patria. Similar tortura ocurre con otros personajes, será frecuente el paseo por las calles, la musiquita de fondo y el slow motion.

Cuando pensás que ya viste lo peor, llega la propaganda para una cooperativa y una línea área. Debo confesar que esas dos escenas por sí solas hacen que el asunto valga la pena, si pensaba que en El Ascensor se les había ido la mano con el tema de las marcas, aquí directamente hacen un casi paréntesis para largarte como medio minuto de descarada publicidad...y digo que hacen que valga la pena, porque creo que JAMAS volveré a ver algo parecido en cine, y esas experiencias surrealistas se agradecen por el momento de hilaridad ofrecido.

Al estar dividida en lo que sucede en España y lo que sucede en Bolivia, En Busca del Paraíso transita entre los personajes de aquí y de allá, desgraciadamente el montaje tampoco ayuda a contar una historia que amén de las buenas intenciones, adolece de todos los clichés de este pueblo, se impregna de ese algo que tienen algunas películas nacionales y que se asemeja a un sketch de Chaplin o Tralala y encima pretende conmover.

Estéticamente no existe nada para rescatar, absolutamente nada, no sé si se tomaron la molestia siquiera de hacer corrección de color, pero si lo hicieron no se nota. Me encuentro algo consternada porque creo que hasta Safipro le ponía más empeño en sus producciones para televisión. Luces, foto, edición, estoy tratando de pensar qué rescatar y no encuentro nada.

Situaciones inverosímiles, que buscan ponerle el toque humorístico y que seguramente encontrarán eco en alguna parte de la platea, no consiguen redondearse. Las tan publicitadas escenas eróticas daban pena ajena, yo sólo pensaba: “Ay mamita, tapate”, no por puritanismos…sino porque no funcionaba. No daba.
El mismo Paz Padilla (guionista y uno de los directores) ha recalcado que su intención estaba lejos del cine arte, o de cuidar planos, también dijo que lo único que deseaba era plantear la interrogante del por qué nuestros compatriotas emigran hacia España, y hacer accesible el producto para todo público.
Lo primero ha sido cumplido con creces, pocas películas están tan años luz del cine arte como ésta…La interrogante no ha sido cumplida a cabalidad tampoco. El argumento es tan infantil que poco puede rescatarse como reflexión social, quizás su único logro (no desdeñable) es que es accesible para todo público. 

Cuando el final llegó, yo estaba a punto de cavar un túnel tratando de escapar. La sala estaba llena, y cualquier intento de huída era prácticamente imposible. Una vez aparecieron los créditos, pude levantarme, alejarme de ese infierno y buscar el paraíso…cualquier lugar lejos de ahí.

LO MEJOR: Cuando podés irte.
LO PEOR: Tantas cosas
LO MAS FALSETE: Tantas cosas, es difícil elegir.
LA ESCENA: la de las publicidades
EL MENSAJE MANIFIESTO: El paraíso no existe
EL MENSAJE LATENTE: No busqués el paraíso
EL CONSEJO: Run, Lola, Run
LA PREGUNTA: ¿habrá otra igual?

EXTRAS

LA OLA (Die Welle): Película alemana, que se basa en un experimento llevado a cabo en USA llamado La Tercera Ola. Un profesor de historia, Ron Jones, intentó explicar los alcances del fascismo a su grupo de estudiantes haciendo que en el aula se recree una organización y disciplinas que contribuyan a eliminar la conducta democrática. Uno de los lemas que usó fue "Fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo". El experimento tuvo resultados interesantes y eso sirvió para que el escritor Morthon Rue escribiera su versión en la novela La Ola (1981). En el 2008, el director alemán Dennis Gansel lleva la historia a la pantalla grande. En Alemania tuvo un éxito impresionante. El argumento es el siguiente: un profesor de secundaria, ante la pregunta de si un estado similar al nazismo podría surgir en la Alemania actual, decide experimentar con sus alumnos una suerte de estado fascista autocrático. Durante una semana la clase vivirá bajo ciertas reglas, normas y estatutos. Lo que comienza como algo divertido o cuando menos interesante, se va transformando lentamente en un mensaje sobre cómo un grupo de personas pueden ser absorbidos por un sistema dictatorial e ir en contra del que no esté con ellos. Si bien el filme toma un giro mucho más dramático que el experimento real de los 70s, la historia está bien contada. A rescatar que toca un tema muy jodido para un país como Alemania y que intenta dar un mensaje conciliador. A criticar, que cae en estereotipos, existen mensajes moralistas obvios, y a ratos parece película para televisión. En resumen, está bien actuada, más o menos en dirección, pero dentro de todo, se deja ver.

TODO SOBRE STEVE: Extraña o RARA película protagonizada por Sandra Bullock. En estos momentos, me pongo a pensar en este filme y todavía no consigo imaginar a dónde carajos querían llegar los que la escribieron, produjeron o dirigieron. Me extraña de Sandra Bullock que parece tener criterio para elegir sus papeles. Ni siquiera puedo decir que es MALA MALA MALA, es RARA…FREAK…muuuuy freak. Sandra interpreta a una tipa que se dedica a hacer crucigramas para un periódico (es un Larousse ilustrado ambulante) A la individua se le andan chipando los cables, y como está media vieja y anda soltera, sus padres le consiguen una cita a ciegas con un tal Steve. Steve trabaja para un canal de televisión y aunque al principio la cosa parece que va a cuajar, el personaje de Sandra se deschaveta y Steve huye como alma que lleva el diablo. Sandra, en una epifanía, decide seguirlo porque supone, asume, cree, está convencida gracias a “mensajes” del universo, que deben estar juntos. Si han leído hasta acá…no hay mucho que decir. Qué raro todo…

PANDORUM: Película de ciencia ficción protagonizado por Ben Foster (I love Ben) y el ex marido de Meg Ryan, del que me acabo del olvidar el nombre. Ese que era drogadicto y al que Meg le puso lo cuernos con Russel Crowe cuando filmaban Prueba de vida.  Bueno, resulta que Ben Foster estaba en una nave espacial, en una especie de cápsula del sueño y el filme arranca cuando despierta. Supuestamente, la tierra fue destruida y un grupo de humanos viajaron a otro planeta para intentar sobrevivir. Algo pasó y cuando Ben Foster se despierta hay unos bichos mutantes en la nave de los que tiene que huir. La misión? Poner a funcionar la nave, y tratar de continuar el viaje. Por qué se llama Pandorum? No, no es Pandora de Avatar..Pandorum es una enfermedad, supuestamente por las cápsulas espaciales o el sueño inducido, los que la sufrían se ponían paranoicos, violentos y erráticos. En general se deja ver…nada del otro mundo…aunque definitivamente no ganás nada viéndola, ni perdés nada dejándola de ver.

SHERLOCK HOLMES: Ya vi Sherlock Holmes!!!!!! La próxima, una detallada opinión.

 

 

 

30-12-2009

"I BELIEVE"

En este mundo lleno de desilusiones, donde te bombardean de publicidad para que vivás "increíbles experiencias" y luego con inocencia te sentás a ver cagadas como 2012, es natural que el cinismo te bañe como el tibio sol de la mañana.

El creer es un planteo más allá de la memorable pregunta que se hizo Umberto Eco con su libro: En qué creen los que no creen?

Para mí, Avatar era un filme poco atractivo. El hecho de que semejante derroche de verdes (la película más cara de la historia) fuera dirigido por James "My heart will go on" Cameron...le quitaba cualquier brillo ante mis incrédulos ojitos.

Seamos honestos, Cameron no es un mal director, pero se caracteriza por un cine de entretenimiento grandioso y tan vacío como un globo de helio. Esto no es un defecto si el entretenimiento cumple, pero tampoco hace que sea una gran promesa.

Odié Titanic (mátenme) y apenas pude digerir Mentiras Verdaderas (mátenme de nuevo), Avatar, entonces, no aparecía entre mis pálpitos a gran película del año.

Llegué justo cuando comenzaban los trailers, ese fue mi primer error. Si vas a ver una película de este tipo y en 3D, tenés que a fuerzas llegar temprano, ubicar un buen lugar entre la sexta y décima fila para que sintás que la saliva del actor se te cae encima.

Una vez comenzó, los primeros 15 minutos me empecé a preguntar si yo no estaba muerta por dentro, porque el fastuoso despliegue de efectos especiales no me parecía nada como para tanta alharaca.

Resignada ante mi falta de empatía seguí el desarrollo del argumento: Un marine paralítico es requerido por un grupo de científicos que trabajan en un proyecto especial: Avatar. Su hermano gemelo era quien originalmente estaba en dicho proyecto, pero como muere de imprevisto, necesitan a alguien con su mismo ADN para ocupar su lugar, ya que han gastado millones de dólares en su AVATAR.

La idea es que el susodicho se traslade a un planeta llamado Pandora, habitado por los Na´vi, raza que tiene su propia cultura. Los humanos, para variar, además de estar interesados en su forma de vida andan tras de un mineral que vale millones de dólares y que se encuentra bajo la aldea de estos muchachones.

El Avatar es un ser creado con genes de los na´vi y con genes humanos, y sólo lo puede manejar el humano del que se sacó el gen. Es como un juego de roles, o lo ya visto (no igual pero parecido) en Matrix, donde el crispín se acuesta en una máquina y maneja en tiempo real al OTRO.

Bueno, todo bien. Esa era la parte aburrida...luego cuando la cosa comienza a complicarse, empecé a sentir empatía. Ya sabía que si era una historia escrita por Cameron íbamos a ver ñoñeces al por mayor, aún así la trama avanza y a pesar de que dura casi tres horas conseguís disfrutar una experiencia que no llamaré orgásmica, pero que sí resulta cuando menos placentera.

Primero: La historia no es nueva, no tiene nada del otro mundo, es el típico argumento casi shakespeareano donde chico se enamora de chica del lado opuesto al que representa. Lucha de ¨clanes¨, la unión hace la fuerza, el amor todo lo consigue, bla bla bla bla todo con mensaje medioambiental de por medio, yo diría que como para no sentirnos mal ante tanto derroche de dinero. El extranjero, el de afuera, es el elegido, el que guiará a todos esos bárbaros hacia el triunfo...Sí, no es el GRAN guión pero cumple, y todos disfrutamos (y sobre todo entendemos) la ¨tiernísima¨ trama. Punto extra para Cameron que nos vende MAS de lo mismo, y encima salimos agradecidos y felices.

Segundo: Los personajes tampoco tienen mucha profundidad a pesar de estar casi tres horas  con el ojo pelado. El soldado tiene conflictos propios de las historias de este tipo; de los na´vi, aparte de fascinarnos con la intensa relación con su mundo y sus costumbres, no sabemos mucho. El objeto del afecto del protagonista es un personaje sin mayores matices...desde el principio sabemos hacia dónde apunta la historia.
Michelle Rodríguez se repite por enésima vez como chica ruda. Sigmone Weaver está ahí para recordarnos que alguna vez trabajó en Aliens y que no sabíamos nada más de ella hasta ese momento. Otro punto extra para Cameron: personajes más simples que discurso de Jhonny Fernández, y salimos agradecidos y felices.

Tercero: El tema visual y sonoro, es lo que realmente sostiene la película. Y en este caso, lo hace con un uso de los efectos especiales que sólo puede definirse como Hermoso (así con mayúscula). La tecnología usada en este proyecto sin duda es impresionante, aunque recalco, es el uso del 3D lo que marca la diferencia, porque recordemos lo que hizo Peter Jackson en El Señor de los Anillos con Gollum...Andy Serkins (el actor que interpreta a Freddy Krueger) era el que hacía todos los movimientos y gestos faciales, se dibujó sobre él para conseguir el personaje, si hablamos de innovación me parece que lo de Jackson marcó la pauta para los crispines que vinieron después. Más punto extra para Cameron: Su innovación es el resultado del trabajo de varios que innovaron antes que él,  aunque hay que reconocer que así sucede generalmente, de todas formas salimos agradecidos y felices.

Los paisajes recreados, tomando en cuenta que sólo el 40% del filme tiene escenarios reales, son absolutamente meritorios. A pesar de su simplicidad, el guión maneja puntos de giros suficientes como para que el sopor no invada la platea. Seguimos fascinados las batallas, los rituales, los conflictos, y todo ingrediente que sirva para mantener a flote una película apoyada en su espectacularidad visual.

En definitiva, cuando salían los créditos pensaba que Cameron era un pendejo inteligente. Tardó casi 15 años en llevar a la pantalla este proyecto, iba por la vida diciendo que cambiaría el cine con su peliculita, nos presenta un argumento visto hasta el cansancio, dice sin ascos que se inspiró en Danza con Lobos, y quienes vimos Danza con lobos no podemos evitar sonreír ante la aceptación de algo muy evidente, encima repite escenas de su filmografía, le roba a Abyss a Aliens, y a nosotros como público nos importa un sorete.

Por qué? Porque está bien hecho. No hay como negarlo. Y aunque parezca fácil y digamos que Cameron nos toma el pelo, no es así. Por eso lo menciono como punto extra, como algo que admirar o que reconocer. Ir al cine en estos días esperando ver películas grandiosas es casi siempre una decepción. Por mucha plata que se gaste, por mucho esfuerzo que se ponga, no todos pueden hacer funcionar la fórmula de entretenimiento+ historia boludita + lo mismo de siempre + grandes efectos especiales = Buena película.

Avatar lo es. Con todos sus defectos, con todo lo que se le puede criticar, sería muy cínico decir que no es una buena película o que no vale la pena verla. Hay que verla. Seguramente, tal como lo predijo Cameron, marcará un antes y un después en lo que se puede hacer a nivel tecnológico, y más allá de eso: entretiene y hace pasar un rato ameno, disfrutando tanto lo técnico como una bobalicona y archiconocida trama.

Para mí no es la GRAN película, ni tampoco me provoca adoración, pero sí la disfruté y puede ser, solamente puede ser...que vuelva a verla.

Cameron nos lo advirtió, en su momento sonó petulante, pero el tiempo le dio la razón. Yo no quería creerlo, me resistí con uñas y dientes a que sea verdad y heme aquí convertida...Avatar, nice movie.

LO MEJOR: Se deja ver y los grandiosos efectos especiales.
LO PEOR: Un argumento demasiado visto
LO MAS FALSETE: Bien reflexionada, la historia tiene más baches que el asfalto de ida al Plan 3000.
EL MENSAJE MANIFIESTO: Hay que proteger el medio ambiente
EL MENSAJE LATENTE: Los clichés aún funcionan
EL CONSEJO: Vela en 3D.
LA PREGUNTA: ¿cuántos oscaritos le irán a dar?
CURIOSIDADES
- James Cameron es canadiense.
- El director escribió y produjo la historia
- Para prepararse Cameron y su equipo se adentraron en Hawai para convivir con tribus del lugar y llevar un estilo de vida similar al presentado en la película.
- Algunos de los escenarios que se pueden ver en "Avatar" fueron grabados en el Golfo de México y posteriormente recreados en pantallas fotorealísticas CGI. Cabe destacar que únicamente 40 por ciento de la película cuenta con escenas "reales".
- El actor norteamericano Stephen Lang, quien protagoniza al "Coronel Quaritch" en la película, realizó casting en el año de 1986 para el largometraje Aliens, sin embargo, fue rechazado y posteriormente considerado por Cameron para actuar en su nuevo filme.
- Se está barajando la posibilidad de una segunda y tercera continuación.
- James Cameron escribió hace 15 años lo que sería el guión de Avatar; sin embargo, la redacción del texto fue hecho a modo de novela y el director no deseó llevarla al cine hasta que existiera la tecnología capaz de recrear los escenarios de esta historia.
- Antes de su estreno y días antes de que se dieran a conocer los primeros 24 minutos del filme durante la Cinema Expo 2009 en Ámsterdam; Cameron tuvo una reunión con Steven Spielberg, Peter Jackson y George Lucas, quienes dieron el visto bueno a "Avatar".


"TARANTINO Y SUS DELIRIOS"
Sólo Quentin Tarantino puede hacer una película tan delirante que a pesar de en conjunto resultar tonta, consiga grandes momentos, espectaculares momentos.

Ambientada en la II Guerra Mundial, cuando se ha visto todo o casi todo sobre el periodo donde Hitler hizo de las suyas, Malditos Bastardos trae una versión ficticia de los hechos, una versión con la que es imposible no llegar a simpatizar, una versión que en sus primeros minutos arroba y hace que pensemos que ese cerebrito de Tarantino es de lo mejor que tiene el cine mundial.

Tarantino es famoso por hacer filmes irreverentes, trayendo algo nuevo en sus jugosos e inteligentes diálogos, regalando personajes inolvidables como los de Pulp Fiction o Kill Bill, o sea, Tarantino está prácticamente más allá del bien y del mal.

La sinopsis de esta arriesgadísima propuesta es la que sigue: Mientras Hitler consolida su poder, y las ejecuciones y campos de concentración son prácticamente del dominio público, se forma un grupo, un grupo de judíos que se dedicarán a cazar nazis...los Malditos Bastardos. Este grupo de vengadores se caracteriza por sus prácticas sanguinarias y la falta de piedad, existe hasta cierto sadismo en su manera de impartir esa particular justicia.

Como la otra cara de la moneda está el personaje de Christoph Waltz, interpretando de manera impresionante a un cazador de judíos y que tiene el poder de lograr las mejores escenas.

Brad Pitt es el líder de los Malditos Bastardos, un grupo de exprisioneros judíos alentados por la sed de venganza, que ven la oportunidad de liquidar a Hitler y a los altos mandos de la SS en la premier de un filme sobre un héroe de guerra nazi.

Paralela a esta historia, tenemos la trama que envuelve a una sobreviviente del cazador de judíos y que con el trauma de haber sido testigo de la masacre en la que pereció su familia, también teje una venganza servida por las circunstancias.

Mezclando varios géneros, donde existe como pilar fundamental un corrosivo humor negro, el filme se pasea como en una montaña rusa, con subidas y bajadas.

Su primera media hora, es sin desperdicio y hay algo dentro tuyo que te susurra que estás viendo algo ESPECIAL. Cuando el filme avanza comienza a caer, el guión se resquebraja y se vuelve la excusa para presentarnos la escena orgásmica final, una escena que ni la Operación Valkyria soñó.

Malditos Bastardos pudo ser una obra maestra, y digo bien, pudo ser. Tarantino cae en los excesos que ha caracterizado su filmografía, esta vez sin la buena suerte y sin el tino de anteriores títulos. No obstante, sin duda es una película que posee el encanto de ser diferente, de tener una voz que va más allá de los cánones tradicionales en los que se mueve el cine americano, y que gracias a sus pequeños grandes momentos podrá quedarse en tu memoria e invitarte a verla una vez más.

Bien actuada, muy bien dirigida, bordea la locura y el desenfreno creativo, y por encima de todo tiene el sello de TARANTINO.

LO MEJOR: Grandes, grandes momentos
LO PEOR: Se despatarra
LO MAS FALSETE: los Malditos Bastardos que al principio parecen los propios, los meros meros, caen como pelotudos en una situación muy estúpida.
EL MENSAJE MANIFIESTO: La venganza es dulce
EL MENSAJE LATENTE: Una moneda siempre tiene dos caras
EL CONSEJO: Vela.
LA PREGUNTA: ¿le irán a dar el Oscar a Waltz?


EXTRAS

Julie y Julia: Esperaba esta película con mucho entusiasmo. Tanto la Adams como la Streep me parecen muy buenas actrices, así que la posibilidad de verlas juntas en una comedia liviana, parecía una muy buena idea. No estaba equivocada. O sea, no tanto. Nora Ephron, la directora, es conocida por Cuando Harry conoció a Sally, Tienes un e-mail y Sleepless in Seattle...sí, yo también me estaba preguntando dónde carajos está Meg Ryan en Julie and Julia. El caso es que esta película, es demasiado larga para mi gusto, y aunque ver a Meryl Streep demostrarnos por enésima vez que es la actriz más talentosa de su generación, las partes en que nos explicaban cosas casi sin importancia de la vida de Julia eran muy muy tediosas.  Para resumir: Julie es una boluda loser que como se siente inútil, poca cosa y otros, decide escribir un blog para distraerse. En dicho blog lleva a cabo un proyecto, hacer todas las recetas de cocina del famoso libro de Julia Child. Sí, muy entretenido. El filme trata de hacer una paralelismo entre las vidas de Julie y Julia y cómo la cocina juega un papel importante para ellas. Para quienes pensaron que salivaríamos ante los platos cocinados, pues no. El énfasis está puesto en las dos tipas. No es una mala película, tampoco me pareció fascinante. Una comedia regular, por partes bastante aburrida, pero que los amantes del feel good podrían definir como Linda.

Terror en la Antártida: Bueno, su nombre lo dice todo...es un terror, error, horror, verla. MALA, MUY MALA. MALA DE MALÍSIMA. Dirigida por un crispín llamado Dominic Sena, a quien le grité Morite Dominic Sena, mientras salían los créditos y que ahora descubro fue el director de Kalifornia, que en su momento, estuvo bastante bien. Pero eso fue en el 93, después hizo la cagada esa con Angelina Jolie y Nicolás Cage: 60 seconds y esa otra estupidez Swordfish con Travolta y Halle Berry. Parece que mientras pasan los años el tipo en lugar de mejorar, empeora. En esta ocasión nos trae la historia de un personaje del que yo decía en la oscuridad del cine, a cada rato y bastante emputada: Qué tipa más sonsa.
La pobrecita de Kate Beckinsale es la encargada de darle vida a esta pobre criatura. Una aguacil que traumada por la traición de un compañero en Miami, se traslada a la Antártida a trabajar en esos peladares. Ahí se involucra en el caso de un tipo que encuentran muerto, asesinado para más señas, se suceden una serie de hechos muy muy muy estúpidos, donde ella no sale bien parada tampoco. El final lo sabés como a los 15 minutos de empezada la película, y cuando termina, sólo sentís felicidad por poder salir de esa sala de cine.

 

 
 Perfil

Mónica Heinrich V.
27 años, cinéfila de corazón. Psicóloga, directora de la Revista Aullidos de la calle, directora del ciclo de PSCINE, colaboradora de la revista Teatro, ex-periodista de la sección Escenas, socia de MalBicho Producciones y productora asociada de Banda Ancha.

http://aullidosdelacalle.blogspot.com