Podríamos coincidir en que David Fincher es en líneas generales un gran director, podríamos decir que si echamos un vistazo a su filmografía encontraremos de todo, pero nada que nos haga elaborar cartas bombas a su persona, a excepción quizás de su debut ALIEN 3 que según él mismo casi le quita las ganas de dirigir para siempre.

De esto, se puede concluir que La chica del dragón tatuado no será una mala película, pase lo que pase, pensemos lo que pensemos. “No puede ser mala, no puede ser mala, no puede ser mala.” (insertar mi imagen en una mecedora, abrazando una muñeca)

Ahora, podríamos decir que soy seguidora de Fincher y que me han gustado casi todos sus trabajos, podríamos decir que leí la saga Millenium y que vi la versión cinematográfica sueca, diremos, también, que fui la más emocionada al saber que Finchersito estaría involucrado en esta nueva apuesta.
Se puede concluir, también, que tendríamos cartón lleno. Felicidad y satisfacción, con orgasmo y fumada de pucho al final.

(Espacio reflexivo, donde se mezclan recuerdos de cines que ya no están y directores que ya murieron)
Y no. No. No. No. No. No.

Esto va a ser largo y similar a un perro que persigue su propia cola, así que lo voy a hacer fácil para el lector promedio. Empezaremos hablando sobre la sinopsis, y ya al final entraremos en ese laberinto que es mi mente pajera.

En Suecia, un reconocido periodista (Mikael Blomkvist/Daniel Craig) queda con su reputación por los suelos al escribir un reportaje sobre un empresario corrupto que luego, juicio de por medio, lo deja como un crispín sin backup y credibilidad.

Sin un peso en el bolsillo, es contratado por un patriarca millonario (Henrik Vanger/Christopher Plummer) que le presenta un misterio. Su sobrina fue asesinada, y cada año desde algún lugar del mundo le llegan flores disecadas (regalo que acostumbraba darle Harriet) atormentándolo. Quiere saber qué pasó y para eso contrata a Blomkvist. Antes de darle el trabajo, lo investiga, y dicha investigación cae en manos de Lisbeth Salander. Lisbeth es una tipa peculiar, con su propia ética, habilidades de hacker y otros. Por x o z, los caminos de ambos se cruzan y empiezan a investigar un turbio pasado.

Esto es lo que conocemos desde que Stieg Larsson plasmó la trama en su celebrada trilogía Millenium. Ni más, ni menos.
Ya se había realizado una versión sueca y claro, los gringos quisieron sacar algo de rédito del talento ajeno y encargaron una versión americana.

La chica de dragón tatuado, tiene el sello Fincher en su estética y sobriedad, vistas en otros trabajos de temática cercana como Seven o Zodiac.

Teóricamente, tiene todas las papeletas para ser un peliculón: el guión lo escribe Steven Zaillian, que es conocido por ser el guionista de La Lista de Schindler, Despertares, Gangs of New York, Hannibal y otras más. La dirección de foto corrió a cargo de Jeff Cronenweth, que ya trabajó con Fincher en El Club de la Pelea y en Red Social. En la música participa Trent Reznor y Atticus Ross. No suena tan mal. Así que escapa a mi comprensión cómo ha salido tan insulsa.

Las comparaciones entre la Lisbeth Salander de Noomi Rapace y la de Rooney Mara pueden llenar foros, para mi gusto la sueca lo hizo muy bien aunque el personaje en la versión literaria mostraba cierta fragilidad que Rapace no le puso. Mara se acerca más a esa visión, de una Lisbeth algo infantil, que algunos piensan sufre leve retraso mental, una fragilidad por la que otros se atreven a abusarla. Así te la pintan en el libro, como alguien a quien le ponen menos edad porque parece adolescente, arisca como una urina asustada, y todas las genialidades que ya se le conocen. Sobre Rooney Mara no tengo ningún pero, sí lo tengo sobre Daniel Craig que me parece un actor insípido donde los haya, sin presencia, con menos profundidad que una tapa de Coca Cola.

El resto del casting americano, me parece en algunos casos muy bueno, en otros aceptable.
El tono que Fincher elige es un tono más condescendiente con la platea, trató de hacer más entendible la trama y hace un poco más de esfuerzo que la apuesta sueca en ser comercial. Al ser una versión bastante fiel a la literaria, las flaquezas del libro son igualmente retratadas en la película. Para un espectador común y corriente, hay cosas muy estúpidas, pero lo dicho, son igual de estúpidas en el papel. O sea que la culpa no es de Fincher, sino de Larsson.

Aún así, Fincher se toma algunas licencias como con el final cuando encuentran a quien sabemos, que en el libro es en otros parajes y a caballo; o cómo se descubre el significado de las iniciales, pero que no tiene una importancia real sobre la trama. En general, el enfoque de Fincher pasa muy por encima asuntos de contexto que eran más ricos en la novela y que le daban el peso a una historia que como ya dije, puede ser muy estúpida.

Mi sensación final es que La chica del dragón tatuado es una película correcta, cumplidora, decente, bien actuada, sin sorpresas, ni sobresaltos. Es una película de Fincher, pero que definitivamente se inscribe entre los trabajos “menores” de este cineasta.

Para mí, como espectadora, el problema de ambas versiones tanto la sueca como la americana, es lo aburrida que llega a ser la historia por momentos. Estamos hablando de una trama que en el libro te mantenía pegada a sus hojas adictivamente, y que en la pantalla gigante tiene partes bastante soporíferas.

Aún así lo más triste de la versión americana es Fincher. Es como si Pollock estuviera pintando un cuadro (salvando las distancias) y en lugar de entregarte su obra de arte, te entregue unos garabatos baratos. Apreciación personal y subjetiva, pero eso es lo que pienso.

Otro detalle, me parece que el timing para lanzar esta película no fue el adecuado. Estamos hablando de una saga que ha causado furor, que tiene una base de fans nada desdeñable y que se vio la versión sueca con igual entusiasmo. Lanzar una versión americana, cuando la sueca todavía no despega del inconciente colectivo, no es muy inteligente. Eso, obviamente, tomando en cuenta sólo a los que son fans.

Con respecto a los que no son fans o no tienen ni puta idea de la trama, lanzan la huevada a finales de año y la ponen a competir con Mission Imposible 4, Sherlock Holmes 2, entre otras. Resultado? La película queda en cuarto lugar, detrás incluso de Alvin y las ardillas. Para un presupuesto estimado de 90 millones de dólares, recauda en su primera semana apenas 13.

Beso mortal de la taquilla.
Si esta fuera otra película, las dos secuelas quedarían anuladas ante el bochorno. El estudio tuvo que “tranquilizar” a los que sí la vieron y gustaron de ella, y asegurar que las otras dos secuelas siguen en pie con actores confirmados, aunque Fincher está aún indeciso. Eso habla también del apego del director al proyecto. Cuando amás algo, no estás indeciso, se hace…así como Peter Jackson vivió quichicientos meses filmando El Señor de los Anillos.

Si se conoce la filmografía de Fincher, lo que se espera de esta versión es algo un poco más jugado, donde veás la pasión, las ganas de hacer algo diferente. Donde sintás que el director dijo: “Hay otro cojudo en Suecia que filmó la misma historia, MI versión se la va a revolcar”.

Sus créditos iniciales son muchísimos más propositivos que el resto del metraje que está narrado de manera súper mega clásica, en la que no existe ningún aporte real a esta saga. Eso le gritaba a uno de los compañeros de butaca que me decía que la había disfrutado (A VOS TE HABLO JC): “CUAL ES SU APORTE A LA SAGA, CUAL?” Si no viéramos los créditos sería muy difícil adivinar quién filmó esto.

No se trata de un filme netamente comercial, ni tampoco es un filme que aspira a ser de autor. Es un híbrido, que como ya dije no le aporta nada a lo ya leído y a lo ya visto en la versión sueca. Ese es su mayor pecado.

Para los tiempos que corren, para las películas que podés ver, ver una obra de Fincher que se puede catalogar como “discreta” y que no puede entrar en tu top 5 de sus mejores películas, sólo puede ser triste.

LO MEJOR: estética Fincher, bien filmada

LO PEOR: cero sorpresas, cero propuesta, cero

LO MAS FALSETE: la escena donde Salander le pide a Mikael que le ponga la mano en su espalda. O cuando Salander que tiene memoria eidética (fotográfica) y no necesita leer dos veces lo mismo para recordarlo, se pone a comparar las notas sobre las iniciales con un mapa.

LA ESCENA: la del robo de la mochila en el subte, la venganza,

EL MENSAJE MANIFIESTO: las repeticiones aburren

EL MENSAJE LATENTE: las repeticiones aburren

EL CONSEJO: las repeticiones aburren

LA PREGUNTA: ¿la segunda será tan repetidamente aburrida?

CURIOSIDADES

Kristen Stewart, Ellen Page, Mia Wasikowska, Natalie Portman, Keira Knighley, Eva Green, Emma Watson, fueron algunos de los nombres considerados para el papel. Algunas rechazaron el papel, otras audicionaron y no lo consiguieron.

Jhonny Deep, Vigo Mortensen, Brad Pitt y George Clooney fueron considerados para interpretar a Mikael Blomkvist. Yo me quedaba con Vigo. Vigo 100%.

Daniel Craig rechazó el papel inicialmente porque tenía que filmar la nueva James Bond, lamentablemente se cambiaron las fechas de filmación de Fincher y cosito pudo filmar.

Fue filmada en Suecia durante el invierno más duro que ha tenido el país en los últimos 20 años.
Rooney Mara se hizo los piercings con los que aparece, no son simulados.

En una parte del filme, Lisbeth Salander le compra un libro de Bobby Fischer a su tutor, antes de descubrir que ha sufrido una embolia. Esto en realidad es un chiste interno, ya que el guionista escribió el guión de la peli Searching for Bobby Fischer.

La secuencia inicial de la película es según David Fincher un vistazo al subconsciente, a la pesadilla de Lisbeth.
El actor Yorick Van Vageningen que interpreta al violador de Lisbeth, quedó muy afectado luego de la escena, tanto que pasó todo el día siguiente encerrado en su habitación.

Y aquí algo que me preguntaba: Por qué eligieron la pinche canción de Enya para la escena de Daniel Craig capturado y a punto de…? Pues la culpa (cuando no) es de Daniel Craig, resulta que le dijeron que ponga la primera canción que pille en su Ipod, y esito salió.

Somos los únicos que vimos algo parecido a un boom en la escena donde Cristopher Plummer conversa con Daniel Craig, voy a tener que esperar el DVD pa confirmar.

4-02-2012

“Tu pesadilla, sólo se pondrá peor”
Nadie se conoce realmente a sí mismo hasta que suceden cosas malas. Una desgracia, una tragedia, una situación límite te puede poner cara a cara con tu verdadero yo. A veces, ese verdadero yo es mejor de lo que pensás, otras es un monstruo que se camufló durante toda la vida.
La coreana I saw the devil nos sume en la oscuridad que supone cruzar el borde, la orilla desde la que mirabas ese abismo.

Kim Soo-Hyeon es un agente de seguridad, felizmente casado y a punto de ser padre. Una fría noche de invierno, su esposa lo llama por celular para avisarle que se le pinchó una llanta en el camino y que está esperando que llegue la grúa.

Kyng-Chul es un asesino serial que ante el mundo se hace pasar por un simple conductor de bus escolar. Ha violado y asesinado salvajemente a muchas mujeres, siendo imposible para la policía encontrarlo y ponerle fin a su estela de terror. Una fría noche de invierno, se topa en la carretera con un auto cuya llanta se ha pinchado. Adentro se encuentra una joven mujer, recién casada y en sus primeros meses de embarazo.

La tragedia está servida. Como dice el trailer: “En una sola noche, todo lo que amó, le fue arrebatado”
Kim Soo-Hyeon queda devastado, destruido, al igual que la familia de su esposa. El cuerpo ha sido recuperado en pedacitos, y la saña con la que la asesinaron salta a la vista.

Su suegro es el jefe de la policía coreana, y con su beneplácito iniciará una cacería cuyo fin es la venganza, sí, pero una venganza que necesita descender hacia lo más profundo del horror.
El director Jee-Woon Kim, conocido por filmes como Un cuento de dos hermanas y por Una vida agridulce, nos presenta esta historia llena de violencia, con una extraña y tétrica elegancia.

Imágenes espectaculares, peleas coreográficas, estética oscura, un genial diseño de arte y una banda sonora para el recuerdo. Jee-Woon Kim se la juega desde la escena uno, se la juega en escenas geniales como la del taxi, se la juega en cada ocasión que el gato y el ratón se encuentran, y eso es lo que más me gusta de una película, sentir la pasión de quien la dirigió, independientemente de baches, o excesos, esa pasión compensa cualquier falla.

El guionista Hoon-jung Park, que debuta con este título no escatima nada, y plantea un argumento con el que cualquiera se podría sentir identificado. La identificación no quita que también te asqueés o pensés que el protagonista se fue al chancho y una parte tuya desee tener su número de celular para llamarlo y decirle: “PARÁ!”.

El director de fotografía es un jodido artista, Lee Mogae ya ha trabajado con otros grandes del cine asiático y con este mismo director tiene dos películas previas. Excelente fotografía, da gusto verla y estudiar cada plano.

Las reminiscencias con Old Boy son evidentes, incluso desde el casting en el que encontramos al gran gran actor Min Sik Choi que interpreta al serial killer y que en la recordada película de Park Chan Wook era el que buscaba venganza por su encierro.

En I Saw the Devil, casi no lo reconocés, un personaje sin moral, histriónico, desagradable, grotesco, un animal sin sentimientos. Quizás sus orígenes en el teatro hacen que su presencia actoral crezca tanto en pantalla. Una magistral interpretación.
Otra película con la que la comparan es Seven, y puede ser…sólo puede ser que algo en su estética te una este filme coreano a la película de David Fincher.

Mientras avanza y la trama se profundiza/desarrolla, va escapando de las comparaciones, Seven y OldBoy quedan como un punto lejano de referencia y te quedás al filo del asiento incapaz de apartar tus ojos de lo que sucede.

Es muy angustiante, sobre todo cuando se va acercando al final. Intuís lo que va a pasar, pero no querés que pase. Hay personas que la encuentran imposible de mirar porque sí tiene elementos un poco gore, o excesivamente gráficos. Dada la versión que hace el director de esta trama, esos elementos son necesarios.

I saw the devil no te intenta vender otra cosa que lo que el título promete (Vi al diablo), y es eso lo que finalmente tenés. Lo desgarrador es el mensaje final, cuando queda claro que en esta cochina vida las desgracias suceden en un segundo, y la mayor parte de las veces no hay manera de recuperar o de compensar lo que perdiste.

En esa escena final donde nuestro protagonista y los créditos se funden, sabés que es verdad…viste al diablo, y él esbozo una sonrisa.

LO MEJOR: excelente fotografía, gran dirección, excelentes actuaciones.

LO PEOR: brutal. El argumento puede desinflarse por momentos.

LO MAS FALSETE: …

LA ESCENA: la del taxi, la del invernadero, el final

EL MENSAJE MANIFIESTO: la venganza mata el alma y la envenena

EL MENSAJE LATENTE: lo perdido no se recupera

EL CONSEJO: No apta para públicos muy sensibles

LA PREGUNTA: ¿El debut hollywoodense de este director será tan lamentable como parece?

CURIOSIDADES
- Se estrenó en agosto del 2010
- Tanto la película como el trailer fueron censurados por su excesiva violencia.
- Dura 141 minutos que no se sienten pasar.
- Ha ganado varios premios en distintos festivales .
- El director está preparando su debut en USA, con el filme The last stand, que se encuentra en postproducción y que se estrenará en el 2013. Desgraciadamente (MUY DESGRACIADAMENTE), los actores de este debut no prometen mucho: Génesis Rodríguez (la hija del Puma!!), Arnold Schwarzenegger, Jhonny Knoxville (¡!!!!!!) y otritos más. Maldito Hollywood.
- Es la primera película que protagoniza Min Sik Choi luego de que se autoexiliara de Corea en protesta por la reducción de cuotas de pantalla de películas nacionales en los cines.

Hace ya varios años, alquilé una película llamada Pretty Ugly People que venía avalada por algunos premios festivaleros (laureles en la carátula del DVD). Uno es bruto e ingenuo y supone que esos pinches laureles son garantía de algo. La experiencia me ha enseñado que a veces esa garantía es cheque sin fondo.
En el caso de Pretty Ugly People fue estafa total. El argumento nos contaba la historia de Lucy cuya vida había sido muy desgraciada porque fue gorda, repito: GORDA y que reúne a sus amigos incondicionales a los que no ve hace mucho dizque para darles una noticia. Todos asumen que la fulana se está muriendo o algo así, y cuando llegan al lugar resulta que la GRAN noticia es que enflaqueció y que OH! bendita sea la vida, se ve espectacular, atractiva, HOT y ahora su existencia puede ser “más mejor” y feliz.  Todo esto para que luego de juntar a sus amiguetes y situaciones MUY aburridas de por medio, se de cuenta que la belleza está en el interior (d-i-v-i-n-o). Los laureles seguro fueron por el mensajito a la conciencia políticamente correcto.
Me pregunté quién sería el ñoño que había filmado algo así, y ese algodón de azúcar no es otro que Tate Tylor, que nos demuestra y estruja en la cara que podés tener una ópera prima bastante asquerosa y aún así hacer un segundo largo decente.
Mis esperanzas en el cine nacional renacen como flores en primavera.
(espacio para cachetazo mental)
Este mismito Tate Tylor es el que ahora anda todo nominado globeado y seguramente oscarizado por el filme The Help, traducido al español de manera muy fea como Historias cruzadas. En correcto boliviano esto debería llamarse “La empleada”.

Pues nos vamos a Missisipi en los años 60s. Una vivaracha joven de familia acomodada, Skeeter (la siempre simpática Emma Stone), quiere ser periodista. Criada por una mujer de color, bajo normas estúpidas de segregación racial, decide escribir un libro sobre las sirvientas negras, sus experiencias, sus condiciones de trabajo, el tipo de familia a las que sirven, y en sus propias palabras “el lado de la historia que no se ha contado”.

Rodeada por un grupito de estiradas amigas, que ya cumplieron su rol social al casarse, ser amas de casa y organizar eventos de caridad mientras maltratan a su servidumbre, Skeeter la tendrá difícil. Las empleadas no quieren hablar por temor a las represalias, pero eventos en cadena harán que quieran contar sus vivencias.

Quizás el mayor acierto de la película está en su casting. Empezando por la carismática Emma Stone como Skeeter, pasando por una genial Viola Davis (se acuerdan de ella en La Duda??) y una  entrañable Olivia Spencer (Minny) que se roba la película. A ellas, agreguémosle Jessica Chastain (El árbol de la vida), Bryce Dallas Howard (La Aldea, La chica en el agua) y hasta Sissi Spacek.

Narrada de una manera muy condescendiente y políticamente correcta, la película muestra con humor los abusos y la segregación racial de la época. Cumple a pleno su objetivo de ser accesible para todos los públicos y escarbar (sin incomodar) en ese oscuro pasaje de la historia americana.
El guión lo escribe el mismo Tate Tylor quien se basa en el libro homónimo escrito por su amiga de infancia Kathryn Stockett. Tylor construye un filme liviano, que a pesar de tener toda la pinta de ser un producto hollywoodense hecho para el consumo de un público que no quiere sentirse “demasiado culpable”, conmueve por momentos y al finalizar su visionado, salís sintiéndote bien, pensando que existe gente buena, decente y que lo malo pasa.
Sí.

Por otro lado, no es una película perfecta, ni mucho menos. Quizás su blanda mirada se comprenda, pero los gratuitos y poco creíbles cambios de actitud de algunos personajes sólo acrecientan la sensación de estar ante un filme “bonito” en su envoltura con pocas aspiraciones reales de cuestionar su contexto.
Así como algunos pasajes hechos para que digás “qué mezquinos y cojudos eran en esa época”, sin siquiera detenerte a reflexionar sobre todas las historias de empleadas que se viven en nuestra linda, tolerante y plurinacional Bolivia.

No obstante, el filme se deja ver, pero lo dicho, una mirada más cínica podría identificar a las luces a este producto que lava conciencias pero no agita del todo un pasado en el que seguramente habían anécdotas mucho más humillantes que la del baño hecho especialmente para los criados negros.
“The Help” es a pesar de sus flaquezas, entretenida y excelentemente actuada. Cuenta con una gran fotografía y una linda banda sonora. Te engancha y por momentos, su ñoñez hiperglucémica llega a conmover. Razones suficientes para verla y constatar que el Jackson, Missisipi de los 60s no es un cuento para nada lejano a la Bolivia del 2012.

LO MEJOR: bonita, bien filmada
LO PEOR: lava conciencias pero no las agita
LO MAS FALSETE: lo de Constantine.
LA ESCENA: la del pastel
EL MENSAJE MANIFIESTO: hay historias que merecen ser contadas
EL MENSAJE LATENTE: hay historias que merecen ser contadas, que siguen sin contarse
EL CONSEJO: Mirá la viga en tu ojo después de verla.
LA PREGUNTA: ¿las cosas realmente han cambiado?

Cuando me andaba preguntando debajo de qué tutuma estaría viviendo Tom Cruise, zas!! estrenan por todo lo alto Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma.

Desde el 2006 que no teníamos noticias de esta saga, en esa época J.J. Abrams metió su cuchara como director y nos entregó una Misión Imposible bastante desangelada e intrascendente. Ethan Hunt, el personaje que interpreta Tom Cruise, no dejó huella  en este cinéfilo corazón y las expectativas de verlo renovado, refrescado, o cualquier ado, no eran altas. No. Podríamos ponerle un optimista  0.05% de esperanzas.

Además, tendríamos que irnos muchos años más atrás para encontrar un filme donde Tom Cruise no salga con cara de estreñimiento, haciendo una película aburrida/estúpida y/o intrascendente. Diría que hasta la época de Magnolia. Así de lejos, cuando quien escribe era joven y el mundo parecía un mejor lugar.

El caso es que contrario a todas las suposiciones, a los elementos divinos que parecían conspirar para que esta cuarta parte sea igual o peor que las anteriores, Protocolo Fantasma es todo lo que se desea de una película de este tipo. Sí, con algunas cosillas de más o de menos, pero teniendo en cuenta que la vi el 25 de diciembre y el espíritu navideño me azotaba el alma, pues se lo perdono.

Habéis leído bien, mis pequeños suspiritos azules, Misión Imposible 4 es para verla, y mejor si la ves en pantalla gigante para que vivás el momento Dolby Digital Surround a pleno.
Quizás la entretenida experiencia se la debamos a la dirección de Brad Bird, que antes se dedicaba a los dibujos animados, y cuyo currículum está avalado por Los Increíbles o Ratatouille (esta última me representa conflictos que es mejor no revelar) y que en este debut con actores de carne y hueso, demuestra que LO TIENE.

Algo así como cuando a Woody Allen le preguntaron por qué no daba clases  en alguna universidad, y Woody dijo que no había muchas cosas que enseñar: “Lo tienes o no lo tienes”. Bird LO TIENE, o parece tenerlo, el tiempo dirá cuán bien lo tiene.
Josh Applebaum guionista de series como Alias, Fastlane, Happy Town,etc. y André Nemec con idénticos créditos, escribieron el guión de manera efectiva, con algunos bachecillos argumentales que escapan a toda lógica, pero en general, muy superior a las anteriores entregas.

En esta ocasión nos hemos ido por lo “simple”. Ethan Hunt es rescatado o, mejor dicho, sustraído de una cárcel húngara. Dizque mató a unos cuantos serbios y dizque su agencia hizo la gran Poncio Pilatos. Pero oh! sorpresa, lo necesitan y van a sacarlo del agujero para darle una misión. Dicha misión involucra al Kremlin, terroristas, armas nucleares, códigos secretos y contraespionaje. Yes!!!Los rusos ar in da haus!!
Obviamente, no estamos hablando de un filme de Michael Haneke sino de Misión Imposible y, como tal, la misión de Ethan Hunt debe ser en apariencia imposible y de estúpida resolución. Que se la realice y vos digás: SON HUEVADAS! es otro tema, Bird nos muestra el disparate sin aburrirnos y sin despeinarse,  convirtiéndonos en seres momentáneamente felices.

A diferencia de las otras entregas donde se focalizaban en escenas de acción eternas y sin sentido (flashback: Tom Cruise. John Woo. Moto.  Cine René Moreno. 20 minutos después: Tom Cruise. John Woo. Moto. Cine René Moreno) aquí las escenas de acción suceden casi en cadena y con el argumento relativamente engranado a eso.
Este “show” de efectos especiales y secuencias que pretenden quitar el aliento, se realiza durante dos horas en las que llegás a decir: “Eso no lo vi venir”, porque no, no lo viste venir.
Existen cosas básicas que si yo fuera agente encubierto pensaría concienzuda y paranoicamente, pero supongo que 1) les dio flojera, 2) es Misión Imposible, 3) es la cuarta parte, así que no jodamos con verosimilitudes.

Y es que la fastuosa fotografía del señor Robert Elswit permite el olvido u/o distracción de ese detalle  y deja con el ojo embelesado en escenas como la del edificio más alto del mundo o la tormenta de arena, escenas que por sí solas aunque el filme apeste, hacen que ir al cine valga la pena. Elwist es otro que LO TIENE y lo ha demostrado infinidad de veces en películas como There will be blood, Magnolia, Punch Drunk Love y hasta la nefasta Gigli (todos tenemos nuestros resbalones).
Ajá.

Pero y Tom  Cruise? Tom está por cumplir 50 años y NO se le nota. Corre de aquí para allá en excelente estado físico (maldito!!)  y su interpretación es…hmmm…digna de un filme como este. A él lo acompaña Paula Patton, cuya elección como elemento ornamental (chica sexy hot de película de espionaje) es más acertada que  la escuálida Tandhie Newton o la individua que sale de su esposa.
Otro que le pone su toque es Jeremy Renner quien interpreta al agente Brandt. De hecho, se rumoreaba que a él se le pasará la tea encendida dejada por el personaje de Cruise, porque algún día Ethan tiene que dejar de correr de aquí para allá en excelente estado físico (MALDITO!!!) así que vayan acostumbrándose.

Llegando a los minutos finales,  Bird y compañía sucumben ante Hollywood de manera bochornosa alargando la trama  unos 15 minutos. Suficiente para que podamos atisbar que no, que definitivamente el mundo no es un lugar tan malo y que sí, (SPOILER) que existen finales bonitos, cursis, donde los personajes principales no sufren y todo termina de tal manera que te vas a tu casa pensando en qué lindo es ser agente encubierto y sacrificarte por la gran Norte América (FIN DEL SPOILER).
Mientras tanto, me doy por satisfecha. Protocolo Fantasma rescata esta franquicia del foso al que varios ya habíamos echado tierrita, recupera ese aire original de la serie de TV y, con sus fallas (que las tiene), nos regala momentos de trepidante acción.
Entretenimiento necesario para una masa que SUFRE las fiestas de fin de año y  desesperadamente busca evadirse de nostalgias, regalos, llamadas, cenas, festejos, y cohetes de forzada alegría.
Gracias, Bird.

Lo mejor: entretenida
Lo peor: sus 15 minutos finales
La escena: hay tres excelentes escenas: La del Kremlin, la del edificio más alto del mundo y la de la tormenta de arena.
Lo más falsete: bue…no nos vamos a poner exquisitos
El mensaje manifiesto: Una buena película de acción no es una quimera
El mensaje latente: Se requiere talento
El consejo: Vela en el cine y CON SUBTITULOS
El agradecimiento: entretenida
La pregunta: ¿la que le seguirá mantendrá la vara alta?

Abrí yahoo y me topé con la siguiente nota destacada: “El país en que las empanadas tumbaron a McDonald´s” y grande fue mi sorpresa, shock, estupor cuando descubro que se trata de un título apoyado en el estreno del documental boliviano “Por qué quebró McDonald´s” y que dicho país era nuestra querida Bolivia donde supuestamente amamos las salteñas, el majadito y etcéteras más que cualquier otra comida del mundo y donde dormimos liados a la bandera nacional susurrando el himno.

A la nota la acompañaban los admirados comentarios, felicitaciones, alabanzas de hermanos latinoamericanos que se creyeron lo ahí escrito. David derrotaba a Goliat.

Señores, señoritas y señoritos, todavía no se ha gestado en mí ese gusano malévolo llamado “nacionalismo” como para dejar pasar por alto el tema de fondo sólo porque se escucha “bien bonito” decir que la McDonald´s quebró porque valoramos tradiciones ancestrales y porque nuestro sentido de identidad está tan arraigado que aquí no puede campearse cualquier transnacional y vendernos Big Macs y Combos como si fueran sacos de quinua.

Empezaremos diciendo que el título de dicho documental falta a la verdad de entrada, en Bolivia la McDonald´s no quebró, sino cerró, gran diferencia. Uno de los quichicientos entrevistados, el señor Udler (titular de la franquicia mcdonaldiana en Bolivia) lo dice, y queda claro que fueron obligados a cerrar y que ellos la estaban pasando mejor que cumpleaños con piñata.

Hablaré de Santa Cruz, porque yo viví el momento McDonald´s y encima a cuadras de una de sus sucursales. Pues resulta que desde que la McDonald´s llegó al pueblo fue como si hubieran llegado los gitanos a Macondo. La cola de autos y de gente era ridículamente absurda. DESCOMUNALMENTE absurda, algo nunca visto por un plato de picante de gallina (si queremos seguir la línea del documental). Y el tiempo que estuvo funcionando, en horarios de almuerzo y cena era un suplicio ir a comprar Fast Food porque lo último que obtenías era comida de manera rápida, siempre colas y colas y colas. DUDO que en algún lugar de USA se hagan las colas que he visto hacer por una McDonalds en Santa Cruz. Este escabroso fenómeno es digno de estudiarse, pero ahora lo que nos atañe es otra cosa…

Vamos por partes decía Jack el Destripador. A nivel argumental, el documental hace una breve introducción sobre la llegada de la McDonald´s al país, un bosquejo sobre el efecto 9/11 (caída del World Trade Center) y luego se SALE del tema principal y pasa a explicarnos o a mostrarnos con singular dispersión la culinaria boliviana.

Este recuento gastronómico que involucra distintas partes del territorio patrio es condimentado con anécdotas personales de gente como Pepito de los Palotes que cocina arepas a las 3 de la tarde en el mercado (ejemplo), testimonios que parecían ser direccionados hacia la premisa de: “Qué bien se come en Bolivia, qué rica la comida, qué apegados somos a nuestra cultura”. La tesis principal del documental es que la McDonald´s “quebró” porque, como ya dije, en Bolivia preferimos nuestra propia comida y que los precios no hacían muy accesible el producto.

Si esa es tu tesis, PROBALA. Decime por qué cuando se viaja a los pueblitos alejados siempre encontrás hamburguesas y pollos, y por qué otras empresas con platos de igual precio que un McCombo siguen funcionando. El problema es que dicha tesis jamás es probada y ni siquiera existe un análisis real con números, estadísticas, o lo que sea para validar dicha tesis. No hay una investigación, sólo un compendio de entrevistas de gente ligada a la comida nacional, historiadores, hijos de vecino y otros. Algunos de esos entrevistados, emiten opiniones personalísimas (al final) de porqué la Mcdonald´s “quebró” en Bolivia, muy al estilo: “El cielo es azul porque Dios lo hizo así para que al mirar arriba tengamos algo bonito que ver”
Nadie explica el fenómeno real que supone la McDonalds como símbolo de globalización ni de sus políticas de expansión y crecimiento económico. Eric Schlosser en su libro “Fast Food Nation, el lado oscuro de la comida rápida” analizaba todos los pasos que llevó a la McDonald´s a ser una marca reconocida hasta por encima de la Coca Cola.

La McDonald´s basa su estrategia comercial y expansiva en números y Bolivia no fue el único país en el que se cerraron locales, ese “ajuste” en el que Bolivia es un dato marginal se llevó a cabo en 10 países más y se cerraron alrededor de 175 sucursales.

¿Qué es un monstruo? ¿Cómo nacen los monstruos?
En un pequeño pueblo alemán, empiezan a suceder hechos extraños. Extraños y perversos. Un médico sufre un accidente provocado por las argucias de un anónimo personaje, un niño es secuestrado y salvajemente flagelado por desconocidos, una familia sobrevive al luto y al incesto, Personas desaparecen, animales son torturados, y todo eso sucede en los albores de la primera Guerra Mundial.

Era Strauss. Era Kubrick. Era 2001 Odisea en el espacio. La escena del mono que levanta triunfal el hueso mientras Así habló Zaratrustra se escucha de manera apoteósica y se sucede la elipsis temporal más larga del cine, ESO damas y caballeros… es el legado, la tapa del cajón de imágenes grandiosas/dignas protagonizadas por primates.

Atrás quedó El libro de la selva con la espectacular secuencia de los monos jazzistas cantando Quiero ser como tú, o la mítica saga del Planeta de los Simios. Ajá, no hay hueso que levantar ni Strauss que lo sonorice.

Pero elay! La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida. Después de casi dos semanas insoportables de no ver cine, DVDs, o cualquier similar…estaba con un síndrome de abstinencia jodido. Miseria, calor, miseria y el viento sopla fuerte sobre la playa, mi casa está en el cielo cerca del soooool.
Cerraba los ojos y veía imágenes raras y lucecitas de colores.

Así que cuando FINALMENTE hubo tiempo, libertad para hacer lo mejor que se puede hacer en el mundo (ir al cine) juimos a ver El Origen del Planeta de los Simios. Casi análogamente, paradójicamente, providencialmente y otros mentes.

ANALOGAMENTE: Unas semanas atrás un mono atacó a un amigo, la noticia salió en EL DEBER: “Mono aterroriza a los vecinos de la Madre India”. Amén de las inyecciones antirrábicas que hasta la fecha el "aterrorizado" sujeto recibe, el chiste fácil caía como anillo al dedo y no fueron pocos los comentarios prediciendo que estábamos en los albores de una revolución.

PARADOJICAMENTE: Recordé el 2001, cuando tumbaron el World Trade Center. La fe en el ser humano no fue lo único que se destruyó. Ese 2001, Tim Burton la cagó con su versión de El Planeta de los Simios, como más adelante cagaría Charlie y la fábrica de chocolates y Alicia en el país de las maravillas.

Todo hacía pensar que si Tim, NUESTRO Tim, nos dejó tanta fetidez y no pudo hacer nada por revivir uno de los filmes de ciencia ficción más importantes de la historia del cine, para cualquier otro crispín dicha tarea sería crónica de un fracaso anunciado.

PROVIDENCIALMENTE: Asquito el poster, sí, pero esta nuevísima, digitalizada lectura de El Planeta de los simios no sólo es una película entretenida, sino que sobrepasa lo digno y se sitúa como un filme por momentos entrañable.

Este chocolate para el alma está dirigido por un casi desconocido Rupert Wyatt. Rupert, británico que sólo tiene en su repertorio a The Escapist, consigue lo inaudito: Dotar a esta nueva versión de emotividad, y hacerlo de manera sobria, elegante, con escenas logradas y con un resultado global que lo sitúa bajo la etiqueta nada despreciable de “Buen director”. (ARDE EN EL INFIERNO MICHAEL BAY)

La trama gira en torno al científico Will Rodman (James Franco) que busca la cura contra el alzhaimer, cuyo padre Charles (un excelente John Lightgow) sufre de esa terrible enfermedad.
Como la humanidad es mañosa e inescrupulosa, Will anda jugando a ser Dios, y crea el ALZ112, que se empieza a testear en simios.

Ojos Brillantes (guiñito a Charlton Heston), un simio hembra, parece ser la prueba de que funciona, pero nada es lo que parece…(insertar soundtrack de Psicosis)… Cuando acordamos, el asunto se va al chancho con impulso y Will termina adoptando responsabilidades poco usuales.

A la historia se suma César, el simio interpretado por Andy Serkis que en el pasado robó mi corazón como Gollum (Señor de los Anillos), y que se convierte en el eje del filme. (Insertar redobles de tambores, fanfarrias, y sonidos de caballos a galope) Cuando la película culmina, en nuestra cara pelada nace un caudillo. Un líder.

Si hubiera una bandera para izar, créanme que ya estuviera flameando en lo alto del mástil. La transformación, evolución, revolución de César (Ave César) nos dejará conmovidos, con ganas de sacar a pasear al perro más seguido (sí, sos una mascota) y de cortar el consumo de 99.9% de productos que forman parte de nuestra vida.

Un bosque de secoyas se convierte en quimera de sueños, libertad, reencuentro ecológico, lagrimita de butaca, click de la caja registradora para la secuela, y claro…el hogar.

Por eso es que me paro en una silla, agarro un megáfono y grito: YA ERA HORA. Ya era hora que desde las entrañas de la industria hollywodense, nazca un filme a ojos vista comercial, pipoquero, hasta engañoso por ratos, pero que ESTA BIEN.

Obvio que tiene algunas fallas, sobre todo en la última media hora cuyo desarrollo aleja a El Origen del Planeta de los Simios de un filme memorable y de culto. O sea: pudo ser, por momentos lo es, pero no termina de serlo.

El australiano Andrew Lesnie cuyo excelente ojo fue el responsable de la dirección de fotografía de la trilogía de El Señor de los Anillos, del filme Soy Leyenda, de King Kong, y hasta de Babe, el cerdito valiente, entre otras, aporta belleza a las imágenes. Hermosos planos, hermosas escenas, her-mo-so. Con respecto al apartado actoral, digamos que en este filme los humanos son sobrepasados por la intensidad que logra desprender con una sola mirada Andy Serkis como César.

No me parece el mejor trabajo de James Franco, pero nuestro amigo John Lightgow que dejó nuestras mentes traumadas con Trinity, el serial killer némesis de Dexter, sí hace una más que una correcta interpretación. Cosita (¿veterinaria? esposa, concubina del personaje de Franco) está de adorno, y es lo más flojito flojito en actuación.

Amanda Silver y Rick Jaffa unieron manitos para escribir este guión. Ambos han trabajado poco, pero consistentemente en filmes como: La mano que mece la cuna (la niñera loca bitch), Ojo por ojo (una sufrida Sally Field que se intenta vengar de un maleante Shuterland), La reliquia (no gracias) y alguito más.

Silver y Jaffa crean un guión lleno de homenajes y reverencias a la saga que la precede, tejen un argumento fuerte, cuyas flaquezas principales se encuentran en la forzada y gratuita historia de amor, así como el sinsentido que impera en algunas secuencias finales.

Eso no importa un carajo. Igual los gritos, la serpentina y el abrazo a la distancia para Rupert, continúan.
El origen del Planeta de los simios se presenta como una buena alternativa dentro de la cartelera de cine. En 1963, el francés Pierre Boullen sacaba su novela El Planeta de los Simios. En 1968, Franklin J. Shaffner fue el encargado de dirigir la versión cinematográfica, naciendo así una de las más respetables sagas de ciencia ficción. En el 2011, podemos decir que SI, SE PUEDE. La historia continúa.

Lo mejor: Bonita, bien contada, con un guión decente y la interpretación magistral de Andy Serkis (César).
Lo peor: el momento en que César hace lo que nadie esperaba, me parece que ahí es cuando la historia empieza a caer. (escena del simio en el encierro atajando la mano del Felton)

La escena: cuando hieren al padre de Will, la reacción de César, también la organización del puente.

 
Lo más falsete: el No y la historia de amor.

El mensaje manifiesto: Qué hijos de puta los que experimentan en animales

El mensaje latente: Evolución no es lo mismo que revolución

El consejo: Vela en cine.

El agradecimiento: Gracias por no hacerla en 3D y por no alargarla al pedo. La pregunta: ¿Mantendrán la dignidad en las secuelas que se vienen?

CURIOSIDADES - Tom Felton (Dodge, el cuidador malo) dice dos frases míticas que dijo el personaje de Charlton Heston en el Planeta de los simios: “Es un manicomio! Es un manicomio!” y “Quítame tus sucias garras de encima, sucio simio”.

Los nombres de Maurice y Buck que aparecen como compañeros de encierro de César son un homenaje a actores originales de la saga.

Kathryn Bigelow (The Hurt Locker), Robert Rodríguez (El Mariachi) y Tomas Alfredson (Let me in, versión sueca) fueron algunos de los nombres que se barajaron como posibles directores.

El rodaje se realizó en Vancouver, San Francisco (California) y Oahu (Hawai) La música fue compuesta por Patrick Doyle e interpretada por la Hollywood Studio Symphony.

Hasta septiembre el filme ha sido un éxito de taquilla llegando a recaudar en USA y en otros países un total de 377, 718,000 $us.

Charlton Heston murió hace ya unos años, y esta sería la primera Planeta de los Simios en que no actuaría, pero Rupert y compañía se dieron mañas para que el tipo aparezca solapadamente, en el encierro de los simios, hay teles en los pasillos que pasan La agonía del éxtasis.

También mientras Felton está de guardia, se ve en una televisión Los Diez Mandamientos con Heston en el papel de Moisés. Se vienen las secuelas.

EXTRAS VERDE, NO TE QUIERO VERDE

Llegando al fondo de la noria de ese bochornoso oficio que significa escribir sobre cine, me toca hablar de Linterna verde y decir que lo que la hace digerible es nada más y nada menos que Ryan Reynolds. No particularmente por sus dotes histriónicas sino porque se pasea en pantalla con la gracia y el acervo que sólo una presencia trabajada duramente en gimnasio puede conseguir. Esa imagen que parece photoshopeada hace que pagar la entrada en 3D valga la pena.

Los asistentes a Taller de Crítica Cinematográfica y los lectores de los manuales: “Cómo escribir una crítica sin sonar estúpido e ignorante” y “12 pasos en la importantísima y exigentísima escritura de opiniones sobre cine”, así como los folletines (semanales) de “ESSS: Escribir sobre Sine es Serio”, pueden dirigir sus comentarios a: aullidosdelacalle@yahoo.com.

Siguiendo con Linterna Verde. Lo rescatable, remarco, es Reynolds. Lo bueno de Reynolds o el bueno de Reynolds se exhibe impúdicamente dentro de una historia facilona, sin mucho sentido, en la que ni siquiera los efectos especiales resultan una novedad o llevan hacia una escena que te haga pensar: WOW. En la estupidez de Transformers 3, la escena del edificio cayendo estuvo decente, pero en Linterna Verde no existe nada a lo que aferrarse. Quizás, aparte de Reynolds, la villanía de un gran actor como Peter Sarsgaard…eleva el nivel de un pastiche llevado a la pantalla gigante con el único afán de sacarNOS unos cuantos pesos.

No se podía esperar mucho del neozelandés Martin Campbell, quien figura como director de filmes igual de paupérrimos como Casino Royal, La máscara del zorro, y Límite Vertical. Campbell se unió a gente como Greg Berlanti para que le escriba la historia, este muchachón es más conocido por escribir los guiones de Dawson´s Creek (guácala) y otras series de TV de ese mismo estilacho.

Y a él lo acompañan CUATRO crispines más con casi similares credenciales. Así que no le podemos pedir peras al olmo. Para cerrar otra decepción de este 2011, a Linterna Verde le agregan la yapita más ridícula de todas las yapitas vistas en los créditos finales. Una yapita que nos informa (como si hiciera falta) que la secuela is coming, y que será tan o igual de inoficiosa que esta primera parte.

LA PESTE Y ya por si fuera poco, he aquí un filme del que tienen que huir como si se tratara de la gripe aviar. Esto es peor que todo lo reseñado durante el 2011, con la digna excepción que supone la producción nacional, imbatibles en cualquier rubro: ABDUCTION es el título en inglés, y para que no los agarren con los calzones abajo: SIN SALIDA o SIN ESCAPE, el nombre en español.

Nos venden esta cosa como el debut SERIO de nuestro amigo Taylor Lautner conocido en el farandulete como "el lobito", o Jacob, personaje que interpreta en la no menos apestosa saga Crepúsculo. En Crepúsculo lo vemos porque se saca la camisa n veces, y nada más. De hecho parte de la publicidad de Abduction era que NO tomaríamos en cuenta sus biceps sino su desempeño actoral. ERROR.

Abduction comienza con escenas teens acartonadas, aburridas, lelas. Uno espera pacientemente que la acción comience, porque supuestamente es acción suspenso. El paraíso teen, repito, es retratado con cero inspiración y con un menos cero de talento. He visto series de TV que captan mejor esa esencia.

Resulta que Nathan (Taylor POSTE DE LUZ Lautner) anda enamorado de la vecinita. La vecinita es su compañera de clase y les dan una tarea en el colegio sobre los missing child. Después de un montón de miradas "INTENSAS" en los pasillos escolares, finalmente entramos a la trama donde se involucra a la CIA, mercenarios de guerra, secretos de estado, y otros.

Lautner hace gala de una de las peores actuaciones que he visto este año en un protagónico. Hijo mío, sacate la camisa nomás. A su lado están actores de la talla de María Bello, Sigourney Weaver, Alfred Molina, Jason Isaacs, que son BUENOS ACTORES, pero que al parecer fueron tentados por el vil metal y se metieron en esta película que de cajón irá seleccionada a los Razzie Awards.

LARRRRGA, aburrida, sin sentido, o la palabra correcta sería ESTUPIDA, mal filmada, mal guionizada, mal montada, mal actuada, horrible. Nos deberían pagar por verla, y no al revés. Que no se diga que NO les avisé.