28-04-2008

“EL COCO”

Como ya es costumbre en mí, estaba emocionada con el estreno de esta película. Había leído varias críticas, estaba al tanto de la sinopsis, vi el trailer, y claro, me sucedió lo que siempre me sucede cuando una obra de arte me parece interesante pero no la he visto: viví días de tensa expectativa.

Quizás para el común de los mortales, es difícil entender cómo una obra, película o espectáculo puede causar emoción alguna sin siquiera haberla visto, pero yo soy de las que me entero que existen ciertas cosas y sufro de pequeños orgasmos, como cuando leí ayer que Guillermo del Toro (el gordo que dirigió El Laberinto del fauno) se va a encargar de la adaptación al cine de El Hobbit. O como cuando vi el poster de Julio Bocca y me puse a dar saltos en la calle, conmocionada de placer.

Son cosas que pasan. Obviamente que Cloverfield no es una película como Antes de la Lluvia, pero lo que sabía hasta el momento fue suficiente para que me muriera por verla.

En USA tuvo una campaña de marketing súper agresiva, y fue respaldada por las reacciones que el público tuvo durante su exhibición, reacciones que incluyeron desmayos, ataques de pánico y otros. La verdad que yo soy  cueruda, así que es muy difícil que algo me haga desmayarme, pero si la película me aportaba una experiencia fuerte, me daba por bien servida.

Cloverfield es sólo apta para aquellos que no sufren de mareos, laberintitis o similares. Los que vayan teniendo alguno de estos males se van a acordar de mí. Toda la película está filmada bajo la idea de una vouyerista cámara en mano.

Primero nos muestran una relación harto cursi entre dos crispines. Que si compartimos sábanas, que si vamos al parque a tomar helado, que si agarramos el subte, etc…De un momento a otro pasamos a lo que será una fiesta de despedida para uno de los personajes principales. Este individuo (Rob) se está yendo a Japón y sus amigos, hermano, y cuñada, le han hecho un pequeño agasajo para que se vaya contento. Parte de esta despedida es documentar la fiesta con una handycam, labor de la que se encargará el mejor amigo del festejado (Hud). Hud tendrá la cámara en su poder durante casi toda la película, y es a él a quien corresponden las imágenes de la misma.

En medio de los buenos deseos dichos al lente, nos ponen sobre la mesa la relación entre los dos crispines del principio (los cursis: Rob y Beth), y queda claro que ella (Beth) está emputada porque el otro se va, y el otro está emputado porque no han conseguido solucionar las cosas entre los dos. Para más señas: Se quieren, pero la han cagado.

Luego de estar en esas un buen rato, ella se marcha y al instante comienza la acción. El departamento se sacude, se escuchan  gritos, sirenas, y escándalo. El pánico cunde y da inicio la huída de no se sabe qué.

Hasta ahí yo pensaba: me gusta.
Escenas lograditas del despelote, de edificios colapsando, de explosiones, de la cabeza de la estatua de la libertad cayendo en media calle, mientras sentíamos en carne propia la adrenalina, el miedo de esa gente, gracias al efecto logrado por la cámara en mano. A todo esto se suma, la presencia del bicho, que de un momento a otro, aparece…y mientras camina tumba de su cuerpo otros bichos más pequeños. Son como sus hijitos. Jodido no?

Los protagonistas intentan huir por un puente, es ahí cuando suceden dos cosas que cambian el curso de la película. Sobre ambos hechos, el primero me pareció correcto…el segundo, un poco ñoño, queriendo poner emotividad, romance, en una situación harto desesperada…Encuestando a conocidos sobre “esto”, muchos coincidieron en que “yo no volvía”. Señores, creo que yo tampoco (Lo siento por mi cortejo).

Y lo demás, ya lo verán…una carrera descontrolada que si te metés del todo a la situación te hará pasar un buen rato y te mantendrá en la orilla de la butaca.

Mucho se ha criticado que Cloverfield es una película pretenciosa, cuya cámara en mano, medio “experimental”, no se justifica y que en realidad intenta esconder sus carencias en ese hecho.

Esto de la cámara en mano no es nuevo, lo han hecho ya en el Dogma (con mucho más estilo y n veces mucha más pretensión)  y ya lo hemos visto también en El proyecto de la bruja de Blair, que aunque la historia es una reverenda mierda, en su momento admiré las agallas de la gente que la hizo, y la forma alternativa de hacer una película.

En Cloverfield, no existe una historia decente, es cierto…pero el objetivo no es contar una reflexión sobre la humanidad, su carácter perecedero o su tendencia a la mezquindad…El objetivo es simplemente entretener, y bajo ese parámetro lo cumple de lleno.

Se ha mencionado que la perspectiva de que alguien con una cámara sea tan estúpido como para seguir filmando aún cuando su vida esté en peligro, es nula. A esa gente le digo que vean algunas de las filmaciones amateurs que se hicieron en la caída de las torres gemelas, la gente estaba ahí filmando y sacando fotos, viendo que el edificio podía derrumbarse en cualquier momento, se escuchan gritos, llanto, pánico, pero existen cámaras no profesionales encendidas. Qué tal si el otro avión que vino después del primero, impactaba en tierra donde estaban todos los mirones apostados…? La gente a veces reacciona de una manera irracional ante situaciones no convencionales.

Más allá de eso, como dije, es sencillamente una película pipoquera que intenta entretener y lo consigue.

Sobre la dirección: se puede decir que es acertada, consigue transmitir desesperación, está prolija a pesar de que te das cuenta que no es una “cámara casera”, pero dentro de todo cumple su objetivo. El director Matt Reeves no tiene ninguna película memorable en su haber, quien tiene muchos lauros es el productor JJ Abrams conocido por ser el creador y productor de series como Alias, Lost, y Felicity, entre otras, así como una montonera de buenas películas para la pantalla grande.

Ya hablando sobre la verosimilitud de las imágenes, se pueden ver los cortes de edición perfectamente, eso no impide que disfrutes de una propuesta liviana pero efectiva. Muy buenos efectos, y dentro de todo, soportable para el presupuesto que manejaron (30 millones de $us.)

En definitiva, una película que podés disfrutar en las salas del Cine Center y que a mí me dejó esperando la secuela. Odio las secuelas, pero no puedo dejar de verlas…eso me ha pasado con toda la saga de Saw, debí parar en la 2da., pero ya me ven yendo a la cuarta hace unas semanas.

Cloverfield, una película acerca de un bicho, cinco crispines y un despelote…sip, recomendable.

Lo mejor: La adrenalina
Lo peor: Una historia, a grandes rasgos, vacía
La escena: la del subte y la del helicóptero.
Lo más falsete: la historia de amor
El mensaje manifiesto: Cualquier rato llega un bicho y te caga la noche
El mensaje latente: A pesar del bicho, tenés que rescatar a tu amor
El consejo: No comás mucho antes de verla.
La pregunta: ¿Será que los protagonistas realmente………………. ? (lo pongo en puntos suspensivos para los que no la vieron, los que la han visto entenderán.
La web: www.cloverfieldmovie.com/

CURIOSIDADES

- La página web http://slusho.jp/ es parte de la campaña viral que tuvo el filme. Supuestamente pertenece a una empresa japonesa de bebidas, donde el personaje principal iba a trabajar. La empresa es totalmente ficticia, pero si entrás a la web tiene un diseño muy bueno y se toman en serio el tema de sus supuestos productos.

- El título para la película fue, desde el principio, Cloverfield. Cuando se concibió el primer guión Cloverfield figuraba como encabezamiento del mismo y Cloverfield es el nombre que le da el ejército al extraño caso que ocurre en Manhattan la noche del 18 de enero del 2008.

- La idea del proyecto salió de un viaje realizado por Abrams a Japón con su hijo. En una juguetería había un ciento de figuras de Godzilla y en ese momento el creador de Lost pensó en la posibilidad de realizar un proyecto modo monster movie a lo grande pero dándole un tono más realista, personal y natural.

-  El éxito rotundo de la película; alcanzando mas de 120 millones de dolares en ganancias netas hizo que Paramount autorizara la segunda parte, Abrams explicó que sería interesante que otros sobrevivientes grabaran la misma noche del ataque, y que filmaran el momento de la operación Hammerdown que pretendia acabar con la bestia. Todo será posible en la nueva entrega; aunque no se tiene mayor información puesto que el creador de Bad Robot tiene proyectos varios para este año, como la película de Star Trek

09-04-2008

AMAR

Niezsche dijo una vez: “Lo que no te mata, te hace más fuerte”, quién iba a decir que justamente él hilvanaría una frase que tiene cierto tufo a esperanza por no decir “optimismo”? Nietzsche, que tuvo el más dramático de los finales y una vida tan atormentada que ni su lucidez es envidiada si la felicidad (aquella que Benedetti dice que no existe con mayúscula) era el precio.

Pero la vida es así, hay momentos que los obstáculos se presentan y en tu alma existe la sensación de “inevitabilidad”, hay momentos en que sólo deseas cerrar los ojos y no despertar jamás. Hay momentos en que tu mortalidad es tu esperanza, el saber que más allá de todo llegará el final, que tiene que llegar un final.

“Antes de la lluvia” es una película que AMO mucho. Y hablo de AMOR porque hay cosas que te gustan, hay cosas que querés, hay cosas que te interesan, pero el Amor es el Amor (y aquí sí creo que existe mayúscula mi querido Benedetti). Entonces como primer punto, Antes de la lluvia es una película que podés Amar, y eso ya la hace absolutamente recomendable, en tiempos en que la desolación, la tristeza, la amargura, la desilusión y el desgano por esta vida a veces injusta, son el pan de cada día, encontrar algo o alguien que te despierte este tipo de Amor siempre es una bendición.

La estructura narrativa de Antes de la lluvia juega con lo simbólico y lo poético, a través de una historia plagada de odios, guerras, intolerancia, miedo, etc., existe un tema de fondo: El Amor. Situada en la terrible geografía social y cultural de Macedonia, Milko Manchevsky (director) nos entrega una historia que se desgarra en tres partes:

“Palabras”: Se enfrentan dos culturas, teniendo como referencia la guerra civil en Macedonia.

En este pequeño acto de locura, amor y muerte, somos partícipes de la historia de un monje que había hecho un voto de silencio y que se encuentra con la disyuntiva de dar cobijo a una joven albanesa que encuentra escondida en su habitación. Además del voto de silencio del monje, no se pueden comunicar porque sencillamente no hablan el mismo idioma.

La historia es parte del fin del principio, es decir, las escenas que vemos en ese momento son parte de las escenas que corresponderían al final de la película. La albanesa corre peligro de muerte, y el monje también al protegerla. El amor que surge entre el monje y la albanesa, a través de las miradas, el miedo, y un sentimiento de entendimiento mutuo que va más allá de las palabras, nos dejan el primer bocado de una película casi perfecta.

Pasamos a “Rostros”: Rostros nos cuenta la historia de una periodista inglesa, que está ligada sentimentalmente a dos hombres, uno: su esposo y dos: el protagonista absoluto de la película, un fotógrafo que supongo fue un personaje cuasi-autobiográfico del director. En Rostros nos golpea duramente lo que no se dice, caras, rostros de personas víctimas de la guerra, no sólo en Macedonia, sino en muchos lugares del mundo. Rostros envejecidos de miedo, de resignación, de desesperanza, de apatía. Rostros que representan todo aquello que hace que el mundo ande como anda y sea éste abismo, al cual nos acercamos cada día más, una penosa y triste realidad.

La periodista está embarazada de su amante y planea dejar a su marido, para dicha conversación (la ruptura) elige un restaurante. Como todo en esta película, el final de “Rostros” que no es más que el prefacio de “Imágenes” y parte de “Palabras”, es sobrecogedor.

Pasamos sin mayores contemplaciones a “Imágenes” que es la parte culminante de la película y la que lleva mayor carga crítica, no porque las otras no lleven carga crítica, sino que los dardos apuntan más directamente y sin contemplaciones al problema de la guerra, la violencia y la falta de tolerancia entre culturas que técnicamente tienen el mismo origen.

Alexander, un fotógrafo macedonio vuelve a su tierra y se encuentra con que las cosas han cambiado dramáticamente, ahora reina la desconfianza, las malas intenciones, el egoísmo y la violencia perpetrada incluso a manos de niños inocentes. La gente está dividida y parece no haber argumento lógico para volver a integrar a un pueblo que es el mismo.

Antes de la lluvia termina su metraje con la suave llovizna, porque todo esto, los tres actos de esta desgarradora y representativa comedia de nosotros los humanos, sucede antes de que llueva…luego, con esa “inevitabilidad” de la que hablo al principio, las lágrimas celestiales comienzan a gotear en la pantalla, mientras (quizás) lágrimas terrenales cubran tus ojos.

Lo mejor: Una película para amar
Lo peor: Deja una sensación de tristeza
La escena: el final
Lo más falsete: No hay
El mensaje manifiesto: La intolerancia lo destruye todo
El mensaje latente: El amor no alcanza
El consejo: Definitivamente tenés que verla
La pregunta: ¿Si Macedonia, Kosovo, y otros países han acabado tan mal, por qué Bolivia no puede aprender de algo tan obvio?
La web: no tiene pero podés encontrar info en http://www.cinenganos.com/pelicula/BeforeRain/

CURIOSIDADES

- Gana el León de Oro en el Festival de Venecia  en 1994. Cuentan que el presidente del jurado, David Lynch, insistía en darle el León de Oro a Asesinos por naturaleza, pero la resistencia de otros jurados a premiarlo, que culminó en la bofetada que le propinó públicamente Uma Thurman, le hizo cambiar de opinión-, Before the rain ganó merecidamente (si se olvida la soberbia Lamerica de Gianni Amelio) el gran premio de Venecia.

- Según el director, el título del film hace referencia a "la sensación de tensa expectativa que se produce cuando el cielo está cargado y amenaza tormenta".

LO QUE SE VIENE:
Esta semana se estrenan en el Cine Center las películas: Running Scared, un filme de acción que ya tuve la oportunidad de ver y que en su género es muy recomendable. Excelente edición, fotografía y una historia que atrapa.
También está el filme protagonizado por Diane Lane, Sin rastros, que personalmente me tiene intrigada, su sinopsis indica que se trata del juego del gato y el ratón entre una detective y un asesino psicópata. No la he visto, pero mi morbo por los asesinos seriales ya me tiene fichada para el estreno.
Y claro, la película nacional Día de boda, que se estrena la semana que viene. Obvio que tendrá su pequeña y sincera reseña en esta columna. Crucemos hasta los dedos de los pies porque sea buena.

18-03-2008

Ay!, de estos días terribles

Siempre he sentido particular curiosidad por los asesinos, más aún si son seriales o masivos. Lo mío, sin embargo, no obedece al morboso interés de enviarle cartas a los que están cumpliendo su pena en prisión, o de comprar a través de Internet los legados macabros que otros, igual de macabros seres, subastan al público. No, mucho menos tendría una fantasía amorosa que me haga declarar: “Dylan, quiero tener tus hijos”, escrito en una web por una adolescente, haciendo referencia a Dylan Klebold (uno de los autores de la masacre de Colombine).

Lo que siento es una curiosidad y perturbación de orden científico-existencial, encabezada por las siguientes preguntas: ¿Cómo alguien puede quitarle la vida a otro ser humano deliberadamente? ¿Cómo alguien puede infringirle sufrimiento a otra persona, por el sólo placer de verla sufrir? ¿Cómo alguien puede encontrar solaz y satisfacción en el hecho de apretar el gatillo?.

La psicología ha dado muchas respuestas. De hecho la mayor parte de los asesinos más “famosos” de la historia tenían un historial plagado de problemas mentales, ambientes familiares psíquicamente disfuncionales y claro, una personalidad que fue deteriorándose al pasar los años, a vista y paciencia de familiares, vecinos, amigos, conocidos.

Este 2008, por ejemplo, ha sacudido el seno americano, con tiroteos varios ocurridos en los primeros meses del año. Algo que alcanzó su punto culminante el año pasado con la masacre de Virginia Tech, protagonizada por un cabreado Cho Seung-hui.

Cho, de 23 años, se llevó consigo a la tumba a 33 personas. Para los que, como yo, seguían el caso hipnotizados, Cho dejó 27 videos junto con un manifiesto escrito de unas 1800 palabras. Una de sus citas textuales es: "¿Saben qué se siente al ser humillado y empalado en una cruz?¿Y dejado desangrar hasta la muerte para su diversión? Nunca han sentido ni una simple onza de pánico en sus vidas [...]"

Si leyeron hasta aquí, no se han equivocado de reseña…sigo hablando de No es país para viejos. El caso es que en los tiempos que corren, da la impresión de que cada día hay más gente enferma y perturbada, cansada de vivir, agobiada por la soledad contemporánea de una sociedad individualista a la que no le importa más que el bien propio.

Los hermanos Coen parten de ese bello título que lo dice todo: “No es país para viejos” y sitúa la acción en plena frontera de Texas, a principios de los 80s. En un paraje donde se respira la paz que antecede a una tormenta, Llewelyn Moss encuentra un escenario sangriento. Al calor de un enfrentamiento entre narcos, la cocaína y los 2 millones de dólares que se iban a intercambiar quedaron sin “dueño”.

Llewelyn, que se dedica a la caza, inspecciona el lugar y decide tomar la maleta con el dinero.  Lo que comienza como una “avivada” de su parte, termina como una “boludez”. El bruto que se hace con la plata, regresa a la escena al día siguiente, y claro…ahí ya están los verdaderos “dueños” buscando su dinero y su cocaína. En ese punto se empieza a desarrollar una persecución en la que el gato juega al ratón y viceversa.

Paralelamente vemos a un casi retirado Tommy Lee Jones interpretar al sheriff Bell. Un sheriff que ya las ha visto todas, y que siente que su trabajo se ha vuelto cada vez más difícil, porque las cosas han cambiado tanto desde que él era niño, que casi no reconoce su ciudad.

En medio de todo, surge el personaje inmortalizado ya, por Javier Bardem. Anton Chigurh es un asesino serial despiadado, cínico, plano afectivamente, sagaz y terriblemente perturbado. Acompañado por algo que no sé si es un tanque de aire comprimido, o qué!, pero que resulta ser el arma homicida más escabrosa que he visto en la vida, Antón se echará al plato varios muertitos.

Estos tres personajes se mezclan por azar, y comparten un mismo fin aunque distintos motivos. Aparece fugazmente Woody Harrelson, interpretando a un detective, que conoce al dedillo a Antón, y que precisamente sabe que con ese pendejo, no se juega.

Durante casi dos horas seguimos la historia espantados y, sí, algo emputados. Porque si bien el argumento es fuerte, profundo y rico en apreciaciones, existen cabos sueltos que le hacen perder validez…cosa que me hizo pensar en conseguir el teléfono de los Coen y putearlos hasta desmayarme.

Aún así, el final duro, emotivo y abierto a todas las interpretaciones, rescata la película y te deja con una sensación asquerosa. No tanta como la de Petróleo Sangriento (la de Daniel day Lewis), pero sí lo suficiente como para pensar en el personaje de Bardem durante muchos días y plantearte qué carajos significa el sueño del sheriff Bell, entre otras cosas.

No es país para viejos, derrama melancolía…una melancolía que nos lleva a los 80s, como si a partir de entonces todas las quimeras hayan desparecido y lo que en su momento fueron sueños de grandeza, haya dado paso a un mundo donde no existen héroes ni villanos, simplemente desolación.

Actuaciones soberbias dan vida a todos los personajes, que incluso en las más absurdas situaciones y con escenas que para el espectador son como una hoja en blanco a medio escribir, consiguen rescatar lo insalvable. Bardem convierte a su asesino en uno de los más memorables del cine. El Oscar que se llevó este año es una deuda que la academia tenía pendiente desde el parapléjico de Mar Adentro e incluso desde su espectacular interpretación de Reinaldo Arenas en Antes que anochezca. Tommy Lee Jones con su mirada diáfana, dolorida y resignada del sheriff Bell, es una oda a la sobriedad.

Con una fotografía exquisita, que maneja los ritmos del argumento y una banda sonora inteligente, que resuena y guarda silencio en los momentos justos, la última película de los Coen no decepciona. Pero no decepciona, porque nosotros los niños de ayer, los jóvenes de hoy y los viejos de mañana, sabemos, tenemos conciencia de que estos días no son como los de antes.

Quizás el hecho de que la acción se sitúe en Texas, lugar de origen del bellaco de George W. Bush, y que el argumento giro en torno a la inmoralidad y la arbitrariedad para llevar a cabo actos barbáricos, no sea tan fortuito.

Lo mejor: Brillantes actuaciones y una temática impactante
Lo peor: Cabos sueltos y que nos ven la cara de borregos con algunas cosas
La escena: La de la moneda en la tienda
Lo más falsete: La muerte de cierto personaje importante
El mensaje manifiesto: “No hay absolución posible para el hombre”
El mensaje latente: Antes no estábamos tan jodidos
El consejo: Paciencia
La pregunta: ¿Cuán tardaron en elucubrar el sueño de Jones?
La web: http://www.nocountrymovie.com/
http://www.nocountryforoldmen.co.uk/intl/es/

CURIOSIDADES

• Javier Bardem y su frase "Call it, friendo" (Tú decides, amigo), que pronuncia en No country for and old men fue designada ayer como la más influyente del cine de 2007 en la cultura estadounidense.
• El título de la película está sacado del poema de W.B. Yeat, "Sailing to Byzantium"
• La película está basada en la novela homónima de Cormac McCarthy, considerado como uno de los cuatro mayores novelistas americanos de su tiempo, junto a Thomas Pynchon, Don DeLillo y Philip Roth.
• La película es dirigida por Joel y Etha Coen, primera vez que ambos aparecen en los créditos como directores. En la industria se les conoce por el apodo de "el director bicéfalo" (the two-headed director). Muchos actores que han trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, al hacer una pregunta, sobre el guión o sus personajes a cada uno de ellos, reciben exactamente la misma respuesta de cada hermano.
• Bardem dijo que basó su personaje de asesino serial en el presidente americano George W. Bush.

23-02-2008

“LA NAÚSEA”

Hice un ciclo de cine por estos trechos en que decidí exhibir Saló o las 120 jornadas de Sodoma. Y claro…lo prohibido siempre atrae. Con el gancho del morbo y el altruismo de exhibir una cinta censurada en casi todas partes, me lancé a la tarea de conseguir espacio físico. Pensé que iba a ser fácil, después todo dizque estamos más “evolucionados”, dizque ahora la gente tiene la “mente abierta” y somos todos “modernos”. Pues no, no y no. En el primer recinto que era de propiedad civil y pública con fines “culturales”, me dijeron “todo bien”.

A los dos días, un director de cine dizque “transgresor” se encargó de “informar” a los directivos el tipo de filme que estaban por exhibir. “Vos sabías que el director fue asesinado por esta película?” “Vos sabías que muchos de los actores murieron durante la filmación?”, “hay que tener en cuenta que es un tema fuerte, por ahí se pueden tener problemas”, y de yapa me deslizan el número telefónico del “cineasta” en cuestión para que tenga una charla esclarecedora con el individuo. Yo pongo mi mejor cara de “no gracias” y digo “La gente no es estúpida, si viene a ver la película sabrá que no están viniendo a ver La pequeña casa en la pradera”. Y luego de otros intercambios verbales preferí retirarme con dignidad e intentar en otro lado.

Se descartaron dos lugares más, porque sabía que por normas “morales” no iban a permitir semejante escarnio público.

Finalmente encontré a alguien lo suficientemente sano (sí, porque ya es una cuestión de salud mental) para opinar que una película no le haría mal a nadie y es así como Saló o las 120 jornadas de Sodoma pudo exhibirse ante un modesto grupo de 40 personas…en el Búho Blanco, gracias a Juan Bustillos.

Pero cuál es el escándalo?. Hay que reconocer que la cinta es excesivamente gráfica y alcanza niveles de violencia casi pornográfica, por no decir que la mayor parte del filme todos están en pelotas. Pero, hagamos un poco de contexto. Una obra jamás debe ser juzgada sin su contexto.

Pier Paolo Pasolini fue una figura polémica por muchas razones. Era un italiano comunista, homosexual, de tendencias pedofílicas y dispuesto a todo en el afán de llevar una obra a término. Por si fuera poco era homosexual pero se distanciaba de los movimientos que reivindiquen su condición, lo que le ganó el desprecio de sus pares gays. Los hetero lo despreciaban por ser homo, entonces no era bien visto en ninguno de los dos bandos. Era ateo también, así que tenía sobre él los ojos de aquellos que seguro lo veían como una suerte de blasfemo y en algunos casos anti-cristo. Sus creencias políticas fueron motivo de escepticismo. Toda su obra tanto literaria como fílmica estuvo marcada por una honda simpatía hacia los pobres y marginados de la sociedad, sin embargo vivía como el más relajado burgués capitalista.

Filmó su famosa Trilogía de la vida, donde estaba incluida su versión de Las mil y una noches, Los cuentos de Canterbury y El Decamerón. La prensa y los críticos transformaron su obra en un fenómeno mediático que Pasolini odiaba. Resentido y renegando de su trilogía, Pasolini decidió hacer algo que tapara la boca a todos y que nunca pueda ser utilizado por nadie como algo comercial y de consumo masivo. Es así que surgió la película quizás más controversial del cine: Saló o las 120 jornadas de Sodoma.

Para ello el italiano se unió a otro irreverente: el Marqués de Sade. Las heridas de la 2da. Guerra Mundial todavía estaban muy frescas por lo que tomó la obra de Sade y adaptó la historia para finales de 1944-45 y situó la acción en Saló, haciendo alusión a Musolini. Por si fuera poco, dividió el filme en círculos que se remitían a las características de La Divina Comedia de Dante. Aunque ahora esos círculos eran Pasiones, Mierda y Sangre. La historia comienza cuando soldados nazis empiezan a secuestrar a adolescentes para llevarlos a una gran mansión. En ella están cuatro hombres que representan distintas instancias de poder: un juez, un banquero, un sacerdote y un duque. Junto a ellos estarán cuatro exprostitutas cuya labor será contar sus experiencias más “interesantes” al público cautivo y así ir de las palabras a la acción. De ahí en más veremos violaciones, sodomizaciones, escatofagia, y cuanta cochinada se les ocurra. Todo de manera muy gráfica y explícita. Lo importante es que la película aborda de una manera muy eficaz el cariz más bajo y mezquino del ser humano. Pasolini retrata con maestría y desprecio a una sociedad en decadencia donde todos los pilares que la componen están putrefactos. La corrupción alcanza sus mayores cumbres, desgraciadamente la marioneta que es el hombre se deja tentar para caer irremediablemente en ese círculo donde la piedad, la compasión y lo moral (desde el punto de vista netamente humano) no tienen cabida.

Todo lo que sucede en la pantalla es sórdido y denigrante, sin embargo los verdugos se mueven cual se fuera una fiesta…una fiesta donde los papeles consiguen invertirse tarde o temprano para beneplácito del punto de vista pasoliniano: el ser humano es una mierda, la sociedad es una mierda, la corrupción y el fascismo reinan.

Aunque extremo, no resulta tan difícil de creer. En las fechas en que yo intentaba hacer la exhibición del filme justo acababan de develarse las fotos de los presos torturados en Irak por soldados americanos. Estamos hablando de una película que fue hecha en 1975, treinta años después las imágenes guardaban, en algunos casos, una escalofriante similitud. Y bueno, ya hemos visto todos que aunque simpaticemos más con algún bando político, la realidad es que cualquier corriente ideológica que ha tomado el poder ha generado muerte y destrucción tarde o temprano. Lo que mueve a la reflexión sobre si será cierto que el hombre es bueno por naturaleza pero la sociedad lo corrompe, o no será que es malo por naturaleza y ergo, él corrompe a la sociedad?. Bueno, es una visión muy dramática ya que implica una resignación acerca de la capacidad del ser humano para ponerse por encima de sus odios, codicias y venganzas.

Si hay algo que objetarle a Saló es que las actuaciones no están muy correctas, hasta ahora no sé si esa era la idea o definitivamente no se pudo dirigir mejor las interpretaciones. El filme es pesadito, pesadito…dennnnnso y con una estética súper clásica. Los textos abundan y se disparan unos contra otros, el espectador sufre no sólo de violencia visual, sino verbal y psicológica. Difícil es imaginar una cinta más incómoda que Saló, Gaspar Noé en su filme Seul contre tous consigue el mismo efecto pero con un lenguaje más contemporáneo, no por nada se ha declarado admirador del trabajo de Pasolini.

El director italiano efectivamente fue asesinado poco antes del estreno de Saló. Mucho se ha dicho al respecto, lo cierto es que a Pasolini ya le tenían echado el ojo hacía rato, sus declaraciones que no dejaban contento a nadie eran una bomba de tiempo, prácticamente no tenía ningún respaldo político aunque sí algunos amigos. Como ya lo dije al principio a Pasolini le gustaban los adolescentes. Contrariamente a lo que se puede esperar de alguien que dice defender a los pobres y desprotegidos, solía trasladarse a la zona más marginal de Roma para "levantar" mozalbetes y a cambio de una suma mantener relaciones sexuales. Es así que un adolescente acabó con la vida del director, según dijo porque tuvieron un desacuerdo con respecto a las "posiciones". Eso bastó para que además de darle una paliza, el muchacho pasara por encima del cuerpo de Pasolini con el auto de lujo del director.

El 2005, Pelosi, el supuesto asesino, dijo en una entrevista que fueron 3 desconocidos los que asesinaron al director italiano, y que él se inculpó porque así lo juzgaba un tribunal de menores y la pena sería mínima. Esto sólo sirvió para reforzar la teoría de un asesinato por encargo de alguno de los sectores que odiaban a Pasolini. Hoy en día se ha pedido reabrir el caso para esclarecer su muerte.

En definitiva, se trata de una película donde lo extremo sirve para mostrar una visión descarnada del mundo. Un mundo que más de 30 años después, sigue igual de decadente que antes. Mientras tanto, queda la duda si al igual que lo hizo Stone con Asesinos por naturaleza, un filme de características tan fuertes se justifica…en este caso, yo creo que sí.

CURIOSIDADES

1. Pasolini pasó parte de su infancia en la República de Saló. Durante este tiempo fue testigo de muchas crueldades por parte del ejército italiano. Muchos de sus recuerdos de la experiencia condujeron a la conceptualización de Saló.
   
   
2. Se han formulado muchas preguntas acerca de la legalidad de la película; por ejemplo, si los actores o actrices que participaron en los actos (evidentemente simulados) sexuales o violentos de la película eran mayores de edad.
   
   
3. Muchos de los nombres de los personajes de la película, tienen el nombre del actor que lo interpreta.
   
   
4. Otra curiosidad es que ambos grupos de jóvenes no eran tan homogéneos. Los chicos eran no profesionales mientras las chicas venían escogidas de entre fotomodelos (para asegurarse de que tuviesen cuerpos hermosos y que no tuviesen demasiado pudor en enseñarlos).
   
5. Los actores que interpretan a las víctimas tenían entre 14 y 18 años.

Lo mejor: Una temática fuerte y una crítica aguda.
Lo peor: Malas actuaciones, densa y con poco ritmo.
La escena: La escatofagia
Lo más falsete: Las actuaciones y la grandilocuencia de ciertas escenas.
El mensaje manifiesto: El poder es corrupción.
El mensaje latente: El ser humano está enfermo.
El consejo: Hay que verla
La pregunta: ¿Quién mandó a matar a Pasolini?
La web: No tiene, pero podés encontrar información en : http://es.wikipedia.org/wiki/Sal%C3%B3_o_los_120_d%C3%ADas_de_Sodoma

11-02-2008

"Ojo por Ojo"

Después de casi 5 años de ocupación americana en territorio iraquí, después de casi 7 años de la caída de las Torres Gemelas, después de millones de muertos entre población civil de Irak y los militares de las fuerzas aliadas, y después de BIllones de dólares gastados en una operación denominada “Liberación de Irak”, después de todo eso Hollywood comienza a lanzar al mercado películas que critican algunas de las políticas instauradas por el gobierno del señor George W. Bush.

De esta manera surge “El Sospechoso” (actualmente en cartelera), también llamada “El expediente Anwar” o conocida por su título en inglés “Rendition”. Enmarcándose en la práctica anti-terrorista de las altas esferas de seguridad americana llamada Rendición Extraordinaria (*), el argumento se centra en dos escenarios que al final de cuentas son uno solo.

Todo el despelote comienza cuando unos agentes de la CIA se encuentran en un auto de una calle de África y bum! Una bomba explota y uno de los agentes muere producto del estallido. La noticia vuela a Washington donde el “desconcierto” y el “shock” por la pérdida de tan gallardo representante de la seguridad nacional, hacen que se busque por cielo y tierra a los responsables del atentado. “Ustedes saben cómo se verá esto?”, se preguntan los gringos en los pasillos.

Al principio ya nos mostraron a un muy egipcio Anwar El-Ibrahimi (Omar Metwally) y a una muy embarazada Isabella El-Ibrahimi (la rubia esposa del egipcio). Se despiden porque Anwar tiene que hacer unos trabajos en África, hacia allá va sin sospechar siquiera lo que le está por caer encima. Esta pareja que ya tiene un hijo, es la que se convierte en víctima del gobierno americano.

El egipcio lleva 20 años viviendo en USA, su expediente es impecable, pero los gringos descubren llamadas hechas a su celular de un número del terrorista que se responsabilizó por el atentado del principio. En base a esa peregrina suposición es que hacen la gran Bart Simpson al grito de: Matanga dijo la changa. Anwar desaparece cuando está volviendo a los brazos de su americanísima Isabella (Reese Witherspoon), y claro, es trasladado inmediatamente hacia tierras desconocidas donde lo someten a un “interrogatorio” que hoy en día se conoce llanamente como Tortura.

Ahí entra en escena el señor Douglas Freeman (Jake Gyllenhaal), que es uno de los que sobrevivieron al “bombazo” y que ante los desgraciados acontecimientos, ocupa el cargo del muertito.Y quién era el muertito? Pues el que se encargaba de supervisar las torturas. Ni más ni menos.

Debemos suponer que nuestro querido Douglas no fue entrenado, ni siquiera advertido de cómo eran las cosas en ese lugar, porque su aversión y rechazo hacia tales prácticas dan a entender que al hombre no le dijeron de qué color era el tigre.

Mientras en África, Douglas, egipcio y compañía juegan al gato y al ratón, en Washington la embarazada anda destapando ollas para recuperar al padre de su segundo hijo. Ahí aparece Meryl Streep, interpretando a Corrinne Whitman, senadora que dirige ese tipo de operaciones. A Corinne no se le despeina ni un cabello, ni le tiembla un solo músculo ante las insistentes preguntas que hace Isabella. No, al contrario, se encuentra firmemente convencida de que el egipcio es terrorista, y que aunque no lo fuera, la sola sospecha es suficiente para torturarlo a más no dar.

Dejando de lado todo este cuadro, se desarrolla la historia más rica de esta película. Fátima, hija de la cabeza local de la prisión donde torturan a estos “sospechosos”, empieza a relacionarse con Khalid (un oculto extremista), creándose una historia de amor que tiene elipsis temporal, giro algo sorpresivo y claro, el elemento emotivo bajo la manga.

La película se resume en una charla que tiene Douglas quejándose de lo que le hacen a Anwar, en ella este “bravío” agente de la CIA insiste en que se están creando nuevos enemigos con políticas como esas. O sea, si el egipcio no es terrorista (enemigo), por el “malentendido” ya mirará con otros ojos a USA.

El final es auto-complaciente y hasta tonto, para el tipo de filme que se plantea en un principio. Aún así deja un buen sabor de boca por la directa crítica hacia el gobierno americano, sin dejar de poner al héroe en el mismo bando que se critica (por eso lo de auto-complaciente).

Las actuaciones son muy solventes, ya que en general se trata de grandes nombres, la mayoría nominados o ganadores de un Oscar, lo que no siempre suele ser garantía, pero que en este caso sí lo es.

La dirección corre a cargo del sudafricano Gavin Hood, que fue nominado por la academia el 2006 a mejor película extranjera por Tsotsi, filme que sorprendentemente NO he visto aún, pero que pinta bien. Este es el debut hollywoodense de Hood, y la verdad se queda a medio camino a nivel artístico. Puede ser que la presión de los estudios haga que directores independientes no consigan sacudir en trabajos de grandes producciones.

En general, a pesar de sus dos horas de metraje, El sospechoso, es una película que tiene buen ritmo, entretenida, bien hechita, aunque blanda, auto-complaciente, plagada de los clichés del género y con un final (con relación al egipcio), pobremente construido.

Lo importante y rescatable, es que en el ocaso de George W. Bush comienzan a salir los esqueletos del closet. Una exhibición algo tardía para un tema tan escabroso y lamentable, pero totalmente acorde con la maquinaria de intereses ocultos que es Hollywood.

CURIOSIDADES

- El director de la película Rendition cuenta que al principio de la filmación apenas si podían trabajar por la cantidad de paparazzi que perseguían a Reese Witherspoon detrás de las cámaras.

- Reese y Jake demandaron a una revista por publicar fotos de su personaje Isabella embaraza, diciendo que Reese estaba embarazada de Jake.

- En la vida real,Maher Arar, ciudadano canadiense fue víctima de la política de USA conocida como “rendición extraordinaria.” Fue detenido por funcionarios de USA en 2002, acusado de vínculos terroristas, y entregado a autoridades sirias, que lo torturaron. Arar trabaja con el Centro por Derechos Constitucionales para apelar un caso contra el gobierno de USA que fue desechado por motivos de seguridad nacional.

- La rendición extraordinaria es uno de los tantos mecanismos inconstitucionales e inhumanos que ha instaurado la administración Bush en su bizarra cruzada. Por ejemplo: USA Patriotic Act, Operación Martillo de Hierro, Telón de acero, entre muchas otras, han sido llevadas a cabo a vista y paciencia de organismos internacionales.

Lo mejor: La crítica al gobierno
Lo peor: el final (con relación al egipcio) y los clichés
La escena: el final (con relación a Fátima)
Lo más falsete: el final (con relación al egipcio) y el papel de Jake Gyllenhall
El mensaje manifiesto: El fin NO justifica los medios
El mensaje latente: Crear nuevos enemigos es más fácil que destruirlos
El consejo: Hay que informarse.
La pregunta: ¿Existirá la justicia divina?
La web: http://www.renditionmovie.com/
(*) Rendición extraordinaria es una expresión utilizada en los Estados Unidos para procedimientos extralegales mediante los cuales los sospechosos de terrorismo son enviados a otros países diferentes de Estados Unidos para encarcelamiento e interrogación. Los reportes de prensa describen que los sospechosos son arrestados, vendados los ojos, esposados y sedados y transportados en jets privados u otros medios a los países de destino. Los reportes también dicen que Estados Unidos proporciona los interrogadores y la lista de preguntas. En un número de casos, los sospechosos a quienes se les ha practicado el procedimiento han resultado ser personas inocentes.Según el exagente de la CIA Bob Baer, “Si usted quiere una interrogación seria, usted envía el prisionero a Jordania. Si usted quiere que sea torturado lo envía a Siria, y si usted quiere que sea desaparecido y no volverlo a ver – usted lo envía a Egipto”. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Rendici%C3%B3n_extraordinaria"

31-01-2008

Macarrones con queso

Tenés 16 años y descubrís que estás preñada. ¿Qué hacés?.
Juno, nuestra heroína indie asume su maternidad con cinismo. En un principio decide abortarlo, conciente de que el mundo está tan jodido que como la Trevi lo escribió en uno de sus temas “traer un niño más, sólo aumentará el censo”.

Es así que con mucha presencia de ánimo se va a la famosa clínica. Justo en la puerta se encuentra con una compañera de clase haciendo campaña por el No al aborto y luego de que le diga: “Los bebés ya tienen uñas”, esa sola imagen basta para que Juno reconsidere su posición.

Ojo que la película no navega en una campaña pro o contra-aborto, sino que usa el tema del embarazo para tocar temas como la madurez para recibir un hijo, lo relativo de “decisiones correctas” o “decisiones incorrectas”, y sobre todo definir en una exquisita escena lo que todos buscamos con respecto a una pareja: El queso de nuestros macarrones.

Con ese negro sentido del humor con el que Juno enmascara una ternura incipiente, la joven mamá buscará una pareja para dar al bebé en adopción. ¿Qué mejor que una revista donde los desesperados papás infértiles se anuncien con foto incluida? De esa manera llega a la vida de Vanesa (Jennifer Garner) y Mark (Jason Bateman), quienes reciben de brazos abiertos la posibilidad de que “la cosa” (como Juno llama al nonato) sea el hijo que no han logrado concebir.

Qué linda película! Juno es igual o más de lo que los adoradores del cine independiente andan pregonando en la red, en la prensa y en el boca a boca. Este es un pequeño gran filme que tiene el frescor de la tierra mojada cuando acaba de llover (no el de las inundaciones por si acaso), y el de la brisa marina. Su gran logro es contar una historia harto repetida (adolescente encinta) y darle un giro interesante, todo esto de la mano de grandes actores, entre los que destaca la jovencísima Ellen Page que interpreta a la famosa heroína de nombre mitológicamente romano.

Esta misma Ellen Page ya me había sorprendido el año pasado cuando protagonizó Hard Candy, donde interpretaba a una perturbada adolescente que se encontraba con un pedófilo de esos que pululan en la red. Mientras en Hard Candy hacía creíble un personaje bizarro y con matices muy oscuros, en Juno la misma actriz dota su interpretación de un toque sencillamente adorable, que hace que uno piense seriamente en llamar Juno a una futura hija (sí, lo estoy meditando).

Ni Jennifer Garner, ni Jason Bateman, ni siquiera Michael Cera (el padre de “la cosa”), desentonan en un reparto que lo único que hace es engrandecer el filme hasta dejarlo del tamaño de un globo aerostático. El guión ha sido escrito por Diablo Cody, un personaje que ha saltado a la fama directamente de lo virtual. Esta señorita, cuyo look se nos antoja a una gothic girl, ganó sus buenos quintos como streeper, pero quiso la suerte y el buen criterio, que creara un blog donde relataba todas sus aventuras y desventuras. Llamó la atención, y como en Hollywood andan escasos de guionistas (ojalá les vaya bien en su huelga), la lanzaron al estrellato con este su debut cinematográfico.

Ahora, la ex chica del tubo, es requerida para seguir haciendo guiones de cine, y también como guionista para series de tv. Bien por Diablo, se lo merece luego de crear algo tan lindo como Juno.

Sobre Jason Reitman (el director), el año pasado (mierda, parece que vivo para el cine nomás) vi su ópera prima llamada Thank you for smoking, película muy bien lograda, interesante cuya temática central era una evidente crítica a la industria del tabaco, todo en clave de humor negro. En Juno sigue mostrando que Canadá ha dado al celuloide un director talentoso, y que de este personaje podemos esperar grandes películas en el futuro. Es un director que convierte lo sencillo y pequeño en algo perdurable.

El filme ha sido acreedor de incontables premios, tiene cuatro nominaciones a los Oscar y promete conquistar los corazones de todo aquel que la vea. Preciosa banda sonora, fotografía, estética indie, guión inteligente, hacen de Juno una de las mejores películas del año pasado.

Lo mejor: Ellen Page en un entrañable personaje
Lo peor: Que termine
La escena: la nota escrita por Juno a Vanessa
Lo más falsete: Nada
El mensaje manifiesto: Los macarrones son mejor con queso
El mensaje latente: Todo se resuelve
El consejo: Disfrutala
La pregunta: ¿Le pongo Juno a mi futura hija?
La web: http://www.foxsearchlight.com/juno/

23-01-2008

ESA ODIOSA COSTUMBRE

Nombre: Brad Renfro
Edad: 25 años
Profesión: Actor
Encontrado muerto el martes pasado, aparentemente por sobredosis.
 
Una semana después…

Nombre: Heath Ledger
Edad: 28 años
Profesión: actor
Encontrado muerto este martes, aparentemente por sobredosis.

La muerte es algo que nos golpea todos los días, con sólo abrir el periódico se asoman los que perdieron la vida de forma natural, accidental o intencional, así como los que la perdieron al nacer, apenas aprendiendo a caminar, adolescentes, jóvenes, adultos y viejos. La promiscuidad del no existir es algo ya común, así como su absoluta e indiscriminada agenda.

Pero en este espectro en que nos movemos los amantes del cine, es fácil sentirse conmovidos o shockeados por la muerte de uno de aquellos que solemos ver en las pantallas, y a quien le sabemos el nombre, edad, parejas conocidas, filmografía, proyectos futuros, etc…El cine sí es una cinta de sueños, como decía Orson Wells, y la gente que lo protagoniza suele convertirse fácilmente en alguien “cercano”.

La primera vez que vi a Brad Renfro fue en la película El Cliente, famoso filme de suspenso protagonizado también por Susan Sarandon y Tommy Lee Jones. En ese entonces Brad tenía tan sólo 11 años, y era evidente que poseía un talento innato que lo hacía parecer una joven promesa. Casualmente, mi hermana menor quedó prendada de este actor y con el pasar de los años vimos casi todas sus películas, incluida aquella de 1995 llamada The Cure, que a nadie le interesa dos pepinos, pero que a nosotras fue la que más nos marcó. No era una “gran” película, pero trataba sobre la amistad de dos niños vecinos, uno Brad Renfro y otro, el también adolescente, Joseph Mazzello. En esta cinta Mazzello tenía SIDA, y el personaje de Brad intentaba encontrar una cura haciendo un descabellado viaje por USA. Muy conmovedora.

A lo largo de los años supimos de su triste adicción a la heroína y a la metadona, así como fuimos testigos de su deterioro físico y múltiples arrestos…no hace falta más que ver sus fotos de adolescente y comparar con alguna de los últimos años. Si bien es cierto que la noticia de su muerte no fue un “sorpresón”, no dejó de causar tristeza saber que este talentoso actor, murió a los 25 años, aparentemente por sobredosis, dejando a un hijo en la orfandad. Lo anecdótico vendría al saber que dos días antes de morir se hizo un tatuaje en su espalda con la siguiente frase: “F*CK ALL Y’ALL” (asterisco incluido).

Se puede entender esa frase, si sabemos que ninguno de los padres de Brad fue capaz de encargarse de él luego de divorciarse cuando era pequeño, siendo su abuela la que lo crió. Se puede entender esa frase, si sabemos que Brad fue descubierto cuando participaba de clases de actuación dedicadas a niños y jóvenes con problemas de drogas. Se puede entender esa frase cuando a lo largo de su carrera y tropiezos con la ley, nunca se supo nada de su familia, ni de su “desesperada lucha” por rescatarlo y hoy en su obituario resulta que tenía a sus dos padres vivos, a sus abuelos, a sus padrastros, una hermana, hermanastros, y un desfile de parientes y amigos que se llenan la boca hablando de lo buen muchacho que era, pero no fue ninguno de ellos la persona que abrió la puerta de la habitación donde se encontraba muerto.

Por otro lado, este martes anochecemos con la devastadora noticia de que el actor australiano Heath Ledger también murió, fue encontrado desnudo en su habitación y rodeado de pastillas, en otra aparente sobredosis. Ahora su imagen ocupa todas las portadas y se habla de sus ojos tristes, de un intento de suicidio en septiembre y de una profunda depresión.

La primera vez que vi a Heath Ledger fue en 10 cosas que odio de ti, una simpática película para adolescentes basada en el clásico shakesperiano La fierecilla domada, me encantó. De ahí en adelante pude verlo en su fase pre-fama en producciones menores como Monsters Ball, Ned Kelly, El caballero, etc.. o como hijo de Mel Gibson en El Patriota. No sería hasta Secreto en la montaña, con su personaje de vaquero gay que saltaría definitivamente a la fama. A Heath siempre se le criticó que una vez alcanzado el status de mega-estrella, prefiriera hacer películas de corte independiente y poco pipoqueras. Heath reconoció no ser un estratega comercial de su carrera, pero que le gustaba hacer películas de ese tipo. Una de sus más aclamadas fue Candy, donde interpretaba a un poeta drogadicto envuelto en una relación amorosa hiperdestructiva.

Heath Ledger también sufrió por el divorcio de sus padres cuando él contaba con apenas 10 años, y adquirió un desapego a la vida que muchas veces mencionó en diversas entrevistas. Este mismo Heath, a quien pusieron ese nombre en honor al atormentado Heathcliff de Cumbres Borrascosas es el que aparece muerto a sus 28 años. El 2005 fue padre de una niña, de este nacimiento dijo:” Ahora no me importaría morir, porque siempre viviré a través de ella”.

El 2008 queda todavía la oportunidad de disfrutar de uno de sus últimos trabajos, esta vez bajo la batuta del dotado Christopher Nolan en la última versión de Batman, personificando, en una curiosa paradoja, a la caricatura de la sonrisa eterna: El Guasón.

Y surge la pregunta: ¿A dónde van Brad Renfro y Heath Ledger? ¿Habrá un paraíso donde se juntan aquellos para los que la vida se tornó insoportable y sucumbieron ante un suicidio abierto, o un suicidio sutil (consumo de drogas)? Me gusta imaginar que en estos momentos Heath y Brad se encuentran en amena tertulia con River Phoenix, Jonathan Brandis, Philippe Lemaire, Hervé Villechaize y otros.

Quizás no haya que buscarle explicaciones a nada, sino aceptar lo que dijo el escritor español César González-Ruano: “La muerte puede consistir en ir perdiendo la costumbre de vivir”.

14-01-2008

“La magia del negro”

El sábado pude asistir a la segunda presentación del Teatro Negro de Praga, llevándome una grata sorpresa.

En primeras instancias me desanimó el hecho de que la entrada costara 250 Bs. Y 300 Bs. (33 $us. y 41 $us. aprox.), que para el extranjero parece nada, pero para los locales que gustan del teatro es un precio elevado, teniendo en cuenta lo que se acostumbra pagar por estos trechos por ver una obra.

Con ese escepticismo que me caracteriza me dije: “A ver de qué color es el tigre”.
Sobre Teatro Negro de Praga tenía una muy buena referencia paterna y había leído información acerca de su original teatro. Lo que ellos hacen es una especialidad de Checoslovaquia (país de origen), y este grupo en particular, es el más antiguo, siendo fundado en 1961. La técnica que utilizan se basa en el uso de una cámara negra u oscura, en la que se encuentran varios telones que sirven para que en la más completa oscuridad, se cree la ilusión de objetos y actores levitando, usando la creatividad para lograr contar una historia que no tiene diálogos.

En este caso la obra que vi se llama Las aventuras del Dr. Frankestein, obviamente basada en el libro de Mary Shelley, en el que este Dr. está obsesionado con crear un ser humano recolectando partes del cuerpo de cadáveres. Dicho relato suele ser enfocado con horror o suspenso, mientras que los checos lo hacen en clave de humor.

Para empezar, la sala no estaba llena, quizás había un 70% de lo que su capacidad permite, la obra estaba marcada para las 20:00 y arrancó alrededor de las 20:15, hubo una voz en off con acento colombiano que dio la bienvenida y explicó en una aburrida alocución (bostezo) la temática de la obra. Aquí una recomendación, cobrando tanto por la entrada, no cuesta nada gastar esos quintos en algo de folletería para que el espectador se informe sobre el grupo y capte a grandes rasgos la historia de la obra, porque aunque el colombiano se esforzó, era un poco tedioso escucharlo.

Finalmente se apagaron las luces y pudimos ver a qué se debía tanta alharaca. La palabra clave para definir esta cuestión es: magia. Una magia que no disfruté en un principio, porque como había pagado por la butaca de 250Bs, me encontraba en los laterales, con una perspectiva bastante triste de la escena y para rematar, con la fila de atrás ocupada por curiosos infantes que durante la primera parte de la obra se dedicaron a preguntar, comentar a sus padres y, claro está, a emputarme. Aquí otra recomendación, hay que enseñarles a los niños desde chicos a saber ver una obra de teatro, y lo dice alguien que cometió el error de acompañar a una amiga con DOS niños pequeños a una obra, donde estos chiquillos sembraron el caos, haciéndome pensar seriamente en el día que tenga hijos, no llevarlos al teatro hasta que cumplan más de 12 años.

De esta primera parte rescato la parte del la excursión submarina, lo que pasa es que el Dr. Frankestein empieza a viajar por todo el mundo para recolectar las partes que necesita para su creación y es así que se ve en el Mar Muerto, rodeado de peces…una escena muy lograda, gracias a la técnica que cuenta también con efectos fosforescentes que le dan realce al efecto logrado con la cámara oscura.

Casi finalizando esa primera parte, un tipo de no sé qué canal de televisión, entró a la sala, se sentó en la fila 9 (la fila 1 es la que está besando el escenario) y, adivinen qué?, prendió la luz de su cámara filmadora. No puede ser! Hubo molestia, incluso no faltó quien se levantó a increparlo por su falta de criterio. El impasse duró poco, y la obra terminó su primer acto, el colombiano se escuchó de nuevo, llamando la atención sobre el uso de la luz y flashes: “eso perjudica enormemente a la técnica que usa el Teatro Negro de Praga”, dijo. Salimos a airearnos por 10 minutos, ahí toco comprarse gaseosas, papitas Pringles y otros. Cuando llamaron para retornar a las butacas, el basurero se llenó de botellas a medio tomar, porque comprás las sodas pero no podés meterlas al teatro. Los que no querían perder su inversión de 5 pesos, se quedaban en la puerta tomando rapidingo lo que faltaba.

Entramos, pero la viveza criolla nos hizo cambiar nuestras butacas laterales por las vacías del medio, y al parecer, no fuimos los únicos con esa brillante idea. Desde ahí, y con la tranquilidad de no escuchar niños hablando a mis espaldas, pude disfrutar de un espectáculo de alto vuelo. Obvio que volvimos a escuchar al colombiano explicando lo que se venía.

En esa segunda parte el Dr. Frankestein visita distintos lugares como Francia, en la que vimos una hermosa y artística puesta en escena de la Torre Eiffel y los pintores parisinos, los trazos de pintura se movían ante nuestros ojos mientras el Dr. conquistaba a una parisina para luego decirle adiós. Similares hechos ocurrían en Tirol, ordeñando una vaca, o en Viena donde las bailarinas de vals aparecían y desaparecían ante un maravillado público, para luego llegar al encuentro en Transilvana con el Conde Drácula. A esas instancias, estábamos todos fascinados, con ganas de que la velada no termine nunca.

Ya para cerrar el telón consiguen crear al ser humano que resulta ser un bebesote de lo más encantador. La obra termina, se encienden las luces, vemos la montonera de telones negros que usan para crear esa ilusión, los jovencísimos actores se presentan, y salimos con la sonrisa pintada en la cara, pensando “Qué bonito”.

Obra: Las aventuras del Dr. Frankestein
Basada en: Frankestein de Mary Shelley.
Dirección: Pavel Horpek.
Estreno: 2006
Lo mejor: Magia, pura magia.
Lo peor: La escena de los gitanos, cuando supe que iban a tener un encuentro con los gitanos esperé emocionada, pero fue lo más flojo. Ah, y ya a nivel decorativo, está bien que auspicie el banco Bisa, pero qué cosa más fea las huevadas esas inflables que pusieron alrededor del escenario con el logo del banco.
La escena: La recreación de Francia y de Viena.
Lo más falsete: hmmm existe un problema con sus finales, no tienen la fuerza requerida.
El mensaje manifiesto: El que la lucha, la consigue.
El mensaje latente: Los resultados a veces varían.
El consejo: No pagués por butacas laterales.
La pregunta: ¿Por qué no hubo folletería?

La web: http://www.blacktheatreprague.cz/

09-01-2008

“JUST A PERFECT DAY”

Trainspotting es una película de culto. Tiene todos los ingredientes para serlo: vanguardista para su época, independiente, shockeante, y un retrato fiel de una generación.

De todas las películas sobre drogas que he visto, es junto con Réquiem for a dream, una de las más desgarradoras.

A que nos referimos con “Trainspotting”?, se refiere a un pasatiempo inglés de mirar los trenes pasar y calcular su tiempo o velocidad (tan ingeniosos no?), pero en el mundo de la heroína es la manera en que la droga corre por tus venas, desde que te pinchás hasta que te produce efecto.

Aunque aquí en Santa Cruz es imposible hallar heroína, no obstante el submundo de la droga (cocaína, marihuana, ácidos) alcanza niveles insospechados en nuestra sociedad. Los caretas piensan que es algo que afecta a los estratos más bajos, pero no, los consumidores son muchos más de los que se piensan. Lo más triste de todo, es que la gran mayoría no se reconocen adictos y viven su vida con “normalidad”, sin querer asumir que tienen un problema.

Y Trainspotting habla de eso, de cuanta droga te podás imaginar, pero no, no es una alabanza o una oda de un heroinómano para los heroinómanos. Sus detractores han intentado hacerla pasar como un filme que impulsa a seguir consumiendo drogas, pero nada más lejos de la realidad.

Te explico. La película comienza con Ewan Mcgregor (en el papel más destacado de su carrera) corriendo por las calles, mientras una serie de frases en que se utiliza el verbo “ELEGIR”, nos taladran el cerebro. Él no quiere elegir la vida, no quiere tener responsabilidades y sentirse desanimado ante su putrefacta y miserable existencia como ser humano común y normal (léase: trabajar, pagar cuentas, tener familia, hacer feliz a alguien, cumplir expectativas y las expectativas del mundo), entonces decide no elegir la vida.

La película parte de ese punto, y el no elegir la vida desemboca en elegir la droga (creo que más claro el mensaje no podía estar). Para Renton  (Mcgregor), la vida es vacía, insípida, sin sentido y la droga le proporciona un solaz. Durante la película nos describe su mundo, el mundo de los que no eligen la vida. Un psicópata interpretado por Robert Carlyle (uno de los mejores actores ingleses) le pone sazón al relato, este personaje no se droga, pero su psiquis está tan perturbada que su no elección de vida se da en un comportamiento totalmente anti-social; también desfila en la pantalla un promiscuo que se infecta de SIDA luego de que su novia lo deja y se hace adicto a la heroína; Sick Boy, quien tiene afirma tener “control” sobre su adicción y el drogadicto empedernido, el más adicto a todos: Spud, personaje entrañable pero igual de perdido que el resto.

Mientras la película transcurre veremos a Renton intentar desprenderse de ese mundo y caer nuevamente en él. Escucharemos las reflexiones de una juventud resentida y marginada que no le encuentra sentido a su vida. Una juventud que no encaja, y que al no encajar pensará que no merece más que la efímera “felicidad” que le proporciona el pinchazo de la heroína.

Además, nos encontraremos ante una experiencia visual casi perfecta, porque Trainspotting es un paisaje visual acelerado y dinámico, donde todo está matizado por un toque de humor negro. Una dirección impecable, quizás lo mejor que ha hecho Danny Boyle hasta el momento, con una edición que incluso en estos días, pocas veces he visto en un filme de este tipo, en el que la historia además de tener una estética interesante, tiene un argumento profundo.

En un momento dado, Renton se encontrará en la encrucijada final de todo adicto, tendrá que ELEGIR si sigue en ese camino que es de descenso, o si de una buena vez elige un futuro, elige su vida.  

Esta es una película basada en el libro homónimo de Irving Welsh (recomendado también). Está dirigida por Danny Boyle a quien ya hemos visto dirigiendo películas como “La playa”, “Una historia diferente”, “Tumbas al ras de la tierra” (otro peliculón), y más recientemente “28 días” y la imperdonable “Sunshine”. Sus dotes como director son indiscutibles, tanto el manejo de cámara, los planos, el hilo narrativo, son excelentes. El guión estuvo a cargo del mismo que siempre ha trabajado con él en anteriores películas Jonn Hodge y la fotografía tiene como encargado a Brian Tufano que cuenta en su haber trabajos como “Billy Elliot”. La banda sonora es perfecta, se complementa con la película de tal manera que parece como si hubiesen sido hechas la una para la otra. Una de las mejores bandas sonoras que he escuchado, recomendada también para tu colección.

Eso sí, no es apta para todo público, de hecho recomiendo que la vean personas que saben a qué se están ateniendo. Muchas veces me he topado con gente que dice que Trainspotting es una basura, pero para mí es una de las grandes películas que nos heredamos de los 90s.

CURIOSIDADES

1. Originalmente, el actor de Mark Reenton sería Ewen Bremner, que también actúa en Trainspotting, interpretando a  Spud.
2. Ewan McGregor enflaqueció 13 kilos para interpretar a Renton.
3. Ewen Bremner (Spud) interpretó a Renton en la versión teatral de Trainspotting.
4. Irving Welsh, autor del libro, hace una pequeña aparición en el filme como Mikey.
5. En una curiosa encuesta realizada hace unos años, el DVD de Trainspotting resultó ser el más robado en toda Australia.
6. El bar donde Mark conoce a Diane tiene en sus paredes un menú escrito con letras semejantes al bar Korova de La Naranja Mecánica.
7. En la entrada del baño del antro "Volcano" se encuentra una imagen de Jodie Foster en Taxi Driver y Mark está parado detrás de una imagen de Travis Bickle de Taxi Driver

Lo mejor: Impactante
Lo peor: que habrá quienes no la puedan digerir
La escena: La sobredosis de Renton mientras la canción A Perfect day se escucha; también la del inodoro y la del bebé.
Lo más falsete: Las reacciones pacatas que tuvo en ciertos sectores de la sociedad.
El mensaje manifiesto: Elegí la vida!
El mensaje latente: Existe una juventud desesperanzada que necesita opciones.
El consejo: Tenés que verla antes de morir.
La pregunta: ¿Por qué no elegir la vida?
La web: no tiene, pero podés ver datos en http://www.filmaffinity.com/es/film959573.html

02-01-2008

“UNA VIDA MEJOR

Sin duda, el canadiense David Cronemberg es uno de los cineastas más interesantes del cine actual. El año pasado pude disfrutar de Una historia de violencia, donde demostró porqué tiene un puesto ganado entre los grandes del celuloide.

Este año regresó con Promesas del Este. Me intrigaba el nombre, el poster de las manos llenas de tatuajes, sabía que Vigo Mortensen repetía como personaje principal (incluido también en Una historia de violencia), y que el filme era catalogado como uno de los mejores del 2007.

O sea, había expectativas. Además, debo confesar un vergonzoso fetiche por Vigo Mortensen, que va más allá de su interpretación de Aragorn en El señor de los anillos. Me cautiva, de una manera muy poco profesional, su versatilidad como actor, pintor, fotógrafo, poeta, deportista, su habilidad para hablar español como el más criollo argentino, y por qué no, su aspecto de galán maduro.

Ya está, luego de esa indecorosa confesión podemos seguir con el tema de la película.

El argumento se centra en la mafia rusa, todo comienza cuando en una barbería degüellan a un ruso, por órdenes de otro ruso. Al mismo tiempo, una adolescente embarazada, también rusa, pierde la vida dando a luz y deja como única pista un diario que cae, oh casualidades de la vida, en manos de una enfermera (sí, rusa también). Toda esta enmarañada trama sucede en pleno corazón de Londres.

Y Vigo??? Estarán preguntándose varias. Vigo, como bien lo dice él mismo a lo largo de la película, es “sólo el chofer”.

La película se llama Promesas del este, porque durante todo el filme se retrata la decadente vida de inmigrantes rusos, en unos casos convertidos en lo peor del hampa de la mafia, y en otros, como peones y esclavos sexuales. El diario de la adolescente muerta, narra las peripecias de una rusa de provincia, cuya vida en un pueblo de las afueras de Kiev, estuvo marcada por la pobreza y las historias de buenaventura que le contaba por carta otra chica que vivía en el “Este” (Londres, Paris, Lisboa), una narración muy chocante por lo triste, por la nostalgia y por la esperanza convertida en desesperanza de esa nueva vida.

Las cosas se enredan porque el diario contiene nombres y datos específicos de los movimientos de una de las familias más importantes de la mafia rusa, por lo que la vida de Anna (Naomi Wats-la enfermera) cambiará dramáticamente con ese nuevo panorama. Vigo interpreta a Nikolai, el chofer del hijo de esta familia de maleantes, ladrones y asesinos.

Aunque la película consigue recrear imágenes duras, terriblemente nostálgicas como la de la prostituta adolescente que luego de ser poseída por Vigo, se pone a cantar una vieja canción rusa, desnuda entre las sábanas y con la mirada perdida…el desenlace no consigue impactar de una manera acorde al desarrollo que la historia estaba siguiendo hasta ese momento.
De hecho, no pude creer que había terminado. Miré consternada el marcador de tiempo del DVD y vi que llevaba tan sólo hora y media de película, me sentí estafada…y vulnerada en mis derechos de espectadora, porque la historia prometía mucho.

Quizás el efecto de extraña desesperanza es lo que busca David Cronemberg, un final bastante abierto, un cierre nostálgico, oscuro, vacío…que te deja pensando “Y???”.

Hay escenas que son bastante fuertes, muy al estilo Cronemberg, que no busca tener concesiones de ninguna naturaleza con la sensibilidad del público, pero es precisamente ese el arte de este canadiense. Las actuaciones están muy buenas, participan además de Vigo Mortensen y Naomi Watts, Vincent Cassel y un soberbio Armin Mueller-Stahl. Vigo Mortensen ya ha sido merecidamente nominado como Mejor Actor para los Golden Globe 2008, veremos cómo le va este año.

Aparte, la película está dotada de una sobrecogedora banda sonora, unas melodías que inmediatamente traen a tu mente callejuelas rusas pobladas de rusos tristes y pobres, y eso que no conozco Rusia….mágica banda sonora.

Para quien se pregunte sobre el lema del poster: “Los pecados dejan marca”. Eso es MUY interesante…resulta que en estos rusos de larga data y tradiciones, los tatuajes son un diario de vida. Ellos mismos se los hacen, y vos podés saber quién es y dónde ha estado el ruso en cuestión, gracias a sus tatuajes. Son como diarios…y al mismo tiempo como la identidad de estos personajes. “Los pecados dejan marca”, alude a todos los negros secretos que esconden los tatuajes de estos rusos…secretos que involucran una forma de vida muy oscura, dañina y malvada.

Entonces  David Cronemberg consigue una vez más dar unos cuantos golpes al estómago, crear algunas escenas impactantes y que pensés en su película varios días después de haberla visto. No será lo mejor de su filmografía, ni lo más logrado, pero, definitivamente, tiene su sello.

Lo mejor: No es por chupa, pero debo decir Vigo Mortensen =)
Lo peor: algunas cosas pegadas con moco que bajan el nivel que el filme consigue en un principio.
La escena: la extraordinaria pelea campal entre un Vigo Mortensen completamente desnudo y tatuado, contra dos mafiosos rusos que lo querían liquidar de improviso.
Lo más falsete: la revelación de Nikolai (Vigo Mortensen) casi al final.
El mensaje manifiesto: La vida está llena de pescadores de ilusiones.
El mensaje latente: Las ilusiones, ilusiones son.
El consejo: La disfrutará el que no sea puntilloso, ni delicado del estómago.
La pregunta: ¿Cuánto tardarían en pintar el cuerpo de Vigo Mortensen para las escenas chuto?
La web: http://www.promesasdeleste.es/

26-12-2007

“ES UN MUNDO EXTRAÑO”

Lynch ha dejado su huella en el mundo del celuloide: para unos, no pasa de un polémico enredador de historias; para otros, un genio. Quizás la verdad se encuentre a medio camino entre una u otra aseveración, porque, después de todo, ¿quién puede decir qué es genialidad? en su momento, algunos de los que son ahora genios, fueron tildados de locos, hasta de mediocres...y ya ven, la vida pone cada cosa en su sitio. Por el pronto me quedo con el Lynch de Terciopelo Azul.

Si hay algo que Lynch maneja a la perfección, es el juego al que somete al espectador, un juego donde Lynch tiene la sartén por el mango, un juego donde pocas veces podremos atisbar a qué juega Lynch. Como ven, puede ser lúdico en cierto sentido, pero sobre todo emocionante.

La cosa empieza onda Little House in the praier, un pueblo apacible, tomas que nos indican que ahí todo está bien, que todos se portan bien, van a misa, comulgan, y el largo etcétera que representa el ilusorio vivir americano. Luego, para romper esa ilusión, un hombre mayor regando su jardín en un día cualquiera, es víctima de una especie de ataque. El cuadro lo completa el perro que, al ver a su amo caído de espaldas y con la manguera de agua asida a su mano, comienza a jugar con el agua que sigue brotando.

Pasamos inmediatamente al hospital. El mismo hombre con una serie de aparatos alrededor de su torso, cabeza y extremidades. No nos informan qué pasó, ni qué le pasará, llega su hijo, interpretado por Kyle MacLahaln, quien bajo el nombre de Jeffrey será nuestro protagonista.

Ahora, mis estimados, olvídense del viejo y concéntrense en Jeffrey.

Recordarán a este actor por su personaje de policía en la macabra Twin peaks (Picos Gemelos), acá está un poco más joven y representa a la candidez y la curiosidad de un universitario cuya vida transcurría con la misma regularidad que un reloj suizo. Llega al pueblo a ver a su padre, por lo del ataque (recuerden al viejo de la manguera). Bueno, el individuo empieza a pasear por ahí, parece que recordando el pueblito que lo vio nacer, y zassss que pilla una oreja entre la hierba. Tal cual lo leen, una oreja humana en medio del pasto. Extrañado, la mira, la inspecciona y se dice: "matanga dijo la changa". Sin ningún asco (ni guante), agarra la oreja (que ya tiene su mohito y otras cosas de difícil descripción), la recoge y la mete en una bolsa de papel que casualmente estaba por ahí.

Hasta ahí no les parece una historia interesante? Sí! Sí! Digan que sí!!!

Prosígome.

Como es un pueblito, ahí todos se conocen, entonces se presenta donde un policía amigo, se la muestra, la llevan al forense y la cosa queda en stand by. Entra en acción Laura Dern, interpretando a Sandy, la hija del policía al que Jeffrey le mostró la oreja. Sandy, boca floja como pocas, le comenta a Jeffrey algunas cositas que escuchó en su hogar sobre el caso. Jeffrey, que, la verdad sea dicha, andaba como muy ocioso, se interesa de inmediato y decide intervenir.

Esto sirve para dar paso a los personajes más ricos de la película, Isabella Rosselini interpretando a Dorothy Vallens, conocida en su boliche como La Dama de Azul, porque en su repertorio invariablemente cantaba "Velvet Blue" (Terciopelo azul), y Dennis Hopper haciendo de un soberbio y odiable Frank Booth.

Como se habrán imaginado, lectores condescendientes, lo mejor se da cuando esos personajillos están presentes. Hasta la parte en que el ingenuo de Jeffrey quería averiguar qué $·%"/ pasaba, estaba todo tranquilo, una vez Jeffrey hace lo que hace y pasa lo que pasa, asistimos a un desfile de extravagancias, algunas interesantes, otras de humor negro, otras tristes, pero extravagancias muy al estilo Lynch. La película corona su final comedidamente, de acuerdo a las exigencias que el espectador tiene después de estar casi dos horas con el ojo pelado.

Puedo asegurar, que quien no ha visto nada de Lynch la podrá ver tranquilamente, porque no es una película tan individualista, ni tan jeroglífica como Mullholland Drive, ni lenta como Carretera Perdida u otras...en general es una película que puede disfrutar cualquiera que le gusta el cine un poquito.

Las actuaciones son muy buenas, sobre todo, las de Rosselini y Hopper...se mandan unas actuaciones inolvidables, para Rossellini debe haber sido difícil interpretar su papel porque hay escenas muy explícitas y sobre todo de mucha carga emocional.

El guión tiene lo suyo también, ya que es creación del director, un guión que grita Lynch por todas partes, macabrito, pero con estilo y queriendo mostrar el lado dark del ser humano.

En cuestión de imagen o fotografía, tampoco se aplaza, hay escenas muy bien logradas, que incluso para ser una película ochentera...te hace pensar que no lo es.

La banda sonora es excelente, Lynch tiene el gusto de los grandes directores para colocar la música a sus películas, canciones muy bien seleccionadas donde se repite hasta el hartazgo la canción que da nombre a la película. "Velvet Blue".

Como ya mencioné, la película es de 1986, sin embargo le da patadas a muchas que han salido recientemente. Una película que nos hace pensar en que no todo es lo que parece y que a nuestro alrededor se tejen historias que ni siquiera nos imaginamos, historias donde a simple vista todo parece inmaculado, pero que cavando un poquito uno se encuentra con cosas que harían a Unitel parecer un capítulo de Winnie Pooh. Después de todo, quiénes son ustedes realmente, o quién soy yo?.

Es un mundo extraño no?
Lo mejor: El final
Lo peor: quizás resulte algo freaky para algunos.
La escena: todas las escenas en se muestra la relación entre Dennis Hopper e Isabella Rosellini.
Lo más falsete: …
El mensaje manifiesto: Nada es lo que parece ser.
El mensaje latente: Debajo de la pureza se esconde la perversión.
El consejo: Verla
La pregunta: ¿Qué tan extraño puede ser el mundo?
La web: no tiene, pero podés ver datos en http://www.cinecin.com/davidlynch.asp?cat=bluevelvet

CURIOSIDADES
- David Lynch dijo haberse basado en la escena de "Un perro andaluz" de Luis Buñuel, donde aparece una mano con un hueco en el centro por donde circulan hormigas, para recrear la escena de la oreja humana llena de hormigas encontrada en el césped por el protagonista.
- Terciopelo Azul posee varias referencias a Abraham Lincoln y su asesinato?. Entre ellas por ejemplo la calle Lincoln donde se sitúan los apartamentos de la historia, el apellido del personaje de Frank Booth basado en el del asesino de Lincoln, John W. Booth, o incluso la secuencia del disparo de Don absolutamente igual que el asesinato del ex presidente norteamericano.

17-12-2007

¿Y dónde está Antígona?

Fue un fin de semana larguito, que comenzó oficialmente el día viernes en que me deslicé hasta el Plan 3000 a ver el estreno de Antígona. Después de media hora de viaje, llegué hasta la Ciudad de la Alegría, que cobija a la ENT (Escuela Nacional de Teatro). Eran exactamente las 19:00, tenía muchas expectativas, ya que además de haber leído el texto original de Brecht, esta era la presentación “en sociedad” del nuevo curso de actores que la escuela largaba a los ruedos del teatro profesional.

Entré rápidamente, previo saludo con otros incautos espectadores, y me acomodé en mi butaca con ansias. Después de unos 20 minutos de retraso, las luces se apagaron.

Se escuchó un discurso en alemán, que yo automáticamente asumí era Hitler (dada la temática de la obra), siguió ese sonido de sirenas típicos de guerra, de atrás del público salió un actor con una linterna que terminó de dar un efecto interesante y Antígona abrió su telón.

Al principio, me encontré con una muy buena escenografía. Minimalista y moderna. Calaminas, y otros elementos urbanos pintaban un cuadro, embellecido por un correcto uso de las luces. Es en ese momento que sale Antígona, a los gritos y junto a sus “sombras” (tres actrices que representan también a Antígona),  nos cuentan la necesidad de esta muchacha de dar entierro a su hermano fallecido, aún en contra de las órdenes del rey Creonte.

Lo que a primera vista parecía una obra moderna, se transforma en una puesta donde nos torturan con el texto sin piedad. Un texto que leído es precioso, pero que escupido mecánicamente y a mil por hora, resulta aletargante. Después de un día algo cansado, sentarme a ver la metralleta de kilómetros de texto sin ningún matiz, fue tan efectivo como una pastilla de valium. Cabeceé, luchando contra el sueño, mientras mi acompañante perdió esa batalla y sólo se desperezaba cuando estaba a punto de roncar.
Me obligué a permanecer despierta. La obra transcurrió muy lentamente, la Escuela nos contó esa dramática lucha de poder, corrupción, honor, dignidad y contemporaneidad que el texto de Brecht hace que nos traspase el alma.

Confieso que cuando leí la obra, quedé encantada y rápidamente enganchada con el intenso relato. Al verlo en escena, me quedó la impresión de que la obra les quedó grande, y que la puesta carecía de magia, de ese elemento desconocido que algunos críticos llaman “el factor WOW”.

Y no es que no tenga cosas buenas, de hecho tiene una espectacular música, acertadísima, interesante, maravillosa, que con un montaje más arriesgado y menos lineal habría sacudido a más de uno. La escenografía muy linda, había imágenes muy bien logradas, escenas bonitas, conmovedoras, pero el gran problema es que todo era una cadena en que lo bueno y lo malo estaban estrechamente unidos, llegando a formar un producto poco consistente. A partir de la mitad, la obra consigue suspender un poquito y atraer nuestra atención. Ya para el final, otra vez se cae estrepitosamente…

Quizás la escena más destacable es la que consigue recrear Mariela Morales con su conmovedora narración sobre el triste destino de Antígona y de Hemón, sin duda el punto más alto de la obra.
Hablando del vestuario, faltó arriesgarse en ese punto también. La onda de la puesta era estilo Matrix, como un Apocalipsis moderno, pero el vestuario se queda a medio camino, especialmente las Antígonas, parecían escapadas de una puesta más bien clásica; los agentes del orden que vestían botas militares y gabardinas, salían con los cabellos sueltos, cuando el papel requiere una pulcritud al extremo. Pero eso ya son gustos personales…

El día sábado volví a ir, y me sometí a ese suplicio otra vez. Salí con la misma impresión. El texto de Brecht merece mejor suerte.

Sobre las actuaciones, hmmm me parece que la obra necesitaba a actores con más experiencia para las siluetas principales. Ahora, hay que reconocer que existe una mejoría notable entre lo que dichos actores eran antes de la escuela, y lo que son hoy. Lo digo porque he visto a la mayoría en obras de todo tipo, y aunque en Antígona no consiguen hechizar, habrá que ver qué otras cosas logran como profesionales del teatro.

En resumen, Antígona es un gran texto…pero la puesta llevada a cabo por la Escuela Nacional de Teatro, transita entre la densidad y lo desangelado. No sé cuántos actores eran en escena, pero seguro eran más de 20, 20 actores desperdiciados, con un texto hermoso y cruel, que a excepción de una o dos escenas no consigue transmitirnos la debacle, el abismo, de la caída de un reino.

Obra: Antígona
Basada en: Antígona, de Bertolt Brecht
Dirección: Marcos Malavia
Actores: Sabrina Medinaceli, Hugo Francisquini, Elina Laurinavicus, Fred Núñez, Mariela Morales, Glenda Rodríguez, Gabriela Unzueta, Diego Paesano, Yovinka Arredondo,  Mayte Haiek, Selma Valdivieso, etc..
Lo mejor: Música y escenografía.
Lo peor: La duración, lo denso y el final.
La escena: Mariela Morales en su relato sobre la muerte de Hemón
Lo más falsete: Los toques modernistas que esconden una obra tratada de una forma clásica.
El mensaje manifiesto: Los tiranos, tarde o temprano caen
El mensaje latente: El obrar mezquinamente, siempre es mal recompensado
El consejo: Tomá harto café, llevate una coca-cola, y chicle para no sucumbir ante el efecto narcótico de la obra.
La pregunta: ¿Dónde está Antígona?

12-12-2007

STAN

“Las grandes naciones han actuado siempre como gánsteres, y las pequeñas como prostitutas.” S.K.

Hay momentos mágicos en la vida, y dentro de esos momentos mágicos surgen las terribles comparaciones. Talentosos hay pocos, y queda manifiesto en la retahíla de películas que se repiten y parodian, mientras que el buen cine o el cine que puede aportar algo escasea.

Para quien guste del cine, o por lo menos, para quien tenga curiosidad por el CINE (con mayúsculas), es obligatorio pasar por el señor Stanley Kubrick, independientemente que te termine gustando o disgustando.

¿Qué hace a Kubrick tan especial? Mejor, reformulemos la pregunta ¿Qué es lo que no hace especial a Kubrick?. Kubrick hizo todo lo que tenía que hacerse para ganarse un puesto entre los grandes. Kubrick es la apoteosis de lo que un aspirante a cineasta desearía llegar a ser. Con un espíritu visionario, gustos excéntricos y un amor por el trabajo perfecto, Kubrick le ha dado al cine clásicos de clásicos. Muchas veces, echada panza arriba, me imaginaba (envidiosamente) cómo el señor Kubrick pudo filmar cosas tan extraordinarias.

Desde películas bélicas, hasta películas históricas, de suspenso, oscuras, humor-negro, creo que lo único que no llevó a cabo Kubrick fue un dibujo animado, porque su paso por muchos géneros son testimonio ineludible de su talento. Hace falta ser muy talentoso para poder emprender diferentes géneros y hacer de cada emprendimiento un referente para generaciones futuras. Ya quisieran otros directores ser nombrados continuamente, ya quisieran otros directores tener filmes como Odisea en el Espacio, La naranja mecánica o hasta Espartaco.

Obviamente que después de tantas flores para Stan, comprenderán que tenga en mi poder el libro sobre el cual hago esta opinión. Se llama sencillamente Kubrick y está escrito por Ciment Michel.

Para empezar les diré que es un libro de lujo, con esto me refiero a que el tamaño, el papel, la calidad de las fotos y todo lo que involucra el aspecto “físico” del libro es excelente. Es casi como un álbum, con hojas un poco más pequeñas que el tamaño carta, y de ese papel suave y sedoso que sólo algunos libros tienen. El que lo escribe e ilustra, dice ser un gran admirador de Kubrick y se reconoce en esta recopilación de fotos y textos.
 
Primero nos encontraremos con un prólogo donde el autor justifica el por qué del libro. Luego tenemos un collage de fotos de películas como Fear and desire, El beso del asesino, Atraco perfecto, Espartaco, Lolita, Odisea en el espacio, La naranja mecánica, Barry Lyndon, EL resplandor, Teléfono rojo? volamos hacia Moscú.

Posteriormente pasamos a La Odisea de Kubrick, que involucra los datos biográficos de Stan, entre ellos una lista que Kubrick dio de sus 10 películas favoritas para una entrevista en 1963, entre las que destacan: I Vitelloni (Fellini), Fresas salvajes (Bergman); Ciudadano Kane (Wells), Candilejas (Chaplin), Enrique V (Lawrence Olivier), etc.

Habrá tiempo para conocer las exigencias de Kubrick como director, y lo que muchas veces lo tornó insoportable para algunas personas. Anécdotas de gente que trabajó con él y que no la pasó muy bien que digamos. Todo esto acompañado de fotos acerca del backstage de sus películas.
 
Luego pasamos a una de las parte más enriquecedoras del libro: “Entre la razón y la pasión: Reflexiones sobre una obra en proceso”, se trata de 20 viñetas donde se analiza filosófica, simbólica y técnicamente la obra de Kubrick, el proceso que ha seguido, los elementos que ha manejado y que la hacen tan especial.

“Kubrick y lo fantástico” da un vistazo a películas que fueron más allá de la realidad y que transitaron fuera de los límites establecidos por la época. El resplandor y Odisea en el espacio, por ejemplo.

Seguimos con una EXTENSA entrevista hecha en 1972 acerca de La naranja mecánica, muy muy completa, yo diría que para los fans es un regalo del cielo. Pero si pensaron que la cosa se queda ahí, continuamos con otra EXTENSA entrevista a razón de Barry Lyndon en 1976. Por si fuera poco, también podemos conocer al Stan de El Resplandor en una entrevista dada en 1980, que es más larga que las anteriores. Detalles que les dejo la incógnita, pero que les aseguro valen la pena en demasía.

Luego de conocer a Stan, podemos ver qué piensan los que fueron su brazo derecho en el mundillo del cine. En Testimonios nos encontramos con James B. Harris, el productor de Atraco perfecto, Senderos de Gloria, Lolita…en fin. Cuenta cómo se conoció con Kubrick y los hechos que los unieron en el trabajo. Ken Adam, director artístico, también nos cuenta un poco más del discreto vivir de Kubrick. Julian, director de publicidad y John Alcott, operador en jefe; terminan de dibujarnos el mundo Kubrick…un mundo lleno de guiños, de esfuerzos y de esperanzas.

La chaqueta metálica tiene varios capítulos debido a que fue una película que Kubrick hizo después de 7 años de silencio. Además un análisis crítico del film, declaraciones de Kubrick acerca de: El libro, el guión, Beckton (lugar donde se filmó), Capra, Hollywood Vs Londres, Modine, Platoon, y muchas otras maravillas. Luego pasamos a una entrevista con el guionista de Chaqueta metálica, donde explica más o menos cómo se dio la cuestión y cuáles eran los aspectos que resaltaban a la hora de estructurar la historia. Como no podía ser de otra manera, llegamos a Eyes wide shut, la última película de Kubrick, doce años después de Chaqueta metálica y su largometraje número 13. El rodaje, las preocupaciones de Kubrick, el perfeccionismo del montaje, la elección de Tom y Nicole, las críticas que tuvo y como bien dice el libro al final de este capítulo, ni siquiera en muerto Kubrick pudo satisfacer a la crítica unánimemente, ya que cada película que hizo era acompañada por aguas divididas entre las apreciaciones de la prensa especializada.
 
Nueva York en el crepúsculo, supone un vistazo analítico de toda la obra de Kubrick, y la relación de cada uno de los filmes que hizo entre sí. Puntos en común, símbolos que se repiten, temáticas paralelas, contenido freudiano, un capítulo muy completo.

Casi para finalizar gozamos de una entrevista con el guionista de Eyes wide shut, Frederic Rápale. El decorador jefe, Les Tomkins, también nos brinda su versión de los hechos en una entrevista dada en 1999.

Pasamos a un capítulo dedicado a testimonios de personas cruciales en la génesis de la obra de Kubrick, tal es el caso de una entrevista de Malcom Mcdowell, quien personificó a Alex en la Naranja Mecánica. De Jack Nicholson o Selley Duvall, lo particular de estos testimonios es que son dados justo después de la muerte de Stanley, y el motivo es rememorar a Stanley, entonces el tono de los testimonios es diferente a una entrevista común y corriente, ya que hablan sobre el efecto y el shock que la partida de Kubrick les ha dejado.

Para finalizar, In memorian Stanley Kubrick, el autor del libro nos comenta sobre la relación que tuvo, durante casi 30 años, con Kubrick. Los encuentros que tuvieron, los proyectos que Kubrick tenía, incluso habla sobre la filmación de Napoleón, película que Kubrick quiso hacer pero que abandonó. Circunstancias interesantes alrededor de su exquisito tino para definir música, fotografía, escenografía de sus películas, para qué vamos a negarlo si el hombre era un virtuoso.

Y como todo en esta vida termina, el recuento de las maravillas de Kubrick también termina, con la tristeza de que hoy en día hay muy pocos o quizás ninguno que pueda equipararse en visión y originalidad a este querido señor. El mundo continúa, el cine continúa, el legado ya está inscrito en las páginas de la historia, nosotros, los simples mortales,